Destination Feydeau

Destination Feydeau,(  extraits de Léonie est en avance, Ne te promène  donc pas toute nue, Le Fil à la patte et un texte de Frédéric Tourvieille traitant de la dernière année de la vie de Georges Feydeau. Mise en scène de Frédéric Tourvieille.

 Comme chacun sait, Feydeau est cette année le jeune auteur à la mode qui a connu cette année à Paris comme en tournée des records de fréquentation , et cela ne semble pas près de cesser. A chaque crise, son antidote , et c’est dans les vieux flacons qu’on trouve parfois les meilleurs remèdes. Frédéric Tourvieille a     donc emmené ses camarades et le public dans une ballade autour de la vie de Feydeau qui, s’est terminée assez tragiquement ( voir les articles précédents du Théâtre du blog).

  Le spectacle commence plutôt bien par un retour en arrière ,année par année jusqu’en 1921,  quand mourut le célèbre écrivain, avec des images   des actualités cinéma de l’époque, et un capitaine d’avion  accueillant  le public avec une hôtesse qui  traduit  ses propos dans la langue de Shakespeare en les commentant… La parodie des petits discours des stewards et hôtesses  de l’air  sur les consignes de sécurité n’a rien de très neuf mais cela fait toujours plaisir et attire tout de suite la sympathie du public, surtout quand c’est, comme ici, assez bien maîtrisé.
 Puis,  suivent  des extraits des pièces mentionnées plus haut, et  là,  les choses ne sont plus tout à fait  dans l’axe, d’autant que sont  évoqués des moments de la vie de Feydeau  qui servent  d’enchaînements: on a ainsi droit aux visites que lui faisait  Sacha Guitry et sa comédienne d’épouse, Yvonne Printemps… mais  cela a des parfums de Moyen-Age pour la plupart des spectateurs qui ne sont évidemment pas au fait des  coulisses  du théâtre parisien des années 1900. Mais l’on  rit parfois davantage aux moments de la vie de Feydeau qu’aux extraits de ses pièces présentées.
  Pourquoi? Fastoche: comme une bonne partie de la dramaturgie de Feydeau est fondée sur un mécanisme parfait où un personnage  pris au piège  d’une situation à forte connotation relationnelle et/ou sexuelle, arrive à se rétablir in extremis. Chez Feydeau , il faut toujours un peu de temps pour que la machine se mette à fonctionner, et ,comme ici , il n’y a guère de temps, cela patine, et la machine a des ratés. Comme la scénographie et les costumes bâclés  sont du genre amateur, si on ne s’ennuie pas vraiment, ce collage improbable de scènes a du mal à tenir la route.

  Côté interprétation,  les comédiens surjouent souvent et font un peu n’importe quoi, et  comme ils ne le font pas très bien, il n’y a pas vraiment de raisons pour s’intéresser  à ce qui se passe sur scène. En fin de spectacle, le dernier petit film repart de 1921 jusqu’à 2009, avec, assez vite et tous genres confondus, de grande figures  socio-historiques comme Mao, Clémenceau, Elvis Presley ou encore Michaël Jackson, ou Busch père, et des bribes de documentaires que l’on aurait arrachées  à l’Histoire. C’est  tout à fait  savoureux mais aussi bien dommage que le reste du spectacle ne soit pas du même tonneau…
 Alors à voir? Bof ???? Au moins, la salle est correctement climatisée.

Philippe du Vignal

L’Albatros côté rue 23 rue des Teinturiers à Avignon.

Le Collier d’Hélène

 Le Collier d’Hélène : lorsque le Québec et la Martinique se croisent.  La Compagnie du Flamboyant à la Chapelle du verbe incarné – Avignon 2009

Le Collier d’Hélène (de Carole Fréchette)  a été traduit dans  de  nombreuses langues et joué à travers le monde. Créée par Nabil El Azan et sa compagnie la Barraca en 2002 puis au Théâtre du Rond-point en 2003,  la pièce  vient d’être reprise  par El Azan avec une distribution palestinienne (voir la critique de Philippe Duvignal*). Maintenant,  à Avignon,  nous pouvons  voir  une nouvelle mise en scène du Collier créée en 2007  à Fort-de-France  par  la metteuse en scène martiniquaise Lucette Salibur.
Une réalisation extrêmement intéressante car elle resitue le texte  québécois, dans une dynamique nouvelle. Le travail très dépouillé d’El Azan a recours à des films de fond évoquant  une  ville ( peut-être Beyrouth) détruite par la guerre, mais mettant en valeur le personnage principal, Hélène une française  de passage dans le pays pour un colloque. Bien blonde, cette   Européenne blanche est le  symbole d’un premier monde arrogant, riche et indifférent aux souffrances des autres. Vision devenue sans doute,  assez stéréotypée  de nos jours puisque  les populations se déplacent, la richesse se distribue et que l’ethnie n’est plus du tout une indication des catégories politico-économiques associées à un individu.
Voici donc  Daniely Francisque (comédienne martiniquaise en plein essor actuellement), jeune bourgeoise antillaise (les références à la conférence universitaire ont été effacées)  qui  se retrouve dans un pays islamique et arabophone déchiré par la guerre. Certains y ont vu la Palestine, d’autres non mais l’absence de précision est  intentionnelle.  Entourée  de gens dont elle n’est même pas consciente de l’existence, (c’est à peine si elle remarque qu’ils parlent une autre langue), elle cherche désespérément un collier de perles  perdu quelque part dans cette  ville  où les habitants errent dans la détresse, la colère et la folie. Ces  personnages victimes  qui  se défilent  dans les décombres,  ne comprennent pas son affolement  à cause d’un collier alors qu’ils ont perdu leurs familles, leurs maisons, leur vie entière. La  rupture culturelle et économique entre Hélène et son entourage est  totale et cette aliénation  arrive à son comble au  moment où Ruddy Sylaire , un pauvre qui erre dans la ville saisit Hélène et la soulève en hurlant « on ne peut plus vivre comme ça ».
Hélène  se déplace dans le taxi de ‘Nabil’, une voiture représentée par un pneu que l’acteur fait avancer par deux bâtons comme un jeu d’enfant. Mais ceci n’est pas du tout un jeu d’enfant lorsque cet homme calme, imperturbable,  accompagne la femme dans sa quête de son objet fétiche, l’accumulation de tous les manques attribués à la société de consommation : la compassion, l’amour de l’autre et toutes les manifestations de la solidarité humaine.  La pièce évolue au hasard  des  rencontres  qui peu à peu, transforment Hélène. Elle peut enfin « voir » les autres, et elle peut enfin entendre le refrain  « on ne peut plus vivre comme ça »  et se reconnecter avec le monde.
Cette  mise en scène,  très physique, élimine les manifestations filmiques et situe les corps au centre du jeu.  Des fois, l’énergie corporelle nous paraît très juste et nous  engage à fond ;  d’autres fois cet excès de mouvement perturbe, sans pour autant enlever de l’ensemble une impression de grande humanité, surtout lors de  la scène finale entre  le chauffeur de taxi Nabil (un chaleureux,  sensuel et séduisant Patrice Le Namouric)  et  une Hélène  épanouie (bien cerné par Daniely Francisque) , enfin libérée de sa quête  névrotique.  Ici, Francisque et Le Namouric se fondent l’un dans l’autre, fusionnés  dans un élan de tendresse et de  sensualité presque brûlante. En effet,  Salibur  met en évidence  par les rythmes corporels  l’intensité des émotions et  pour insister sur la confusion,  les bruitages, l’activité de cette ville  étrange qui emporte  la femme dans son  tourbillon d’intensité,   la metteuse en scène  inscrit ce corps assaillis dans  une chorégraphie inspirée des mouvements circulaires d’un Islam mystique, les  rituels liturgiques  soufistes des derviches tourneurs .
En revanche, au départ, Daniely Francisque, à la recherche de son bijou, est frappée par une hyperactivité névrotique qui, à mon avis, aurait pu se ralentir plus tôt, surtout puisque nous comprenons  rapidement ce que cette frénésie corporelle  signifie. L’arrivée de Ruddy  Sylaire (un  excellent Hamlet  dans une mise en scène récente de Denis Marleau à Montréal) qui étale ses chiffons devenus des  cadavres gisant  dans la rue,  se livre à des moments quasi burlesques qui me semblaient déplacés. Il est vrai que la présence de Sylaire est si forte que le moindre effort de cet acteur à la  voix superbe prend des proportions énormes. Il faut ménager cet acteur, une  force de la nature,  ce que Denis  Marleau et  José Exélis  (metteur en scène martiniquais – Théâtre des enfants de la mer)  ont  bien compris.  De toute manière,  un Hélène moins frénétique au début  aurait mieux mis en évidence  l’explosion de colère de Sylaire qui arrive plus tard, lorsqu’il soulève une Hélène terrifiée dans un geste de violence qui annonce des vengeances meurtrières possibles. Un moment intéressant qui frôle une réflexion politique  tout à fait bien placée. . Ce moment cathartique selon la lecture de Salibur se retrouve  aussi  (mais marquée par un  rythme plus hiératique) dans la rencontre tragique avec la  mère  à la recherche d’un fils disparu  qu’elle savait déjà mort,  Salibur, qui joue cette mère frappée par la folie, les larmes aux yeux,  cerne avec une finesse  extraordinaire, toutes les nuances de la  situation tragique. Sa gestuelle d’une lenteur gracieuse lorsqu’elle manipule les tissus qui recouvrent sa tête,  révélait un jeu discret et délicat qui donnait à sa douleur  une délicatesse lumineuse.  Une douceur  presque maladive devant une telle horreur, qui a rendu le jeu de  Salibur profondément émouvant. Ce sont dans ces moments qu’elle cerne l’essence affective   que l’auteure Fréchette aurait souhaité capter.
Jusqu’à présent je connais le travail de Lucette Salibur  par ses spectacles pour jeune public. Il est évident cependant qu’elle est  une comédienne accomplie qui devrait élargir son répertoire et jouer plus souvent les rôles plus difficiles comme celui-ci.  D’ailleurs, dans la mouvance de l’esthétique scénique actuelle, sa  formation dans le domaine des marionnettes (ce qui explique sans doute son approche si physique avec l’acteur), pourrait l’amener à inscrire ces figures symboliques dans des mises en scènes pour « adultes.  Surtout en collaboration avec le scénographe  Ludwin Lopez (artiste formé au conservatoire de la Havane et cofondateur de la troupe  martiniquaise Les Corps beaux) une telle collaboration pourrait  renouveler les traditions  de mise en scène  en Martinique.
Cette  production du Collier d’Hélène fera l’objet d’une table ronde en présence  de la metteuse en scène et de l’auteur lors d’un colloque  à Montréal au mois d’octobre  (Les Théâtres francophones en Amérique),  organisé par Gilbert David, professeur à l’université de Montréal. 

  Alvina Ruprecht

*http://theatredublog.unblog.fr/2009/03/07/le-collier-dhelene/

PAPIPOL ZIRKUS

Villeneuve en scène Festival d’Avignon 14 juillet

Paul Fisher a aménagé un joli petit chapiteau du pour très jeune public, il y agite des petites peluches sans vraie dimension théâtrale. Il s’est aménagé une péniche à Villeneuve sur Lot, travaille hors des sentiers battus, semble comblé par ces représentations dans la belle pinède de Villeneuve en scène.  

Edith Rappoport

UNE FÊTE POUR BORIS

UNb>E FÊTE POUR BORIS  Tinel de la Chartreuse Festival d’Avignon De Thomas Bernhard, mise en scène Denis Marleau
Cette première pièce de Thomas Bernhard met en scène trois personnages étranges, une patronne cul-de-jatte tyrannisant sa bonne muette interprétée par un homme pour préparer l’anniversaire de son frère Boris qu’elle a fait sortir de l’hospice, qui mourra à la fin de la fête. Malgré l’impeccable interprétation des acteurs, on sent monter une irritation qui s’efface dans la deuxième partie, avec l’apparition d’un chœur d’une douzaine de vieillards cul-de-jatte  eux aussi, installés dans des boîtes sur un gradin. Ils entament un lamento sarcastique sur leurs conditions de vie à l’hospice. On ne sait si ce choeur est représenté par des images virtuelles (il semble que ce soit le cas, car ces acteurs ne viennent pas saluer à la fin), ou par des vivants en chair et en os. C’est la première fois que les nouvelles technologies jettent un trouble étrange en moi, sans doute à cause de cette désespérante fin de vie qui nous menace tous.

 

Edith Rappoport