qui sommes nous?

 

Une équipe de critiques rend compte,  jour après jour, des spectacles (théâtre, danse, arts de la rue, cirque, performances, etc…) qu’ils voient en  région parisienne, en  province, et à l’étranger.

Julien Barsan, conseiller dans une entreprise culturelle, est aussi critique dramatique.

Elise Blanc, critique dramatique, a soutenu un master sur L’Echange de Paul Claudel à Paris-Sorbonne.

Françoise du Chaxel est auteur, critique et directrice de la collection Théâtrales jeunesse. 

 Jean Couturier est critique dramatique,  et assistant du rédacteur en chef.

Mireille Davidovici, dramaturge, traductrice et  conseillère artistique. A dirigé quinze ans l’association  Aneth, consacrée aux auteurs contemporains disparue en 2010. Assistante du rédacteur en chef.

Christine Friedel est critique dramatique et conseillère artistique.

Véronique Hotte est critique dramatique et enseignante.

Evelyne Loew, critique dramatique, a été  la collaboratrice et dramaturge  de Jean-Claude Penchenat, au  Théâtre du Campagnol; elle a aussi publié plusieurs livres sur l’histoire du théâtre contemporain.

Béatrice Picon-Vallin,  directrice de recherches au CNRS (ARIAS), auteur d’ouvrages sur le  théâtre russe , la mise en scène, et les rapports entre le théâtre et les autres arts. Elle dirige les collections : Mettre en scène  à Actes Sud -Papiers, Arts du spectacle aux Editions du CNRS et Th XX à L’Age d’homme).

Edith Rappoport a été directrice des théâtres de Choisy-le-Roi et Malakoff, puis conseillère pour le théâtre à la D.R.A.C. Ile-de-France; elle écrit aussi dans la  revue Cassandre.

Brigitte Rémer, docteur en sociologie, et consultante en politiques culturelles internationales, elle fut directrice de la Formation Internationale Culture au Ministère de la Culture, puis directrice adjointe  au Centre culturel Français d’Alexandrie.

Laurie Thinot, directrice artistique, réalisatrice et critique de spectacles.

Philippe du Vignal, rédacteur en chef du Théâtre du Blog, a longtemps dirigé l’Ecole du Théâtre national de Chaillot où il enseignait aussi l’histoire du spectacle contemporain. Il a été responsable de la rubrique Théâtre aux Chroniques de l’Art Vivant puis  à Art press. Il a collaboré aux Nuits magnétiques d’ Alain Veinstein ainsi qu’au journal La Croix. Il a aussi   été  professeur à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs( scénographie)
Il est aussi critique dramatique aux Lettres françaises et à Strada.

Correspondants: Gérard Conio, professeur émérite de l’Université de Nancy et spécialiste de la civilisation russe, pour la Russie et les pays de l’Est; Nathalie Markovics,  pour les capitales européennes;  Alvina Ruprecht du département Théâtre de l’Université d’Ottawa, pour les théâtres d’Ottawa, le Canada anglophone et les Caraïbes.

Bamako Photo in Paris.

Affiches-électorales-©Sogona-Diabaté

Bamako Photo in Paris.

 

C’est un Mali d’aujourd’hui, qui est présenté, loin des conflits et des extrémismes, dans la diversité et le regard des Maliens sur eux-mêmes. On y voit sa société et on y lit sa vie, grâce au regard de plusieurs générations de photographes auxquels l’exposition rend hommage.
Certains sont déjà des classiques, comme Malick Sidibé, qui parcourt Bamako à bicyclette depuis 57 et rapporte des images de bals et de surprise-parties, avec une vision personnelle de la jeunesse malienne. Comme Seydou Keita, autodidacte, spécialiste du portrait, qui a photographié les élégantes du tout-Bamako en de somptueux noir et blanc. Ou encore comme Adama Kouyaté, qui a élaboré dans son studio un décor inspiré des costumes traditionnels et des attitudes ancestrales pour ses prises de vue. Ou encore Mory Bamba, qui témoigne de la vie quotidienne des habitants des villages, et notamment des Peuls de Sikasso.
Aux côtés des aînés, la génération suivante, âgée d’une trentaine d’années, aussi ironique que poétique, n’est pas moins talentueuse, et le collectif Djabugusso en donne un bel échantillon : Amadou Keita parle des formes, d’environnement et de déforestation ; Seydou Camara présente ses Portes et manuscrits de Tombouctou (dont une publication a été faite, sur un texte de Jean-Michel Djian) ; Adama Bamba, fils et petit-fils de photographes, travaille, lui, sur le mouvement de l’eau et l’empreinte de l’homme sur la nature ; Bintou Camara présente ici une partie de Les Chinois en Afrique, reportage pour lequel elle a obtenu, il y a deux ans, le Prix Visa pour la création.
Fatoumata Diabaté, elle,  est un oiseau de nuit qui rapporte de ses sorties nocturnes, des instantanés de la jeunesse. Elle avait auparavant travaillé sur un thème philosophique L’Homme en Animal qui lui a valu le prix de la Fondation Blachère, et sur Les Touaregs ; Sogona Diabaté, jeune femme engagée, insère publicité et propagande électorale dans ses images, tout en déclinant le thème des chaussures qu’elle aime particulièrement ; Mamadou Konaté met en musique son imaginaire poétique en des compositions élaborées, aux couleurs sensibles, et Dicko Harandane théâtralise ses photos, en inscrivant l’homme dans le no man’s land de bâtiments en ruine.
L’association Oscura présente aussi des sténopés, simples boîtes percées d’un trou et tapissées d’un papier photosensible, à travers l’oeuvre collective de jeunes maliens en situation difficile. Mohamed Camara représenté par la Galerie Pierre Brullé, inscrit son travail derrière les rideaux, dans l’intimité des maisons, et Emmanuel Bakary Daou, pose pictogrammes et symboles sur ses images, empreintes d’un mysticisme discret.
Enfin, l’œuvre photo du cinéaste engagé, Souleymane Cissé, qui nous avait conquis depuis 75 par ses films : Den Muso (La Jeune fille) puis Finyè (Le Vent) sorti en 82, primé au festival de Carthage et au Fespaco de Ouagadougou, ou encore Yeelen (La Lumière) qui avait remporté le prix spécial du jury au festival de Cannes en 87. Il nous fait ici, avec des images arrêtées, partager son jardin secret.
Les photos, sélectionnées par Françoise Huguier, commissaire de l’exposition et bonne connaisseuse de la photo africaine, photographe elle-même, forment un kaléidoscope de la vitalité artistique du pays, devenu phare depuis la création en 94 des premières Rencontres africaines de la photographie-Biennale de Bamako.
L’exposition s’ouvre sur un texte d’Amadou Chab Touré, professeur d’esthétique, qui a créé en 2000 la première galerie d’art de Bamako. Il poursuit son travail à la Maison Carpe Diem de Ségou, qu’il a ouverte récemment. Son long texte d’introduction, propos engagés dans la lutte contre l’obscurantisme, donne le ton.
Derniers jours pour se rendre au Pavillon Carré de Baudouin, lieu culturel de la Mairie du XXème. Organisée en partenariat avec la Mairie de Paris sous le haut patronage de Valérie Trierweiler, soutenue par le Ministère de la Culture et de la Communication et Photo Off, Bamako photo in Paris vaut le détour.
Photographier quelqu’un, c’est prendre, ravir son « dyaa »,  que l’on traduit, selon le cas, par double vital, esprit agissant, intelligence, image, reflet, attention, intelligence, ombre. C’est cette croyance, encore très répandue chez les personnes âgées, que traduit cette déclaration d’une vieille Malinké, retransmise par l’ethnologue Youssouf Tata Cissé. « Si les Français sont venus à bout de l’Almâmy Samory Toûré, c’est bien parce qu’en le photographiant, ils ont ravi et emporté avec eux son « dyaa » , afin de le travailler, de l’envoûter ».

 

Brigitte Rémer

 

 Pavillon Carré de Baudouin, 121 rue de Ménilmontant. 75020 (M : Gambetta) jusqu’au 7 décembre, de 11h à 18h. www.carredebaudouin.fr et www.mairie20.paris.fr

Regards de Séverine Fontaine

Regards de Séverine Fontaine.

 

Parmi les nombreux spectacles proposés ce mois-ci à la Maison des métallos, on a pu voir Regards de  Séverine Fontaine qui, après avoir été longtemps comédienne, a fondé le collectif IKB en 2002. A mi-chemin entre théâtre et installation, elle propose une forme dramatique où elle s’intéresse d’abord aux autres, notamment les personnages âgées et les adolescents comme dans son projet Filaments.
Un chemin nécessaire pour lui amener le recul et la maturité et pour enfin nous parler d’elle. Séverine Fontaine est née avec une malformation faciale, même si ce n’est pas un beau bébé, ses parents sont derrière elle, particulièrement sa mère qui l’enjoint à garder la tête haute et à rendre le regard à ceux qui la dévisagent.
Le spectacle raconte différents moments de vie précis ou ressentis de cette grande épreuve. Comment supporter le regard des autres ? Comment grandir, avoir des ami(e)s, vivre sa puberté et devenir une femme ? Autant de questions rendues encore plus difficiles pour cette jeune fille. Elle connaîtra une quinzaine d’opérations, presque à chaque été de son enfance, qui changeront sa physionomie mais elle grandira et se construira par rapport à cette difficulté.
Au début du spectacle, elle est au milieu du public et annonce le fiasco de ce qui devrait être un jour merveilleux, celui de sa naissance. Elle parcourt les rangs et fixe les spectateurs comme pour dire : « Vous pouvez me regarder, je ne suis pas monstrueuse, je vous autorise à poser votre regard sur moi » et ce début débloque fortement les choses. Elle évolue ensuite dans un superbe décor : une multitude de lampes (type lampe d’architecte) symbolisent le regard des grands et des petits portés sur elle.
Séverine Fontaine ne nous épargne rien, et témoigne en toute sincérité de son évolution, comment, par exemple, elle s’est vengée du destin en séduisant les garçons avec le « reste » de son corps. Cette scénographie s’accompagne d’une vidéo particulièrement sobre comme les lumières du spectacle.
Ce qui est prodigieux dans ces Regards, c’est le ton de Séverine Fontaine : jamais d’accablement, une énergie incroyable, une féminité incarnée, une volonté de ne rien nous cacher, et enfin, un sens de la dramaturgie et du rythme très justes. On ne s’ennuie pas une seconde, il y a aussi de la musique et du chant, des refrains qui reviennent comme des idées fixes, et elle n’hésite pas à se replonger dans ces rêves de petite fille et d’adolescente, ce qui facilite l’identification pour les plus jeunes des spectateurs.
Rares sont les performances aussi fortes et aussi maîtrisées théâtralement ; on est souvent ému. La superbe fin, que l’on ne vous dévoilera pas, prouve, s’il en était besoin, toute l’énergie positive que Séverine Fontaine sait nous communiquer.

A l’exemple d’un Alexandre Jollien et de son Eloge de la faiblesse, monté par Robert Bouvier, Séverine Fontaine nous donne les clés pour changer notre regard après le spectacle…

 Julien Barsan

 Maison des Métallos, et le 8 mars au Cube d’Issy-les-Moulineaux, puis à Bourg-en-Bresse et à La Friche de La Belle-de-Mai à Marseille.

Hot House

Hot House d’Harold Pinter, mise en scène de Valéry Forestier.

La compagnie Adada et le collectif A.A proposent au Lucernaire jusqu’au 11 janvier une version  de Hot House d’ Harold Pinter. Entre « La Clinique de la forêt noire » et « L’hôpital et ses fantômes » de Lars Von Trier… Cela se passe dans une maison de convalescence. Les  personnages, « cadres hospitaliers », comme ils aiment à se qualifier, évoluent dans cette grosse machine kafkaïenne où les patients sont débaptisés et portent désormais un numéro de matricule.
Tous les personnages ont un côté loufoque très appuyé, au premier rang desquels le directeur, en proie à une mélancolie permanente, et qui ne cesse de pleurer. On sent bien que quelque chose n’est pas normal dans la manière dont sont traités ces patients (jamais incarnés durant la pièce). La machine aux  grands rouages poussifs va s’enrayer à cause de deux événements : le décès d’un patient et l’accouchement d’une autre, (l’accouchement étant ici presque plus grave que le décès…).
Il y a ici le même type de mise en scène qu’on avait adoré (ou détesté !) dans Ubu Roi monté par  la même équipe : utilisation d’un castelet et d’objets dans le jeu, prise de parole en plan serré. Trois  châssis coulissants, un peu comme une grande armoire, réservent des cadres ou des ouvertures. Quand les comédiens jouent à l’intérieur du castelet,  on ne voit que leur buste, visage et mains.
Il s’agit souvent de scènes à deux, et le troisième, caché,  procède à la manipulation des châssis ou d’objets divers. Souvent, les  têtes des personnages se rapprochent par l’effet du mouvement des panneaux qui les coincent très près l’une de l’autre, ce qui crée un effet de zoom. Heureusement,  ces comédiens ont aussi un corps et savent évoluer en dehors de cet ingénieux dispositif.
On est ici dans un sur-jeu assumé, tirant vers l’humour anglais, ce qui donne au spectacle une véritable absurdité comique. Certains textes sont débités à une vitesse folle mais avec une articulation très sûre: belle performance d’acteurs! On est ici dans la caricature assumée, drôle, et maîtrisée de bout en bout, ce qui permet de s’éloigner  du texte,dont les circonvolutions peuvent lasser…
Mais il ne faut pas bouder son plaisir  et on passe quatre vingt dix minutes à rire de gags un peu gros mais très efficaces…

Julien Barsan

Théâtre du Lucernaire à 21h jusqu’au 11 janvier.

Blaise Cendrars

Blaise Cendrars, la légende bourlingueuse par Patrice Delbourg et Eric Cénat.

 

  Il se passe toujours quelque chose à Paris, et souvent tout près de chez soi !

Ce soir-là, à la Mairie du deuxième arrondissement, La Scène du Balcon qui, depuis dix ans, propage la littérature dans le quartier, nous proposait, dans le cadre d’une lectothèque idéale,* de bourlinguer dans l’œuvre multiforme de Blaise Cendrars.
Patrice Delbourg, poète, membre de l’émission de France-Culture,Les Papous dans la tête, lit des extraits de la biographie qu’il lui a consacrée, coiffé d’un galurin digne de son modèle. En écho, Eric Cénat donne voix aux textes de Cendrars, témoins d’une vie personnelle et littéraire aventureuses.
Les mots de Cendrars et ceux de Delbourg se mêlent intimement, tandis que défilent sur un écran les portraits que peintres et photographes ont faits de l’écrivain suisse, né à La Chaux-de-Fonds en 1887. Louis Sauser, qui courut le monde, fut naturalisé français, et mourut à Paris  en 1961.
De cet exercice d’admiration composé avec brio, Delbourg privilégie pour le public des détails marquants comme l’Alpha Roméo du poète. « Dans le coffre de son bolide (…), le poète allumé trimballe dix caisses de livres immensément lourdes, avec, notamment, Nerval, Huysmans, Villon et Rémy de Gourmont. Quand il se trouve en transit maritime, ces livres chéris lui coûtent une fortune en transport. Il relève aussi le contraste entre “l’apparence physique de l’auteur, sa mine vaguement patibulaire de maraudeur rastaquouère à l’expression gouailleuse, brute de fonderie, et son écriture, si pure, si limpide, si tendue et si intense d’émotion charmeuse.” Delbourg attire aussi l’attention sur la ressemblance de son chien Wagon-Lit avec un Cendrars vieillissant.
Mais, dit Delbourg, «ne voir en Cendrars qu’un bourlingueur affabulateur, c’est manquer d’emblée cette conscience souvent inquiète que le poète eut de naître à tout instant.»Le double visage de l’homme  au bras coupéest toujours présent chez son biographe. Il nous révèle ainsi les déboires de l’écrivain à New-York qui donnèrent lieu à un poème fulgurant : Pâques à New York.
Laissons cependant le mot de la fin à celui qui vitupérait sur la poésie de son époque, «beau cénacle de culs-de-plomb », en empruntant un vers à un opus de jeunesse préminitoire, La Prose du Transsibérien :“Toute vie n’est qu’un poème en mouvement. Je ne suis qu’un mot, un verbe, une profondeur dans le sens le plus sauvage, le plus mystique, le plus vivant.”
  Et replongeons-nous sans tarder dans ses écrits, guidés par Delbourg qui nous balade dans l’Odyssée Cendrars (éditions Écriture) par ordre alphabétique. D’Apha Roméo (Cendrars était fou de vitesse et de voitures) à Zone (sa proximité/rivalité avec Apollinaire).

 

Mireille Davidovici

 

Vu à la Mairie du 2ème de Paris le 30 novembre.*Prochaine lecture du cycle : Cet Allais vaut bien le détour vendredi 31 janvier à 19h 30, à la mairie du 2 ème, 8 rue de la Banque 75002

 

Partita 2

Partita 2

D’après Partita n°2de Jean-Sébastien Bach

Chorégraphie d’Anne Teresa De Keersmaeker

Avec Boris Charmatz

 Amandine Beyer, dans le noir au bord du plateau joue en solo la Partita ; le violon fait danser la musique, l’obscurité la sublime. Quand la musique se tait, dans la pénombre, deux silhouettes se dessinent. Course poursuite entre les danseurs. Anne Teresa De Keersmaeker et Boris Charmatz se cherchent, se trouvent, se repoussent établissant des points de contact entre leur univers respectifs. La chorégraphe mène la danse, son partenaire lui emboîte le pas : sauts, petits galops, roulés-boulés, pirouettes suspendues, équilibres précaires, chacun pour soi ou en dialogue, leur corps à corps sont des pas de deux subreptices plus ludiques que sensuels.
Puis le violon revient et chaque interprète rejoue sa partition, en trio. La chorégraphie d’Anne Teresa De Keersmaeker prend alors tout son sens en résonnance avec l’architecture complexe de Bach. Un style minimaliste, à la mesure d’une musique épurée.
Cette danse sans fioriture a quelque chose d’austère et si ce n’est la musique qui la sous-tend, tient plus d’un exercice, d’une répétition en cours car, comme le mentionne le programme, la chorégraphie est née d’une séance d’improvisation spontanée en plein air, entre les deux danseurs tôt un matin en 2010, sur le plateau vide du Cloître des Célestins. Sur le grand plateau vide du théâtre, la chorégraphie a quelque chose de figé, de mental, comme fixer ce moment de grâce auroral était resté de l’ordre de l’intention.

On sort du spectacle avec une perplexité frustrée sans pourtant regretter d’être venu, eu égard au talent incontestable des trois interprètes.

 

Mireille Davidovici

 

Création au Kunstenfestivaldesarts, mai 2013 

Vu au Théâtre de la Ville de Paris, 28 novembre 2013

http://www.rosas.be/fr/production/partita-2

 

Les Journées de Lyon

Les journées de Lyon des auteurs de théâtre

 

Créées, il y a vingt-quatre ans, par René Gachet et le regretté Jean-Jacques Lerrant, un homme qui a fortement marqué la vie théâtrale lyonnaise, ce concours d’écriture dramatique reçoit chaque année quelque quatre cents textes, et en couronne sept, dont une traduction; trois d’entre eux feront l’objet d’une édition.
En ce dernier jour de la manifestation, la salle est comble à la médiathèque de Vaise qui abrite un important département Arts du spectacle. Pourtant l’objet du débat : « Spécificité de l’écriture théâtrale entre le livre et la scène » est peu engageant. Un de ces sempiternels colloques pourrait-on craindre! Non, ici, rien de tel : l’intérêt tient à la variété et la disparité des réponses des lauréats : Patrick Dubost, Perrine Gérard, Clémence Weill, Solenn Denis, Claire Audhuy, Stanislas Cotton, et la traductrice Séverine Magois. Ils ont chacun leur approche et ne trancheront pas sur ce qui prime à leurs yeux: la scène, ou le livre qui doivent selon eux, trouver sa langue, son rythme, avec, ou sans personnages, même si, selon la célèbre phrase d’Antoine Vitez: « On peut faire théâtre de tout ».
Cette rencontre offre un panorama de la dramaturgie contemporaine dans toute sa diversité, et ce panel comprend plus de femmes-dont de très jeunes-que d’hommes, confirmant ainsi l’accès massif des femmes, autrefois marginal, à l’écriture dramatique. Elles viennent essentiellement du plateau, comme une bonne part des homme, et souvent après une solide formation littéraire.
L’après-midi sera consacré à deux lectures. Dans Sandre, Solenn Denis confie son monologue à une acteur, bien qu’il s’agisse du récit d’une femme infanticide. Un pari qui permet de distancier cette sordide histoire racontée avec une grande délicatesse : des mots simples, une sincérité désarmante, une certaine dérision. Transposé dans le corps d’un homme, en l’occurrence Stéphane Daublain, le crime de cette Médée, version fait divers, prend un tour universel.
« Nous ne rions jamais/Sinon par erreur/ Nous sommes/Mélancoliques » : loin du quotidien sordide de la pièce précédente, Mélancolie douce de Patrick Dubost lauréat du Prix Jean-Jacques Lerrant, nous attire, en 49 respirations, dans le monde doux amer de la mélancolie. Cette partition chorale en demi-teintes aborde avec humour, la pensée noire qui habite le poète. « Je sais que la nuit/me va bien/Je suis là ce soir pour tenter /quelque chose avec vous », écrit-il, dans son livre publié aux éditions La Rumeur libre.
La mise en espace très élaborée et illustrative a l’avantage de nous aider à décrypter un texte difficile, au risque cependant d’en perdre la substance et le véritable souffle. C’est la difficulté pour des pièces à la lisière du théâtre et de la poésie.
Ce n’était là que l’épilogue de ces Journées… L’événement a mis en lumière le travail souterrain d’une vingtaine de lecteurs bénévoles venus de tous bords par amour du théâtre : enseignants, metteurs en scène, comédiens, journalistes…Certains de ces textes, par le bouche à oreille, trouveront les chemins de la scène dans la région ou ailleurs, et c’est l’essentiel

 

Mireille Davidovici

 A Lyon le 23 novembre 2013. Pour en apprendre davantage sur Les journées de Lyon : T: 04 72 85 09 04

 

www.auteursdetheatre.org

 

Liquidation

Liquidation, d’après le roman d’Imre Kertész, traduction du hongrois de Natalia Zaremba-Huzsvai et Charles Zaremba, mise en scène de Julie Brochen.

 

 Prix Nobel de littérature en 2002, date à laquelle il se fixe à Berlin avant de revenir en 2013 à Budapest pour raisons de santé, l’écrivain d’origine hongroise, Imre Kertész, se définit d’abord comme juif européen. L’expérience, à quinze ans, du camp de concentration -Auschwitz, Buchenwald puis le camp de travail de Zeits- l’éprouve intérieurement à vie.
Libéré en 1945, il revient en Hongrie où sa famille a été exterminée. Son premier roman sur une « formation à l’envers », Etre sans destin, paraît en 75, mais n’est publié en France qu’en 98 (Actes-Sud).
Le public de théâtre se souvient de Kaddish pour l’enfant qui ne naîtra pas, créé par Joël Jouanneau, avec Jean-Quentin Châtelain. D’autres ouvrages paraissent, Un autre : chronique d’une métamorphose, Le Refus, Le Chercheur de traces, Liquidation, l’Holocauste comme culture, Journal de galère, Sauvegarde, L’ultime Auberge …, des titres révélateurs d’un indicible et irréversible mal-être existentiel.
Ainsi, Liquidation (2004) que met en scène Julie Brochen, directrice du Théâtre National de Strasbourg avec  son École supérieure d’art dramatique-depuis 2008 et jusqu’en 2014 -, est un titre éloquent.  Comment se débarrasser d’un passé trop lourd qui entrave les jours de la vie ? Comment apurer le compte des douleurs qu’a pu proposer l’aventure humaine ? Parfois, la fatalité du destin se retourne contre soi avec le suicide, une mort choisie.
Liquidation propose le cheminement d’un éditeur, Kerusü- « amer » en hongrois, peut-être le double de Kertész- à travers les méandres d’une recherche personnelle autant que professionnelle. Il s’agit de mettre la main sur le manuscrit introuvable de B., son ami écrivain , qui a mis fin à ses jours. Ce manuscrit énigmatique, clé de voûte d’une œuvre essentielle destinée à la publication, devient une question de survie pour celui qui se dit éditeur par erreur : « Je raconte ma carrière, ma déchéance totale, celle du monde entier, pas le monde littéraire mais celui des guerres et des dictatures… »
Adaptée pour la scène, cette création est à l’origine un roman composé de théâtre, de récit, de lettres. L’histoire est  fondée sur une recherche obstinée de l’éditeur qui recueille les témoignages de ceux qui ont été en contact avec le disparu, dont deux femmes, Sara (Marie Desgranges), une amie qui travaille dans l’édition, et Judit (Fanny Mentré), son ex-épouse. Des êtres de sensibilité et de cœur avec lesquels on peut parler.
À l’intérieur même de l’œuvre, une mise en abyme, une pièce laissée par l’écrivain, intitulée Liquidation encore, met en scène l’éditeur et tous ceux qu’il interroge. Théâtre dans le théâtre, répétition et variation, Liquidation ne se liquide pas aussi facilement, le spectacle se décline de toutes parts, à la façon d’un kaléidoscope.
Julie Brochen et Lorenzo Albani  ont imaginé un espace vide inhumain, submergé par les bruits de voiture d’un périphérique proche, un souterrain hanté par des figures de clochards ou autres exclus, dont pourrait faire partie le directeur de la maison d’édition en liquidation. Des travées de bois s’accumulent pour esquisser des bibliothèques de vieux manuscrits, à moins que ne se dessinent dans les mémoires et sur le plateau, les lits superposés des prisonniers des camps. Sur le bord de scène, un lit seul où repose B. (Fred Cacheux), vivant et puis mort.
L’éditeur plein d’étrangeté,  (Pascal Bongard),  doute et se pose la question de son existence, celle d’un homme de seconde main, qui se nourrissait jusqu’alors des paroles de son ami écrivain, vivant ainsi de la vie d’un plus fort que lui. Or, l’éditeur croit en l’écriture : « Le monde se compose de tessons qui s’éparpillent, c’est un obscur chaos incohérent que seule l’écriture peut maintenir… elle est la toile d’araignée invisible qui relie nos vies.» La toile faisait tenir debout l’écrivain B., né à Auschwitz, et Sara  dont la famille a été décimée. À la manière de Celan salué par Kertész, l’homme de lettres reste à la fois lucide face à « la grande misère du monde » et au « grand miracle de la vie »: la survie grâce à l’amour. La passion reste la valeur, quand bien même « sur cette terre, le destin de l’homme se résume à détruire toute tendresse, toute beauté, tout ce qui est plus faible et plus fragile que lui ».
L’éditeur défend l’écriture, et  Judit le sentiment. Quand bien même un monde de bourreaux se serait spécialisé dans l’art du meurtre, physique ou mental, il reste l’absolue beauté de l’art-les lettres-mais aussi l’amour, un sentiment qui ne se solde pas. Apuré déjà.
Un spectacle fascinant sur les raisons de vivre.

 

Véronique Hotte

 

 Théâtre national de Strasbourg jusqu’au 19 décembre T: 03 88 24 88 24

 

Tempête

Tempête par la compagnie Gérard-Gérard, mise en scène de Muriel Sapinho.

 

  C’est un « crash-test » d’un nouveau spectacle,  après plusieurs résidences de cette compagnie issue de l’Ecole du Théâtre National de  Chaillot, et installée à Rivesaltes, où elle a travaillé depuis un an sur ce projet de théâtre de rue à partir de La Tempête de Shakespeare. Elle a ensuit répété à Céret, au Bleymard et enfin à la Maison Unité d’Audincourt. Il reste encore du travail, mais cette ébauche est tout à fait prometteuse…
  Les comédiens nous présentent d’abord, disent-ils, tout ce que nous ne verrons pas: ils ricanent, en tenue BCBG, chaussent des lunettes pour présenter des pistes destinées à résorber la dette : « Donnez un avenir à votre futur ! (…) Audincourt, huitième  commune de Franche-Comté n’est pas condamnée à disparaître (…) Notre équipe a construit un projet audacieux, le premier projet public privé du monde, grâce auquel vous pourrez devenir actionnaires de votre clocher ». Ils s’emparent d’une grande carte de la ville, mettent à prix le collège, découpent l’hôpital, déchirent la ville en morceaux, en bourrent leurs poches, et la mangent!
  Après une danse façon Bollywood, il n’y a plus rien à valoriser, sauf un certain Thomas Müller choisi dans le public qu’on revêt d’un costume, et qui va être le premier homme coté en Bourse, il sera le « Che Guevara du capitalisme nouveau » !
Impossible de décrire ce spectacle encore fragile qui se cherche, mais il y a une scène finale très réussie sous la pluie qu’on peut voir, une fois levé le rideau de fer, qui ressemble au fameux Radeau de la Méduse : « Nous sommes tous nus, égaux dans les éléments qui se déchaînent. L’avenir se joue maintenant… »
Une vraie troupe, treize comédiens et techniciens  sous la direction de Muriel Sapinho.

Edith Rappoport

Studio des trois Oranges, Audincourt.

www.compagniegerardgerard.fr

 

 

Ylajali

Ylajali de Jon Fosse,mise en scène de Gabriel Dufay. 

Au fond du plateau, une grande toile peinte: un paysage lugubre dans la pénombre, et un réverbère sur le sol jonché de feuilles mortes. Un homme dépenaillé porte une couverture sur les bras-il vient de quitter son logis sinistre qu’il ne peut plus payer-et il aperçoit une forme émergeant de la poussière: un homme qui a faim et qui réclame de l’aide.
L’autre se précipite chez un prêteur à gages, échange son gilet contre de la monnaie qui permettra au mendiant de s’acheter un sandwich. Mais lui-même, qui n’a pas mangé depuis plusieurs jours, est tenaillé par la faim, : « Je ne peux quand même pas juste errer dans les rues… ».
Une jeune fille passe, il la suit et lui rend son livre qu’elle a laissé tomber. Un vieux à lunettes n’arrive même plus à lire les gros titres du journal, mais il ne peut l’aider et continue à marcher. « Je dois trouver quelque chose à manger »…Il devient fou, tente de trouver de l’argent en mettant en gage ses lunettes, sa couverture, peine perdue !
La jeune fille revient, il esquisse des contacts amoureux, elle ne se dérobe pas, puis s’enfuit. Il voulait juste savoir son nom. Il l’appelle d’un doux nom, Ylajali, qu’il répète avec tendresse. Un vagabond lui vole ses chaussures, il marche, il marche, puis s’effondre.
Cette errance poétique rythmée par le piano rappelle les vers de Rainer Maria Rilke :  » Car les grandes villes Seigneur, son maudites/ La panique des incendies couve en leur sein »…La puissance de jeu des trois comédiens nous maintient en alerte, et il y a une étrange attente: on voudrait voir cet homme trouver une planche de salut,  autre que l’étreinte amoureuse volée à cette femme.
Mais le néant se referme sur lui. Étrangement, on ne sort pas désespéré de cette pièce inspirée par La Faim de Knut Hamsun dont nous admirons aussi  Le Cri, qui a inspiré à Munch son célèbre  tableau!

 
Edith Rappoport

Créé à l’Apostrophe de Cergy-Pontoise au cours de la saison dernière, Ylajali sera joué à la Cabane du Monfort du 3 au 14 décembre du mardi au samedi à 19 h tél [phone];  les 30 et 31 janvier Espace Beaulieu à Poitiers, du 4 au 8 février à la Manufacture de Nancy,  et du 2 au 6 avril au Théâtre National de Toulouse.

Œdipe-Roi, de Sophocle

Œdipe-Roi, de Sophocle, texte français et mise en scène d’Antoine Caubet

 

Une adresse au public, en prologue, rappelle le contexte : une épidémie de peste qui ravage Athènes, en 430 avant J.C. Les spectateurs dans la salle éclairée,  écoutent, comme des citoyens de Thèbes, la description de la maladie, un signal fort d’entrée dans la tragédie.
Qui est coupable de cette malédiction ? La pièce, vieille histoire mythique, désigne Œdipe et confirme la prédiction du devin Tirésias (Éric Feldman), soupçonné de comploter avec Créon (Antoine Caubet). Le jeune roi mène l’enquête jusqu’à faire face à la réalité, qui lui livre le secret de ses origines et le désigne coupable de parricide et d’inceste, alors même qu’il ignorait n’être que le fils adoptif de Polybe roi de Corinthe, et de Mérope.
Nous sommes face aux gradins d’un théâtre grec éclaté, scénographie faite de gradins de bois déstructurés qui  servent aux acteurs, de praticables (Isabelle Rousseau, qui signe aussi les costumes) attentifs au cours de l’histoire et à l’énoncé du terrible destin.
Prédestination, dérèglement, châtiment et exil, forment les fils de cette tragédie cousue mains où Œdipe (Pierre Baux), l’étranger, porte à un moment la langue grecque, puis conte à son épouse, Jocaste (Clotilde Ramondou), son enfance et le meurtre d’un vieil homme au croisement de deux routes, après une banale altercation.
Un berger (Jean Opferman)  confirme avoir reçu un nourrisson des mains de Jocaste afin de le tuer, l’avoir remis à un serviteur, qui,  à son tour,  l’avait confié à Polybe et Mérope.
La boucle est ainsi bouclée, et Œdipe prend la mesure de son acte : L’homme du carrefour était bien Laïos, son père qu’il ne connaissait pas et Jocaste, est aussi sa mère. Face à la puissance du destin, Jocaste se pend dans le palais et Œdipe s’inflige son propre châtiment, se crevant les yeux pour ne plus voir la lumière, et implore Créon de le bannir.
Le chœur, ce personnage collectif de la tragédie classique, est chargé de réagir à l’action, et d’en faire, en tant que porte parole du peuple, le commentaire. Il est ici porté par deux comédiennes choryphées (Cécile Cholet et , Delphine Zucker), qui, de l’avant-scène-centre du plateau, parlent, psalmodient et interviennent musicalement, micros à la main, avec inventivité, dans la tradition lyrique des poètes grecs et apportent une belle énergie à la lecture d’Œdipe-Roi que fait le metteur en scène.
Antoine Caubet, artiste associé au Théâtre de l’Aquarium, livre une mise en scène sobre et dépouillée où, malgré quelques irrégularités dans le jeu des acteurs, on retrouve Sophocle, avec plaisir : « D’un côté, le chœur, personnage collectif et anonyme incarné par un collège officiel de citoyens et dont le rôle est d’exprimer dans ses craintes et dans ses espoirs, ses interrogations et ses jugements, les sentiments des spectateurs qui composent la communauté civique; de l’autre, joué par un acteur professionnel, le personnage individualisé dont l’action forme le centre du drame et qui a figure de héros d’un autre âge toujours plus ou moins étranger à la condition ordinaire du citoyen », selon Jean-Pierre Vernant, spécialiste de la Grèce antique, qui a éclairé les mythes grecs de sa réflexion partagée.

 

Brigitte Rémer

 

Théâtre de l ‘Aquarium – La Cartoucherie de Vincennes. Jusqu’au 15 décembre. Tél :[phone].www.theatredelaquarium.com