Châlon dans la rue (suite et fin)

TRANSITion Pan Optikum (Allemagne) Chalon 

Mise en scène Sigrun Fritsch, d’après Wajdi Mouawad
Le soleil ni la mort ne peuvent se regarder en face, décor de Llorenc Corbella, Musique Tobias Schwab, pyrotechnie Klaus Ulrich
C’est le dernier spectacle de Chalon dans la rue et c’est la tradition, il faut du gigantesque, d’ailleurs le public a changé, les festivaliers ont plié bagage et des gens de Chalon nous ont demandé où était la fête ! Place Mathias, la jauge est de 6000 personnes, un gigantesque dispositif est installé, des plateformes à deux mètres de haut qui se déplacent dans la foule. Techniquement c’est impeccable, la sono est bien réglée, les éclairages et les artifices sont étonnants, le bon peuple en a plein la vue. Mais la fable est bien faible, Tirésias surjoue et les meilleurs moments sont ceux dépourvus de texte. Et puis une heure debout au quatrième jour de Chalon dans la rue …!

PRINCESSE COURAGE  les batteurs de pavé (CH)

Manu Moser et Laurent Lecoultre venus de la Chaux de Fonds en Suisse, s’amusent comme des petits fous à interpeller le public rassemblé sur la place avant le début du spectacle. Ils choisissent les personnages du spectacle parmi les enfants volontaires, d’abord une princesse, ils lui font enfiler une robe et remplacent sa casquette par un diadème, un chevalier petit black très à l’aise qu’ils coiffent d’un casque, un mille pattes et ce sont six enfants rangés par ordre de taille, un mur ! Et ils débitent une histoire à dormir debout en faisant jouer tout ce petit monde. Le public comme les acteurs est associé au jeu devant lever les bras et hurler à chaque fois que le nom du peuple et celui des personnages est prononcé. Comme John Guez qui construisait ses spectacles avec ses spectateurs devant Beaubourg, leur jeu est d’une efficacité redoutable malgré leurs voix fatiguées au bout de dix représentations sans sonorisation (et heureusement) dans le tumulte de Chalon dans la rue.
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Edith Rappoport

Casanova requiem for love

Casanova «  requiem for love », mise en scène Diana Dobreva

Diana Dobreva actrice reconnue du théâtre Sfumato de Sofia est une star en Bulgarie, ce « Casanova » est sa 3ème mise en scène, crée à Sofia et présentée en France pour la première fois.

La scène de début très réussie, nous rappelle la scène finale d’agonie de Salieri du film « Amadeus » de Milos Forman. Dans cette scène, Casanova vit ses dernières minutes un verre de vin à la main. Il se souvient de ses conquêtes amoureuses du passé. Toujours à la recherche d’un idéal féminin inaccessible représenté par une femme en or. Casanova tour à tour, écrivain, musicien espion, diplomate, parcourt le monde, entouré de ses mauvais génies, symbolisés par son intendant et par le prêtre… .

La mise en scène procède par la succession de différents tableaux esthétiques, dans une scénographie simple marquée par trois couleurs dominantes, le rouge, le noir et l’or. La metteur en scène a choisi d’alterner le texte en français, en bulgare sur-titré et des scènes sans traduction, ou le jeu et l’image expriment la situation scénique. L’acteur jouant Casanova Vladimir Karamazov, star en Bulgarie, joue juste sans emphase. Son personnage est crédible, il va croiser successivement plusieurs femmes, (la nonne, la veuve russe, etc. …) toutes plus hystériques dans leurs jeux, les unes que les autres. Ce partis pris peut être reproché mais c’est clairement le choix de la metteur en scène. Les tableaux chorégraphiés sont accompagnés d’une musique originale de Petia Dimanova. Cette chorégraphie est limitée et moins bien dessinée sur la scène du théâtre du chêne noir qu’en Bulgarie par manque évident d‘espace.

Certaines scènes méritent sans doute d’être un peu raccourcies. Mais il faut souligner la belle performance de direction d’acteur de Diana Dobreva et l’engagement de toute sa troupe, qui nous présente un vrai et sincère travail théâtral, loin de tous les one man shows racoleurs du off d’Avignon.

Espérons que ce spectacle sera repris quelque part dans l’hexagone.

Jean couturier

Avignon Off théâtre du chêne noir 22H30 jusqu’au 30 juillet.

Chalon dans la rue (suite)

LA QUERMESSE DE MÉNETREUX ) O.P.U.S Chalon dans la rue 24/7 

Bricolée par OPUS et allumée par Carabosse mise en scène de Pascal Rome**
OPUS, c’est l’incroyable Office des Phabricants d’Univers singuliers, fondé en 2000 par Pascal Rome, après avoir quitté la compagnie des 26.000 couverts créés avec Philippe Nicolle qui  joue aussi à Chalon L’idéal club, autre clou du festival, pour lequel il est impossible d’obtenir des places mais que l’on pourra voir à la rentrée pendant un mois au Théâtre Montfort à Paris.
Avec La Quermesse de Ménetreux, Pascal Rome nous emmène dans un voyage dans un passé lointain, celui de l’enfance campagnarde de sexagénaires. Des stands sont installés tout autour de la cour d’école, on procède à l’embrasement de théïères perchées au sommet de grands poteaux qui se transforment en torchères lumineuses. Le maire moustachu, chemise damassée ouverte sur une chaîne est venu serrer la main des “villageois” qui se pressent aux portes.
Pascal Rome, en vice-président du comité des fêtes,  présente les stands au son d’un microsillon d’Aimable, seule musique disponible puisque les disques ont été oubliés. Ménetreux est la première commune à avoir eu un maire noir, le nouveau est manouche, il s’agit de mutualiser la joie de vivre. Une ressource essentielle, le parpaing foin fabriqué à Ménetreux, offre une belle opportunité de plateforme mutualiste !
On fait le tour des stands, une épicerie où on fait des paris sur le poids des sacs, un stand de lancers de frigidaires, un autre où on casse de belles assiettes de collection des grands-mères derrière une mobylette.
Le meilleur, c’est celui de la maison de retraite, où Madame Champollot, inénarrable aïeule édentée (étonnante Chantal Joblon), se dispute avec le vice-président, menuisier à ses heures, qui lui a fabriqué un lit bancal. OPUS a l’amour des petites gens, de la France profonde. C’est modeste et génial !

Edith Rapppoport

 

 

MOLIÈRE DANS TOUS SES ÉTATS   

Les Goulus animés par Jean-Luc Prévost ont le don de créer des spectacles déambulatoires insolites, souvent désopilants, comme Les Krishnous, les Cupidons, Les Horsemen qui ont réjoui les foules dans nombre de festivals du monde entier. Leur humour ose un mauvais goût qu’on accepte grâce à une vraie générosité et à un beau culot.
Avec Molière, les Goulus prennent un risque étrange, celui de promener dans Chalon des scènes de Tartuffe, de George Dandin, de l’Avare, 40 scènes de Molière en dérivant sur des situations contemporaines. Interprété par une dizaine d’acteurs en costumes contemporains qui jouent aux fenêtres, sur les places et dans les rues, accompagné par deux saxophonistes, le spectacle dérive sur des adaptations peu convaincantes.
On a d’ailleurs bien du mal à distinguer quelque chose et à entendre le texte dans la foule qui les suit…Décidément séduits par Molière, les Goulus préparent La rencontre des Misanthropes pour 2012 et Molière dans tous ces états pour 2013.

Edith Rappoport

www.lesgoulus.com

LES PENDUS ( Kumulus Chalon dans la rue)

Exécution théâtrale mise en scène Barthélémy Bompard, texte écrit par Nadège Prugnard **

 

Enfin une rupture, un choc dans ce paysage terne de l’invraisemblable foisonnement théâtral de Chalon dans la rue ! Barthélémy Bompard aime les sujets sulfureux, il s’y est d’ailleurs brûlé les ailes, notamment avec Le cri et d’autres spectacles qui auraient dû connaître une bien meilleure diffusion. En costume de ville, il passe la corde au cou de quatre condamnés, trois hommes, une femme qui déplorent leur sort, chantent l’utopie, en appellent au désordre, chantent pour ne pas mourir. L’un d’eux déplore : < J’ai rien fait, j’ai pas voté !> Un autre lance: …
L’exécution accomplie, il y a une vie après la mort et les suppliciés continuent leur délire poétique né d’ateliers et d’apports divers transcrits par Nadège Prugnard. “. …Pendant une heure, on reste saisi par la violence du verbe, comme de l’image de ces quatre pendus presque immobiles. Kumulus a bénéficié d’une résidence au Parapluie d’Aurillac. 

 

Edith Rappoport

 Leur site www.kumulus.fr est peu développé,donc mieux vaut leur envoyer un courriel: [e-mail]

Bureau national des Allogènes

Bureau national des Allogènes de Stanislas Cotton, mise en scène de Catherine Toussaint.

Cela fait pas mal d’années que l’ex-Caserne des Pompiers s’est spécialisée dans les spectacles venus des Régions; elle accueille entre autres un spectacle de La Compagnie La Strada sise à Troyes avec ce Bureau national des Allogènes de cet auteur belge qui a écrit de nombreuses pièces et romans. La pièce est une sorte de parabole  sur les risques de dérapage du pouvoir administratif.
Robert Rigodon, fonctionnaire au Bureau national des Allogènes, centre de tri des étrangers. Il mène une vie normale, il a une femme et un enfant mais, pris de panique, il a sauté par la fenêtre des toilettes mais son fantôme raconte sa encontre avec Barthélémy Bongo, un exilé africain, totalement démuni  qui ne demande humblement qu’à rester là, avec sa femme et son enfant et avoir les indispensables papiers  pour travailler. Loin de la misère qui sévit dans son pays africain, et qui se verra finalement refuser son visa….
Tout, bien entendu, les oppose; Rigodon n’a pas très bonne conscience, coincé entre des dispositions prévues par des circulaires européennes mais plein de bonne volonté pour essayer d’aider cet émigré qui n’est pas non plus  à l’aise: il a commis un crime pour sauver sa peau et celle des siens. Stanislas Cotton a donc imaginé deux monologues successifs que Catherine Toussaint a mis en  scène avec un dispositif scénique assez peu convaincant : une passerelle où doit circuler un  haut fauteuil monté sur roulettes… qui ne circule en fait pas beaucoup sur cette étroite passerelle et qui se surélève deux ou trois fois: ce qui qui voudrait sans doute symboliser la puissance dérisoire de la technologie occidentale; cette configuration  » induit une relation sensible ou intime avec le spectateur, elle autorise tout autant, une théâtralité distanciée, en résonance avec la chair des mots, qui se veut ludique et poétique » . ( Sic) Tous aux abris!
Cela n’induit rien du tout, et en tout cas, pas une théâtralité distanciée! Il y a aussi sur une petit praticable où Denis Jarosinski, musicien, intervient très souvent à la guitare. Malheureusement, on s’en doute: l’ensemble ne fonctionne pas : en partie à cause de cette scénographie aussi compliquée qu’inutile, et de l’usage du micro pour le texte comme pour les chansons tout aussi inutile , puisque la salle n’est pas bien grande.
Il y a sans conteste une langue à la fois précise et poétique, mais qu’en fait, on ne commence à écouter vraiment qu’au moment où Joël Lokossou entre en scène: avec sa belle voix   et sa présence fabuleuse, il est tout à fait remarquable.
Alors à voir? Pas nécessairement, si ce n’est pour  la découverte d’un auteur et surtout pour Joël Lokossou.

Philippe du Vignal

Caserne des Pompiers , 116 rue de la Careterie,  Avignon jusqu’au 27 juillet.

Chalon dans la rue juillet 2010

 Festival de Chalon dans la rue

 

 

LES LIVREURS   de Carole Prieur, mise en scène Hocine Chabira

Une immense camionnette arrive, on ouvre l’auvent et une actrice débite sur un ton monocorde des propositions d’histoires à raconter au public. Aucun charme, on s’ennuie ferme et le dispositif semble totalement disproportionné.

LE PETIT CIRQUE DES TRIBUNS Théâtre de rue bucolique d’Hervé Péjaudier et Anne-Lou Steininger, mise en scène Sébastien Foutoyet

On arrive plein de sympathie pour ce spectacle commandé par le Théâtre de Dijon Bourgogne, qui se joue depuis un an dans les villages de la région. Une jolie installation, de jeunes acteurs arrivant en mobylette, beaucoup de pêche mais mise malheureusement au service d’un texte décousu, sans véritables situations, qui s’enlise.
Il est question d’une reine des mouches, d’un roi fou, on s’y perdrait complètement sans le charme des acteurs et cette volonté de reprendre un flambeau abandonné depuis longtemps par nos institutions les mieux dotées. Mais la pluie tenace qui s’est abattue au milieu du spectacle n’a pas découragé les spectateurs qui ont pu déguster le vin limé offert à la fin .

OBSESSION Krache théâtre Obsession, la jungle nue, performance sexo-théâtrale conçue par Marjorie Heinrich.

Marjorie Heinrich se délecte de sujets qui sentent le soufre. Elle va d’abord chercher une victime mâle dans le public (elle en élimine plusieurs) , jusqu’à choisir un compère assis silencieusement au fond du plateau. Et elle lit un texte terrifiant sur une sexualité sado-masochiste, pendant qu’une jolie jeune femme court vêtue de satin noir aguichant, talons aiguilles, exhibe son anatomie intime.
Puis à son tour, Marjorie Henrich, elle aussi vêtue de satin noir, mais dotée d’une nature qui n’aurait pas déplu à Rembrandt, se dénude et se fait fouetter par le “spectateur” qui s’est masqué. Obsession n’est encore qu’un ébauche imparfaite, les textes sont tirés d’illuminations érotiques prélevées sur Internet et dans Mein kampf ! Et mieux vaudrait supprimer la présence inutile d’une caméra qui ne retransmet rien, et continuer le travail sur ce projet insolite et sulfureux sans pour autant en allonger la durée.

TICKET Cie du bonheur intérieur brut, conception Jack Souvant, scénographie d’Eric Soyer.

En 2009, on dénombrait 214 millions de migrants dans le monde, 42 millions  déplacés de force en raison de conflits ou de catastrophes naturelles, et 16 millions réfugiés ou demandeurs d’asile. Jack Souvant nous fait revivre l’épreuve de l’émigration clandestine en nous entassant dans un camion sous la conduite d’un méchant passeur qui nous arrache nos cartes d’identité et nous boucle dans une obscurité complète, gardés par des kapos qui aboient en russe.
On entend gronder le moteur, une jeune noire se fait brutaliser et arracher son argent . On nous débarque un peu sonnés ! Ticket avait été créé voilà deux ans dans le cadre des premiers pas des Enfants de troupe à la Cartoucherie de Vincennes, la nuit rendait cette épreuve initiatique plus émouvante.

IL PLEUT DANS L’OMELETTE  cie Humains Gauches

Cette compagnie de quatre clowns a été créée il y a cinq ans à Poitiers. L’omelette qu’ils préparent est un peu baveuse devant la roulotte qui leur sert de coulisses, et où est perchée leur poule Adélaïde, clou du spectacle. Le spectacle peine au démarrage avec une accumulation de gags faciles qui réjouissent tout de même le public libéré de la pluie paralysant le festival. Mais les quatre clowns font tout de même preuve d’un savoir-faire musical, et l’accordéoniste entonne des goualantes rigolotes….

 

Edith Rappoport

Les Corbeaux

Les Corbeaux de Josef Nadj

Dans la suite de son travail avec Miquel Barcelo, Josef Nadj présente un solo chorégraphique crée en 2009. Le danseur directeur du centre chorégraphique national d’Orléans, signale dans sa conférence de presse au cloître saint louis que l’idée du spectacle fait suite à sa rencontre amicale avec un corbeau, un oiseau porte -bonheur en Voïvodine son pays d’origine.

Cette performance est un travail d’improvisation libre, chorégraphique, pictural et musical, avec son complice le musicien saxophoniste et poly-instrumentiste Akosh Szelevènyi.
Dans un premier temps, il dessine en contre jour sur une toile blanche verticale, son corps qui apparaît en ombre chinoise, est déjà noir. Puis après une improvisation dansée au sol, il poursuit sa calligraphie sur une autre toile verticale, en utilisant son nez, ses mains et un fagot de brindilles qu’il jette sur la toile. Josef Nadj finit de se libérer de la pesanteur, en se plongeant entièrement dans une jarre de peinture noire brillante, seul deux bouchons protecteurs d’oreille le relie à la fragilité humaine.
L’homme devient oiseau, son corps entier, libre, dessine une empreinte animale, unique, éphémère et troublante.

Jean Couturier Salle Benoît XII jusqu’au 26 juillet 18h

L’encens et le goudron

L’encens et le goudron, de et avec Violaine de Carné

 

 Que se passe-t-il entre le cerveau droit et le cerveau gauche, quand le gauche (c’est à dire le côté droit, raison, langage etc, puisque tout est inversé) est lésé ? Comment guérit-on, si on guérit ? Violette veille son compagnon Guillaume, tombé dans le coma à la suite d’un accident.
Attendre, c’est beau (et encore…) mais elle a envie de vivre, de parler, et qu’on lui réponde ! Ce sera le docteur, et puis les autres patients, en voie de rééducation par une bonne fée qui apparaît sur écran. C’est Marie-Paule Ramo, qui a aidé à construire le spectacle.
Il s’agit de refaire les petits sentiers du cerveau droit au cerveau gauche en retrouvant les mots. Et de retrouver les mots par les odeurs, d’où le titre. On savait le rôle du goût, en particulier celui de la madeleine, dans le réveil de la mémoire : avec l’odorat, ça marche aussi.
Peu à peu, les mots reviennent, le petit groupe des plus ou moins patients (surtout pas Violette) change, évolue, et Violette, qui n’était là que pour son bel au bois dormant, y entre à pieds joints et en apprend un rayon sur ses propres cheminements.
L’encens et le goudron est l’aboutissement d’un travail très sérieux - trois ans d’observation (forcément, on se prend au jeu…) et de documentation à l’hôpital -, mais Violaine de Carné l’a voulu poétique et léger. Elle chante, raconte, se métamorphose, jouant d’un geste et d’une voix chacun des personnages, dialogue avec le violoncelle et la bonne fée de l’écran…
On retrouve la vitalité et la sensualité de Chœur d’artichaut, dégustation œnologique mise en scène et en chansons, avec Véronika Soboljevski au violoncelle. L’imposante statue évoquant le dormeur joue bien son rôle de « calme bloc », à côté d’un petit lit de fer (trop) tournoyant. Ça va bien, ça va vite, avec bravoure et talent. On aurait juste envie que ce soit un peu plus structuré. Ou alors, c’est qu’on a un petit problème au cerveau droit. Ou gauche.

 

 

 

Christine Friedel

 

 

Avignon off. Théâtre des Corps Saints, 15h15

Quatrevingt-treize

Quatrevingt-treize, de Victor Hugo, adaptation et mise en scène Godefroy Ségal

 

L’apogée de la Révolution française, l’année de tous les dangers pour la toute jeune république : guerre à l’Est, guerre à l’Ouest, guerre extérieure, guerre de Vendée, sans compter la Bretagne et les Anglais.
Victor Hugo, sur le tard, revient sur cette période héroïque et sanglante. Ça donne presque envie d’écrire « à la manière de… », avec des points partout. Héroïque. Et sanglante. La vérité, c’est que là-dedans Victor Hugo aime tous ses personnages : le vieux marquis en acier trempé – « Les blessés ? Achevez-les »- , l’homme des bois qui sauve le ci-dessus marquis et s’effondre d’horreur à le voir mener ainsi sa guerre, Gauvain, le neveu républicain pur et trop clément, le bataillon de Parisiens fait de Gavroches qui auraient eu, un peu, le temps de grandir, un ancien prêtre mettant sa foi au service d’une juste guillotine… Un échantillonnage complet de raisons et de déraisons d’agir. Et surtout, l’invraisemblable de l’affaire : trois petits enfants pris en otage, qui vont bouleverser le jeu d’échecs. L’art d’être grand-père au milieu de la tuerie. Et la mort, donnée, reçus, acceptée (par Gauvain l’utopiste, le martyre illuminé de l’espoir), inacceptable.
Godefroy Ségal retrouve avec Quatrevingt-treize, la violence qui animait sa pièce Les chiens nous dresseront. Mais avec une rigueur qui manquait à celle-ci : le théâtre-récit nous est adressé frontalement, tribunal révolutionnaire, avec de brusques irruptions du jeu. L’œil est arrêté par tel geste précis, ou s’égare dans les toiles du peintre Jean-Michel Hannecart projetées au-dessus de la scène. Pas de couleurs, sinon le gris, le beige, le noir fumée. Pas vraiment des illustrations : des images brumeuses d’où pourrait naître le récit. Pas d’autre décor, bien sûr, ni de costumes, sinon une certaine façon pour les comédiens de porter leurs vêtements : allusive, propre à la suggestion, surtout, tremplin.
La violence est dans le sang-froid des mots, avec de brusques flambées. Elle se joue dans le rythme, les accents des percussions, les ruptures, les enjeux. L’adaptation est sévère : ne restent du texte que le tronc et les branches. Cela suffit pour soutenir le débat posé par le vieil Hugo : quel pouvoir, quelle action pourraient être à la fois justes et efficaces ? Question qu’il laisse sans réponse, à la fin de sa vie, en humaniste et en citoyen.
À chacun d’agir à l’endroit exact de sa responsabilité, de sa conscience et de son cœur. Sur ce point, la troupe se garde de toute sentimentalité, mais pas de tout lyrisme. Ce Quatrevingt-treize a été joué sur des scènes plus vastes  et y gagnait sans aucun doute, Godeffroy Ségal et sa troupe étant de ceux qui voient (parfois trop) grand. Tel quel, il tient sa qualité de sa précision et de son économie, accoucheuse d’une véritable émotion.

 

 

 

Christine Friedel

 

 

 

Avignon off -Théâtre Le Ring, jusqu’au 27 juillet à 13h30

L’asticot de Shakespeare

L’Asticot de Shakespeare, textes de Baudelaire, Caubère, Caussimon, Giono, Jankélévitch, et surtout Shakespeare. Spectacle de Clémence Massart mise en scène par Philippe Caubère.

 

 

  Ça fait partie de la mélancolie de Shakespeare : le monde est une scène, où nous jouons plus ou moins bien notre rôle, et au bout du conte (il n’y a rien à compter), bien empiffrés, nous servons à notre tour de festin aux vers. Yorick, le pauvre Yorick qui était si drôle quand il faisait sauter sur ses genoux le petit Hamlet : aux vers ! Juliette, fausse morte puis vraie morte dans le tombeau de ses ancêtres : aux vers ! Mercutio : aux vers ! Tous !
Et de  Baudelaire , la belle amante  de La Charogne : aux vers ! Quelle triste homonymie entre ces voraces ultimes et les formes de la poésie…
En fait de mélancolie, Clémence Massart a choisi celle du clown. Promenez-vous déguisés en ver blanc (genre abat-jour japonais) et vous verrez : en donnant un peu de la voix, on arrive à une Annie Cordy qui aurait encore moins peur de faire peur.
Avec un faux nez, on peut vous parler droit dans les yeux de la mort. Il faut bien cela pour imposer au public médusé un passage du Grand troupeau, de Giono : l’horreur est là, vigoureuse, objective, précise, lisez donc le livre pour vous en convaincre, et, si vous l’osez, à haute voix. Elle, elle le fait magistralement.
Ça marche moins bien avec le philosophe Jankélévitch : les petits pas de la pensée sont balayés par la silhouette grotesque du bonhomme. Dommage. Baudelaire résiste avec plus de force, et Shakespeare, donc ! L’actrice, qui a trempé le temps de quelques tournées dans le Footsbarn, y est chez elle, au comble de la virtuosité. Apparaissent le fossoyeur, Hamlet, le crâne de Yorick, on y verrait presque les asticots, et sa propre mélancolie. Distance, distance : pour cette fois, après sa Vieille au bois dormant, elle ne revêt que des personnages masculins, une veste, un couvre chef, un coup d’accordéon par ci, un coup de trompette par là, sans éviter, crânement, la sonnerie aux morts. Rire de défense, rire de dérision, qui détruit tout, rire enfantin devant le culot de la performance, rire né de l’exercice du droit de chacun au « mauvais goût », le public est mort de rire : c’est la moindre des choses.

 

 

 

Christine Friedel

 

Avignon Off – Théâtre des Carmes-André Benedetto, à 20h15 , jusqu’au 31 juillet

 

P.S. Il y eut, en son théâtre, des hommages à André Benedetto, émouvants, sérieux, drôles, vigoureux. Il manquait quand même quelqu’un: André Benedetto, dont les paroles habitaient le corps vivant. Dites par d’autres, elles s’affaiblissent.

Macbett

Macbett,  farce tragique d’Eugène Ionesco, mise en scène Jérémie Le Louët

 

Comment devient-on un Macbeth ? Il faut commencer par être un bon et loyal soldat, gagner des batailles pour son Roi, ou son archiduc, puis rencontrer trois sorcières (deux suffisent ici) qui, vous faisant cadeau d’un petit bout de vérité, vous feront croire à tout. Tout, quoi? Tout. Au pouvoir suprême, à « moi roi », à la reine à moi, à l’éternité à moi. Ça donne à penser ?
Le problème, c’est que ça ne donne rien du tout à penser à Macbeth, chez Shakespeare – si on ose ce bégaiement « chéché » -, et encore moins à son avatar de cartes à jouer, le Macbett d’Ionesco. L’espérance du pouvoir, le rêve du pouvoir aveuglent et assomment. Et le roi abusif évolue très naturellement vers son incarnation suprême (vers le bas), Ubu, dont la méthode de gouvernement est réduite à : «  à la trappe ! » – et à la fuite.
Ionesco se souvient fidèlement de la pièce de Shakespeare, avec une ironie quelque peu potache. Il supprime quelques meurtres en passant: le sang l’intéresse moins que les mensonges qu’on se fait à soi-même, surtout quand on est un brave soldat loyal.!
Mais là, pour la mauvaise foi, il nous la montre en virtuose : le poignard déjà à la main, les honnêtes Banquo et Macbeth se croient encore bons et fidèles sujets. Ionesco expose sur le plateau, non sans amertume, la fatalité de la montée au pouvoir et de la chute rapide qui s’ensuit : qui y a mis le doigt verra son corps entier pris dans la machine à bascule. À la trappe, le tyran qui a pris sans s’en rendre compte et mot pour mot le langage des « traîtres » qu’il vient de combattre et de vaincre.
Là est le point important, et trop démonstratif, chez Ionesco : la corruption du langage. Évidemment, Jérémy Le Louët et sa troupe font ça très bien : ils appliquent à la lettre leur théorie d’un jeu rapide, rythmé, stylisé et plein d’énergie physique, confrontant le grotesque et le lyrique, bien servis par la pièce, qui leur offre un bon terrain d’exercice. Et s’ils avaient choisi Shakespeare ? On comprend que le dramaturge Ionesco ait voulu donner une forme dramatique à ses réflexions sur le Macbeth de Shakespeare et sur la question du pouvoir : pour autant, ça ne fait pas de Macbett une grande pièce…
Le spectacle musclé et rapide des Dramaticules y perd, parfois.

 Christine Friedel

 Théâtre du Petit Louvre, à Avignon – 20h

 Autre spectacle de la compagnie : Le Horla, de Guy de Maupassant, à 22h15 au Théâtre Le Petit Chien