TRANSFER
TRANSFER Festival Sens interdits Théâtre des Célestins Lyon de Jan Klata (Wroclaw Pologne)
Je découvre Jan Klata, « l’enfant terrible du théâtre polonais », qui comme Didier Ruiz s’intéresse à la mémoire des déplacements et des résistances. Il nous conte le rapatriement forcé, à la fin de la deuxième guerre mondiale des Allemands transférés dans une Pologne disparue entre les deux guerres, remplacés par les Polonais qui en avaient été exilés. Onze personnes de la société civile témoignent sur leurs vies en polonais et en allemand, pendant que Staline, Roosevelt et Churchill qui se sont partagé le monde à Yalta pérorent cyniquement sur une haute plateforme qui monte au-dessus de leurs têtes, empoignant par instants des instruments pour brailler du rock. On perd un peu de l’intensité du spectacle à la lecture des sous-titres, mais on est bouleversés par ces vies simples et fortes, malgré les blessures iniques de cette grande boucherie qui les a malgré tout épargnés
Edith Rappoport
C’est une sorte de récit qui n’en est pas un vraiment, puisqu’il combine les images vidéo et des morceaux de texte dits par les deux auteurs du spectacle sur une musique jouée par Joachim Latarget dans le fond du grand plateau noir de l’Echangeur. Cela commence par les confidences d’un homme René Fleischer, filmé chez lui, dans le salon de sa maison, à Sambin dans le Loir et Cher; c’est le père d’Alexandra qui raconte son histoire. Il est né en 35 mais il a toujours dit que son enfance commençait en 40; ses parents étaient allemands, juifs et ils l’avaient confié à une dame pour quelques mois mais il restera chez elle cinq ans et ne reverra ses parents qu’en 45. La dame qui a été sa seconde mère lui avait interdit de parler allemand, pour qu’il ne lui arrive rien quand les troupes d’occupation sont arrivées dans son village. C’est une sorte de document brut où il se raconte pauvre gamin, coincé par une langue qui était à la fois celle de sa mère éloignée et celle de l’occupant, et évidemment déchiré…La langue allemande encore synonyme de peur, de menaces, et d’uniforme kaki , avait été bien longtemps mise à l’écart, même si, paradoxalement on l’enseignait au lycée. Mais René Fleischer ne voudra pas l’entendre ni parler pendant des années. Et le vieux monsieur se remémore cette époque de bruit et de fureur avec beaucoup de calme. Face caméra, il est d’autant plus émouvant qu’il reste très pudique sur ce qu’il a vécu, surtout quand il repense à toutes les personnes disparues de sa famille et à cette femme qui l’avait recueillie. Il y a cette incroyable et magnifique galerie de portraits de sa famille juive. C’est remarquablement composé, même si on aimerait en savoir encore plus sur René Fleischer, désormais citoyen français, et paisible retraité d’un petit village., autrefois petit juif allemand , qui a eu tant de mal avec sa langue, c’est à dire finalement avec sa propre identité. Il y a aussi des extraits de dessins animés comme ceux de Betty Boop, l’une des premières héroïnes plutôt sexy qui lancera son fameux poo-poo-pee-do que reprendra plus tard Marylin Monroë, dessins animés produits par les Fleischer Studios dans les années 30… Sur le devant de la scène, Alexandra Fleischer, sa fille et Joachim Latarget , disent des textes inspirés entre autres de Masse et puissance d’Elias Canetti; sans jamais tomber dans le réalisme, sans doute pour faire contre-point aux images sur grand écran; il y a ainsi une grande boîte où Bernard Latarjet est au début enfermé dans une grande boîte qui a un peu les allures d’un cercueil avec des meubles et des tables de poupée. Disons que les aller et retour entre la partie vivante du spectacle et les images de cet homme tout à fait lucide sur ce qu’il a pu vivre et qui est encore si proche de lui, ne sont pas toujours évidents. sans doute, parce que c’est toujours un peu mission impossible. Alors à voir? Surtout pour la présence de René Fleischer , aussi discret qu’émouvant et dont la présence illumine tout le spectacle.
Parmi les leaders de la jeune génération des metteurs en scène de l’Est, le Polonais Jan Klata, monté au pinacle dans son pays, a présenté un digest très postmoderne de l’Orestie d’Eschyle assaisonnée de fragments de Médée matériaux de Heiner Müller et de moult inventions de son propre cru. Une Orestie retraversée au pas de course en 1 h 30, ramenée à une sorte de manga, scandée par une musique pop. On n’y voit Agamemnon boitant, en uniforme militaire, le meurtre, la hache ensanglantée, le demi squelette d’Agamemnon, Électre jouant à la poupée, Oreste en costume d’écolier portant un jeu électronique intitulé « Vengeance », les Érinyes masquées en maillot de bain sur des chaises de plage, Apollon en chanteur pop avec un micro, Athéna en robe de soir dorée, le chœur en costume-cravate. Tout ce petit monde évidemment sonorisé, la musique rock très forte ponctuant les meurtres, des nuages de fumée enveloppant parfois le plateau, les effets exploités avec insistance, les gags abondent.
Jara Cimrman, personnage inventé mais doté d’une existence et d’une œuvre littéraire fictive, « contemporain » de Kafka, un phénomène unique dans la culture tchèque, inspire depuis 40 ans le travail de la compagnie Jara Cimrman. Sa dernière création Le paradis tchèque, articulée autour de quelques figures emblématiques, est un feu d’artifice, quintessence d’humour tenant à la fois de l’esprit surréaliste et pataphysique, subversif qui prend pour cible la bêtise, l’imposture, l’oppression politique, religieuse, idéologique. De magnifiques acteurs virtuoses, incarnant des figures historiques et mythiques, avec simplicité, extraordinaire naturel et naïveté feinte jonglent avec des idées politiquement et idéologiquement incorrectes, démontent des vérités établies, installent une complicité jamais vue avec le public. C’est brillant, intelligent, raffiné et populaire.
En revanche le théâtre hongrois Jozsef Katona de Budapest n’a pas démenti sa réputation avec Noël chez les Ivanov d’Alexandre Vvedensky mis en scène par Peter Gothar. Il s’agit d’une paraphrase absurde et grotesque de Crime et châtiment : un soir de Noël dans une famille bourgeoise une nurse coupe la tête de l’enfant qu’elle garde. La mise en scène brillante, intelligente, efficace et inventive, joue sur le recto et le verso de la réalité sur le mode absurde, à la frontière entre l’humour noir et le surréalisme, s’imprégnant au fur et à mesure de tragique. Les excellents acteurs virtuoses, la tension dramatique et le rythme tenus à la perfection, pas de superflu, pas d’effets inutiles, chaque détail, chaque mouvement et geste concourant à l’extraordinaire cohérence de l’ensemble.