Trois soeurs

 

 C’est encore une de ces histoires de famille et de maison, comme Tchekhov les aime. Histoires jamais simples : partir, ne pas partir ? Se laisser repousser du nid ? Aimer, ne pas aimer, amo, amas, amat, comme le récite avec exaspération Macha ? « Comme ils sont tous nerveux, et que d’amour ! », dirait le docteur Dorn dans La Mouette, autre histoire de maison et de famille, et de bien d’autres drames entremêlés.
Donc, voilà : le frère brillant des trois sœurs ternit et s’efface peu à peu, les anciennes amours sont mortes et  celles qui auraient pu se produire, n’ont pas lieu : le colonel Verchinine, marié, part avec son régiment, le baron Touzenbach meurt dans un duel stupide. Olga, Macha et Irina seront enfermées dans une destinée de frustration, mêlée de moins en moins d’espérance...
Résumer ainsi les choses, c’est déjà entrer dans la lecture de Claire Lasne Darcueil.  En effet, elle choisit de ne mettre sur la scène que les trois sœurs, et de filmer les autres personnages (voir l’article de Véronique Hotte dans Le Théâtre du Blog février 2013). On ne peut mieux marquer, même s’il y a parfois un joli jeu de contact entre les comédiennes et les ombres projetées, la séparation constante qui se joue dans la pièce entre les hommes et les femmes ; d’ailleurs on entend celles-ci, à plusieurs reprises, dire à l’un ou l’autre : « Allez-vous en ! Partez ! », qu’il s’agisse d‘éloigner le mari exaspérant, ou d’écarter la tentation d’un amour défendu.
Cette coupure écran/scène met également en évidence la grande part de récits  de la pièce : les personnages se racontent les uns aux autres et ici, au public. Un autre effet du procédé choisi est de nous montrer ces trois sœurs, qui ne sont plus jeunes, comme d’éternelles petite filles qui n’oseraient, ou ne pourraient, sortir de la maison d’enfance : les comédiennes s’enlacent, s’enroulent, se bagarrent comme une portée de chatons dans un panier.
Mais pourtant, que malgré l’intérêt de cette lecture, le théâtre n’y trouve pas son compte. Les filles sont amenées, sur scène, à des émotions démonstratives, à des gestes arbitraires : Irina fait du repassage le jour de sa fête, puis l’oublie; toutes les trois, au moment  de l’incendie de la ville, font et défont des paquets de vêtements: une métaphore de leur impuissance à agir réellement ?
En un mot : le théâtre est souvent réduit à des idées visibles, et l’on sait que les meilleures idées au théâtre sont celles qui ne se voient pas, et ici, il est mangé par le cinéma. Géants, en noir et blanc et en gros plan, les hommes, joués par d’excellents comédiens filmés emportent le morceau. On ne veut pas croire que c’est voulu, au nom d’un pseudo-féminisme victimaire. Julie Denisse qui joue Macha (pourquoi les feuilles-programme ne donnent-elles pas la distribution des rôles ?) crève l’écran… quand elle y a droit.
Donc, hommage aux trois comédiennes, Julie Denisse, Anne Sée, Emmanuelle Wion, mais regrets que la pièce, tronquée, donc simplifiée, soit souvent réduite à un exercice. Une chance : avec un auteur de la dimension de Tchekhov, il en reste toujours assez pour captiver un public innocent.
Souhaitons à celui-ci, qui a quand même vibré devant ces Trois sœurs, d’en voir beaucoup d’autres et de vibrer encore plus.

 

Christine Friedel

 

Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes,  jusqu’au 14 décembre, T: 01 43 28 36 36.

Le texte est publié aux éditions Actes-Sud-Babel

Lento, Mad in Finland

Lento, conception et interprétation d’Olli Vuorinen et Luis de Sartori do Vale

 Cela se passe dans la petite salle de la rue des Cordes où règne une attention remarquable, même s’il ne reste plus une place libre en cette matinée de samedi, avec un public très familial. Il y a, vison plastique remarquable, retenus au sol par de petites plaques de métal, trente et un ballons blancs gonflés à l’hélium,parmi lesquels deux jongleurs vont se frayer un chemin, puis ils les apprivoisent comme des animaux bien vivants. Les ballons ont d’une certaine façon à ce moment là, dépassé leur statut d’objet pour rejoindre celui d’êtres animés.
Cela tient du voyage dans un monde fantastique, et de la manipulation poétique. Il y ainsi un drôle mais plus petit ballon qui semble avoir acquis une certaine autonomie… Mais le meilleur du spectacle est sans doute ce moment magique, où une douzaine de ballons, plus petits et à un mètre au-dessus du sol, va à force d’incantation d’un des deux artistes, aller, avec une certaine nonchalance, du côté cour au côté jardin, comme mûs par une force irrésistible, puis se tenir tranquilles dans le coin où il se sont réfugiés.
Là, on atteint le sublime au sens étymologique d’abord, et au sens courant ensuite. Oui, il y a bien de la magie dans l’air… « Au contraire de l’Européen classique, disait Léopold Sendar Senhor, le Négro-Africain ne se distingue pas de l’objet, il ne le tient pas à distance, il ne le regarde pas, il ne l’analyse pas. Il le touche, il le palpe, il le sent. »
Ce qui est bien le cas ici… Ces deux virtuoses, le Finlandais et encore moins son complice brésilien, ne sont des Européens classiques. Les spectateurs, tous âges confondus, enfants, parents et grands-parents, leur ont fait une ovation formidable et méritée.

Philippe du Vignal

Mad in Finland  de et par Elice Abonce Muhonen, Mirja Jauhiainen, Sanna Kopra, Stina Kopra, Viivi Roiha, Ulla Tikka et Lotta Paavilainen

     La grande salle du Théâtre d’Hérouville est tout aussi pleine d’un public familial, visiblement ravi de voir ces sept Finlandaises, dont deux d’entre elles, excellentes trapézistes, étaient déjà venues l’an passé (voir Le Théâtre du Blog). Comment parler de ce spectacle hors-normes, une peu fou (d’où ce le jeu de mot sur mad in) qui tient à la fois du cirque, avec de beaux numéros de funambule, trapèze ballant, corde, funambulisme, rola-bola (voir photo) mais aussi de cabaret, avec un orchestre rock (voix, chants, guitares électriques et violons).
Ce sont des performances à la fois complètement déjantées, et souvent brillantissimes, sur fond de féminisme discrètement revendiqué; les sept complices qui se connaissent bien, savent faire chacune beaucoup de choses, ont une incomparable maîtrise de leur corps, l’énergie, l’intelligence de leur jeunesse et un humour qui leur permet d’emmener leur public là où elles veulent...  Comme avec ce concours de téléphones portables hors d’usage qui servent de palet sur la glace, sport classique, parait-il, au pays des inventeurs du Nokia.
Pourquoi sept? C’est en référence, nous dit la note d’intention, au roman d’aventures célèbre dans leur pays Les Sept Frères d’Alexis Kivi (1834-1872) qui fit scandale aux yeux des bourgeois et des académiciens, et qui mourut  de schizophrénie et d’alcoolisme à 36 ans en disant : « Je vis !». Il est l’auteur de  douze pièces de théâtre et de ce roman qu’il mit dix ans à écrire, et où il décrivait une vie rurale réaliste c’est à dire… pas tellement  vertueuse.
Le spectacle par moments fait un peu du surplace et a tendance parfois à se répéter mais il y a une telle énergie et une telle générosité qu’on pardonne vite des défauts de mise en scène qui ne dérangent guère le public qui leur a aussi fait un triomphe.
Lento et surtout  Mad in Fianland sont deux spectacles où le corps redevient un instrument de pensée au service d’un spectacle, ce que le théâtre contemporain oublie trop souvent; comme le disait Maurice Merleau-Ponty, « notre siècle a effacé la ligne de partage du corps  et de l’esprit ».
Et, loin des petits magouillages de textes classiques et de mises en scène approximatives comme on voit trop souvent sur les scènes parisiennes, cela fait du bien de retrouver, venue d’un pays nordique, l’affirmation d’ Antonin Artaud dans Les Cahiers de Rodez en 1945: « Mon âme, c’est moi, mon corps entier « .

Philippe du Vignal

Les Boréales 23e édition Norvège/Lettonie/Islande/ Suède/Danemark /Finlande /Estonie à la Comédie de Caen .www.lesboreales.com
Et à l’Espace Cirque d’Antony , du 29 novembre au 21 décembre 2014, samedi 29 novembre 2014 à 20h Dimanche 30 novembre 2014 à 16h lundi 1er décembre 2014 et  à 14h : représentation scolaire, vendredi 5 décembre 2014 à 20h samedi 6 décembre 2014 à 20h dimanche 7 décembre 2014 à 16h.
Cirque-Théâtre d’Elbeuf, jeudi 15 janvier 2015 à 19h30 vendredi 16 janvier 2015 à 20h30,  samedi 17 janvier 2015 à 20h30 dimanche 18 janvier 2015 à 17h00.
CREAC à Bègles (33)  vendredi 23 janvier, le samedi 24 janvier, le mardi 27 janvier et le jeudi 29 janvier à 20h30 le dimanche 25 janvier à 17h.
Festival Circonova, organisé par le Théâtre de Cornouaille, au  magasin d’usine Armor Lux à Quimper,  les 4, 5 et 6 février à 20h.

 

Paradis Lapsus

Paradis Lapsus conception, mise en scène et chorégraphie de Pierre Rigal

Dans le cadre de la Belle saison avec l’enfance et la jeunesse, Pierre Rigal présente un plaisant spectacle de cinquante-cinq minutes, entre conte, danse et chanson; il nous transporte dans un univers futuriste où de grosses télécommandes, manipulées par une comédienne narratrice, Gisèle Pape, régissent deux humains métamorphosés en robots: un danseur, Julien Saint-Maximin et une danseuse, Camille Régnault.
Gisèle Pape a pour objectif de réparer les voix perdues de ces deux candidats à une romance fragile : «Ils vont s’embrasser, ils vont  s’aimer et ils vont se détester», prédit-elle, et redevenir ainsi, de plus en plus humains. Au début de leur rencontre, leur voix n’est pas la leur ; un haut-parleur dissimulé sur leur thorax émet des sons métalliques, et ils n’ont que leur corps pour s’exprimer.
« Lapsus chorégraphiques et lapsus verbaux, dit Pierre Rigal, se répondront, se confondront dans une danse du trébucher.» Sa chorégraphie habile, entre hip-hop et mouvements de gymnastes, est d’autant plus instable qu’elle se développe parmi des trappes et marches d’escalier à différents niveaux. Mais les danseurs de hip-hop s’adaptent parfaitement à ce milieu.
L’ensemble est agréable à découvrir et convient aux adolescents comme aux adultes, en quête d’une identité naissante ou perdue. Sous une apparence naïve, proche parfois de la bande dessinée, cette création pose la question du langage, du sens des mots et de nos affects. En mettant en scène deux candidats en proie à l’incertitude permanente d’une quête amoureuse, il pose aussi, à la fin , une question importante : peut-on  avoir du sentiment pour l’autre, si l’on ne s’aime pas soi-même?

 Jean Couturier

Théâtre National de Chaillot jusqu’au 25 novembre           

Affabulazione

Affabulazione de Pier-Paolo  Pasolini, texte français de Michèle Fabien et Titina Maselli, mise en scène et scénographie de Gilles Pastor.

Au centre de la scène, un espace vert qui se révèlera être un jardin et, à d’autres moments, un terrain de foot, où se trouve le père, (Jean-Philippe Salerio), à la voix douce même aux pires moments, les yeux écarquillés. Ce père, omniprésent, vient de faire un cauchemar dont la violence le bouleverse jusqu’à le rendre physiquement malade. En effet « il s’est vu aimer son fils », ce qui,  à priori, ne semble pas épouvantable, sauf qu’il s’est vu l’aimer d’un amour charnel, dont il parle en termes très crus. Dans le discours qu’il tient à ce fils, il évoque son sexe dressé entre lui et son enfant…
Lorsqu’il écrit Affabulazione (1973), Pier-Paolo Pasolini se souvient de l’histoire d’Œdipe dont il avait fait un film en 67, et se propose de réinventer le mythe en inversant les rôles. Il ne s’agit plus ici du meurtre du père par le fils, mais de celui du fils par le père. Mais nous sommes toujours dans le registre tragique et il est même précisé: « Une tragédie qui finit mais ne commence pas. » Et, comme pour bien le prouver, Pasolini convoque, par deux fois, le spectre de Sophocle.
Par ses partis-pris de mise en scène, Gilles Pastor joue la carte de la tragédie en faisant intervenir un chœur de cinq jeunes footballeurs, dont les passes sont réglées selon une véritable chorégraphie, qui investissent l’espace à chaque fin de scène; si leur présence peut déconcerter quelques spectateurs, il faut se souvenir que Pasolini avait une passion pour le foot.«Après la littérature et l’éros, disait-il, le football est pour moi l’un de plus grands plaisirs ». Et le corps des jeunes footballeurs et athlètes le troublait…
La mise en scène n’éclaire pas toujours les propos du texte—mais peuvent-ils l’être ?— mais construit un très beau spectacle. Gilles Pastor  choisit d’entrer dans le fantasme du père, dans ce rêve effrayant, immoral, qui va empoisonner sa vie et le conduire au meurtre. Dans un décor très sobre, il utilise savamment la lumière pour créer une atmosphère surréelle, et emploie avec beaucoup d’invention la vidéo qui est un de ses moyens d’expression privilégiés, pour permettre l’émergence d’une autre réalité.
La bande-son participe aussi à ce décalage. Gilles Pastor va même donner au spectre de Sophocle, la voix de Jeanne Moreau, fantasme dans le fantasme, qui fait naître de multiples références, où le théâtre est étroitement lié au cinéma.

Elyane Gérôme

 Théâtre National Populaire, 8 place Lazare Goujon. 69627 Villeurbanne jusqu’au 16 novembre, puis les 19 et 20 novembre au Théâtre du Vellein. 38090 Villefontaine. 

Le Grand prix

Clémence Weill, lauréate du Grand Prix de littérature dramatique 2014.

©Laurie Thinot

Le Grand Prix de littérature dramatique consacre chaque année un texte, avec une dotation de 4.000 euros, financée par la Direction Générale de la Création Artistique au Ministère de la Culture, avec le soutien de la S.A.C.D.
Sous l’égide du Centre national du Théâtre, le jury, présidé par Laure Adler, avait sélectionné cinq textes: Sous l’armure de Catherine Anne, à l’École des loisirs (qui, pour des raisons de règlement, n’a pu finalement concourir) ; Des idiots nos héros de Moreau (alias Frédéric Mauvigner), Éditions Théâtre Ouvert-Tapuscrit ; Suzy Storck de Magali Mougel, Éditions Espaces 34 ; et 2h14 de David Paquet, Actes Sud-Papiers/Leméac.
  Il vient d’être attribué cette année à Clémence Weill pour sa pièce la plus récente Pierre, Ciseaux, Papier paru aux  Éditions Théâtrales, dont le titre reprend le nom d’un très vieux jeu d’origine chinoise où la pierre bat les ciseaux en les émoussant,  lesquels battent la feuille en la coupant, qui, elle, bat la pierre en l’enveloppant. Ainsi chaque coup bat un autre coup, fait match nul contre le deuxième mais est battu par le troisième. Comme cela arrive aussi dans les relations humaines…
La pièce de la jeune auteure a en effet pour thème la vie quotidienne de trois personnages: un Jeune Homme qui observe l’Homme qui observe la Femme. Ils parlent de la vie de l’un d’entre eux qui, au centre de la scène, profère de temps à autres des phrases qui le caractérisent. Avec un humour assez virulent.
En avril dernier, Pierre, Ciseaux, Papier avait été lu au Théâtre du Rond-Point à Paris et au Taps (Théâtre actuel et public de Strasbourg) dans le cadre du festival Actuelles. Clémence Weill, trente ans, comédienne, metteuse en scène et auteure, a travaillé comme comédienne, avec notamment Emmanuel Demarcy-Mota, Jean-Louis Hourdin… et dans de nombreux spectacles de rue. Elle a adapté et mis en scène L’Opéra du dragon d’Heiner Müller, Mars  de Fritz Zorn, La Ménagerie de verre de Tennessee Williams, Mesure pour mesure  de Shakespeare.
Musicienne de formation, elle a aussi dirigé avec Jean-Claude Vannier L’Histoire de Melody Nelson et L’Enfant assassin des mouches à la Cité de la Musique en 2009.
Auteure, Clémence Weill  a aussi écrit Morning personne, une fresque d’après Calderón de Pasolini.

Philippe du Vignal

 

Trente-six nulles de salon

Trente-six nulles de salon de Daniel Cabanis, mise en scène de Jacques Bonnaffé

 

Acteur de théâtre et de cinéma, Jacques Bonnaffé est un poète de la scène qui se revendique comme tel, humblement; avec un goût du jeu et des bons mots, il monte ses spectacles avec un humour qu’il bâtit de préférence autour de la langue, de la littérature et du jazz. Une parole patoisante, érudite ou loufoque, attentive à l’infiniment modeste comme à une dimension plus spectaculaire de l’existence, pleine d’un esprit moqueur et ludique, toujours attentif à l’autre.
Les spectacles poétiques de cet inventeur scénique restent inoubliables pour un public amateur de théâtre : L’Oral et Hardi, un solo sur des textes de Jean-Pierre Verheggen, ou Nature aime à se cacher, un duo dansé sur le singe, à partir des textes de Jean-Christophe Bailly.
Jacques Bonnaffé a aussi été acteur dans Ex vivo/ In vitro de Jean-François Peyret, dans Le Roi du bois de Pierre Michon par Sandrine Anglade, et dernièrement, dans Hannibal de Christian Grabbe, monté somptueusement  par Bernard Sobel.
Un chercheur, un expérimentateur, un inventeur de gestes, de mots et de réparties. Dans Trente-six nulles de salon, Mario et Mario, frères jumeaux qui ne se ressemblent guère – Olivier Saladin et Jacques Bonnaffé-, sont engagés dans un dialogue auquel ni l’un ni l’autre ne voudrait mettre un point final, puisque cette conversation à bâtons rompus, progresse comme dialectiquement, en s’élevant d’un sujet à l’autre vers la saisie du sens, et en ne se repliant ni se refermant jamais sur sa propre trajectoire.
Ces deux-là « se préoccupent d’art en tout sens, et se verraient bien au nombre des personnalités, notabilités, célébrités, médiocrités dont on parle », dit le metteur en scène qui ne voit dans ce duo « qu’un orgueil d’incompris et d’exclus de grande foire ». Anne-Flore Cabanis a dessiné une scénographie enfantine, avec des élastiques tendus comme les cordes d’un immense violoncelle aléatoire, métaphore de la tension et du rebond, des mécaniques à l’œuvre dans les conversations élevées au rang de rituels et de cérémonies quotidiennes.
Les deux comédiens jouent leur partition avec fluidité: Olivier Saladin, en clown londonien au costume à carreaux colorés et au pantalon trop court, à la silhouette plus ronde mais aussi ahurie que celle de Jacques Bonnaffé qui a choisi les mêmes atours à la fois classiques et pittoresques.
Les balles tombent à côté du filet du dialogue théâtral et, malgré l’expérience des comédiens, on ne trouve pas ici la moindre jubilation dans le texte de l’auteur et plasticien Daniel Cabanis. Les conversations tournent court ou tombent à l’eau, et le public ne retrouve pas les belles promesses de ces clowns…

 Véronique Hotte

 Théâtre du Rond-Point, Paris  jusqu’au 6 décembre. T : 01 44 95 98 21

 

Binômes/Souris chaos

Binômes:

Souris Chaos, texte de Frédéric Sonntag, mise en lecture et interprétation d’Anne Loiret, Thibaut Rossigneux, Florian Sitbon et Emilie Vandenameele

 

Faire se rencontrer le monde du théâtre et celui des sciences, tel est l’objectif de ces binômes imaginés par Thibaut Rossigneux qui a passé commande à des écrivains, en leur proposant de rencontrer des chercheurs  génétique, zoologie, climatologie, médecine, mathématiques, physique, etc… Règle du jeu identique pour tous: après une seule et unique entrevue de cinquante minutes, l’auteur écrit une pièce de trente minutes pour trois personnages  mise  ensuite en lecture par un collectif de comédiens, metteurs en scène et musiciens.
Au fil du temps, vingt binômes ont été ainsi constitués, qui ont donné lieu à autant de pièces et de mises en espace. Une manière innovante de rapprocher le grand public des sciences les plus en pointes. Pour la cinquième édition de ce projet, rendez-vous donné à l’amphithéâtre de l’Espace des Sciences Pierre Gilles de Gennes – (ESPCI).
Le public, surtout constitué de lycéens, est là, en nombre, pour assister à  une comédie habilement  mise en scène par Frédéric Sonntag, fruit de sa rencontre avec Daniela Cota, spécialiste en physiopathologie de l’obésité à l’INSERM de Bordeaux, qui a découvert que la faim et la prise de poids dépendaient du niveau des endocannabinoïdes dans l’organisme.
Dans une vidéo projetée en première partie, cette charmante et jeune chercheuse explique, avec un délicieux accent italien, que la souris génétiquement modifiée pour ses expérimentations, est dite souris chaos, quand elle est privée de ses récepteurs endocannabinoïdes, qui selon elle, ont aussi un rôle dans le système, dit du plaisir. C’est clair. Parce qu’après, on se demande pourquoi on fume de la marijuana…»
La pièce parodie une émission de cuisine-réalité, telle qu’elles fleurissent, en ligne et sur le petit écran, notamment une série canadienne, apôtre de la malbouffe, qui présente les plats les plus caloriques et se fait la porte-parole des « gros et heureux de l’être ».
Les trois comédiens, tout en préparant  une béchamel, s’en prennent avec humour à l’addiction à la nourriture, à l’environnement social obèsogène, et au bonheur vendu par la publicité des barres chocolatées… On apprend beaucoup en s’amusant, et les jeunes, et moins jeunes, n’ont pas caché leur plaisir, au cours du débat qui suivit.
Deux autres pièces à ce même programme: Swan Song ou la Jeune Fille, la Machine et la Mort, de Sabryna Pierre, à la suite de leur rencontre, elle  avec Karim Jerbi, neuro-scientifique et spécialiste de l’interface cerveau-machine (Inserm) et Gustave Akakapo, lui pour Noce chez les épinoches, avec Wilfried Sanchez, écotoxicologue  à l’INERIS).
Avis donc aux programmateurs, enseignants et directeurs de théâtre: le collectif qui mène ce projet, propose ses spectacles en tournée!

Mireille Davidovici

Vu le 14 novembre, à l’Espace des Sciences Pierre Gilles de Gennes – ESPCI. http://www.lessensdesmots.eu/collection de 20 binômes.

 

Troyennes

 Troyennes – Les morts se moquent des beaux enterrements, texte de Kevin Keiss d’après Euripide, mise en scène de Laëtitia Guédon

 

Une tragédie rythmique pour rester en vie, telle est la signification singulière de cette adaptation particulièrement noire, Troyennes (415 avant J.-C.), d’après Euripide, Après dix ans de guerre, Troie est tombée. La ville est pillée, puis incendiée et les habitants sont massacrés par les vainqueurs grecs qui prennent comme butin, les femmes illustres de la cité.
Troyennes est donc  un long chant féminin de deuil de l’immédiat après-guerre, une interrogation à travers les grandes figures de la tragédie antique Hécube, Cassandre, Hélène  et cette tragédie parle  du refus d’oublier et de se soumettre : « Troyennes invite à célébrer ceux qui, dans les cendres, sont en vie ».
Le texte d’Euripide dénonce l’horreur de la guerre et son absurdité,et  il se place dans les camps pathétiques des vaincus, à l’écoute des dernières heures d’une poignée de femmes en pleurs, devenues veuves et esclaves du jour au lendemain et qui assistent à la mort de leur cité.
Hécube, reine réduite à la misère et mère déchue, invite à la pitié : Marie Payen est cette belle figure blessée, repliée dans l’humilité et la douleur,  très présente quant à la réflexion, le raisonnement et la souffrance. Vêtue au départ d’un long voile de plastique transparent, agenouillée ou allongée sur le sol, elle parvient à se relever de ses épreuves, à la fois digne et forte. Cassandre, elle, incarnée avec foi et élan par Lou Wenzel, est la victime ,figure de passion, de  renégats qui transgressent les lois divines. Quant à Andromaque (convaincante Mounya Boudiaf),  jeune princesse et mère d’Astyanax, elle ne peut voir  la mort que comme libération.
Les dieux Poséidon et Athéna sont interprétés avec majesté et panache par l’acteur et musicien Blade Mc Ali M’Baye ; parole frontale assumée, discours aux arguments clairs et puissants dimension oratoire et spectaculaire indubitable. Kevin Keiss est un choryphée  à la voix virile; et figures masculines, loin de toute majesté!, en doudoune et bonnet de laine, Adrien Michaux  est un Thalthybios honteux d’avoir jeté dans le vide au-delà des remparts le petit Astyanax, et c’est Pierre Mignard qui interprète Ménélas. La belle Hélène, (Valentine Vittoz) a des  allures de  Marylin Monroe.
  A jardin, des palissades cachent ces prisonnières troyennes et, à cour, surmontant un escalier du côté des vainqueurs, une installation miroitante de fers acérés, inquiétante et agressive, surplombe énigmatiquement la scène. Mais il aurait fallu plus de liberté aux comédiennes, en jolies robes légères et escarpins de starlettes,  pour qu’elles s’épanouissent dans l’espace indicible et insondable de leurs peines.
Femmes certes, elles le sont pleinement, couvertes d’un sang criminel et odieux qui les souille, encore rebelles  et insoumises face aux horreurs. Mais on se demande bien pourquoi Laëtitia Guédon en fait des objets glamour  publicitaires, et des icônes de magasine…
Ces clins d’œil déplacent le regard, et, du coup, cela réduit la vision tragique de ces Troyennes. Bref, une fresque qui n’est pas suffisamment convaincante…

 Véronique Hotte

 Théâtre 13/ Seine, 30 rue du Chevaleret 75013 Paris,  jusqu’au 14 décembre. T : 01 45 88 62 22

En attendant godot

En Attendant Godot de Samuel Beckett mise en scène de Marie Lamachère

 

  En Attendant Godot: autant dire un monument du théâtre de langue française, maintes et maintes fois représenté, et tout récemment par Jean Lambert-wild dont le spectacle sera repris au Théâtre de l’Aquarium au printemps prochain.
Il y a deux manières de mettre en scène la pièce : soit avec fidélité, soit en la transposant et/ou en le prenant à contre-pied. Marie Lamachère a fait le choix de la fidélité au texte, ce qui ne l’a pas empêché de chercher des solutions au cours d’un long travail de plateau.  « Cette pièce de Beckett, écrite pour le théâtre, a, dit-elle, du moins en apparence, tous les codes historiques de la représentation : personnages, situations, dialogues, espace, séquençage en deux actes, avec des didascalies  précisant les actions et les émotions à représenter. La pièce joue cependant, dans le même temps, à tordre subtilement les codes, à inquiéter les apparences et à questionner les enjeux du théâtre »
On retrouve donc ici nos deux clochards célestes (Antoine Sterne et Gilles Masson) sur les planches d’un plateau noir à peine surélevé, vêtus du même complet veston, avec chapeau rond et chaussures de sport montantes qui rappellent celles des boxeurs. Derrière eux, une toile où sera projetée  l’image d’un arbre au soleil, puis de la lune, respectant ainsi les didascalies de l’auteur:  « route à la campagne avec arbre, Soir (…) le soleil se couche, la lune se lève ».
Devant eux, et derrière nous, un chemin, qui mène vers un un vrai arbre. Wladimir et Estragon seront rejoints par un Pozzo tout en nerfs, accompagné de son impassible Lucky. Il sera donc question de souffrance… mais le jeu lorgne aussi du côté du burlesque, multipliant chutes, gestes amplifiés et cris successifs mais il y a aussi  des tableaux visuels d’une grande pureté, dont les images font penser aux aventures de Charlot, et parfois vers la peinture surréaliste de René Magritte.
Il faut, bien sûr, s’habituer à la structure de ce texte: Samuel Beckett prend son temps et nous emmène dans des circonvolutions narratives et dans des histoires dans l’histoire, même si on sait très bien comment ça finira, ou on le comprend vite. Marie Lamachère donne ici une grande clarté au langage beckettien et le jeu des comédiens, toujours  justes, contribue à l’unité de la pièce.
La mise en scène trouve un bon équilibre entre action, humour, et changements de rythme et nous tient accrochés à un langage qui n’a rien de facile… Après un temps d’adaptation nécessaire pour bien saisir où l’on est, on s’installe dans  ce Godot, et on y est bien. Le poétique passe aussi par des presque numéros de cirque, comme la danse des chapeaux ou les emmêlements dans une corde.
Ici donc, rien d’extravagant ni de révolutionnaire, mais une interprétation cohérente de ce chef-d’œuvre, et c’est déjà beaucoup !

Julien Barsan

 Théâtre de l’Échangeur de Bagnolet jusqu’au 22 novembre T : 01.43.62.71.20

 

 

Salto mortale

Salto mortale, un film de Guillaume Kozakiewiez

 Antoine Rigot, funambule de profession, fonda en 1996 avec Agathe Olivier, la compagnie Les Colporteurs qui, de création en création, mêle cirque, théâtre, danse et musique. En 2000, victime d’un grave accident, il sait qu’il ne pourra plus danser sur un fil mais ne renonce pas.
C’est cette lutte pour maîtriser son corps à moitié paralysé, cette persévérance à reprendre le chemin du cirque, que montre le film. On le suit dans ce combat, et on voit comment, avec son handicap, il continue à faire son métier, à transmettre son art à de jeunes artistes, à réaliser des spectacles et aussi à évoluer lui-même sur la piste, en mettant en scène sa différence, face à des partenaires virtuoses.
Salto mortale, grâce à un montage rythmé, fait alterner l’interview d’Antoine avec des images d’archives où il danse, virevolte, saute à des hauteurs vertigineuses, comme dans le  très poétique Amore captus (1994). On assiste aussi aux répétitions d’un spectacle  où il va réussir à remonter sur un fil !
D’abord photographe, puis chef-opérateur,  Guillaume Kozakiewiez est passé à la réalisation de documentaires. Ici, en une série de plans serrés, gros plans ou plans larges, il capte au plus juste les corps des comédiens acrobates, et, fasciné par la volonté de cet homme « qui ne renonce pas », il s’attarde longuement sur celui d’Antoine Rigot qui « n’est pas un personnage triste, ni prisonnier de son fauteuil (…) Il ne lui reste qu’une chose à faire, avancer », explique le réalisateur. Il donne à voir la remise en marche d’un corps blessé, mais aussi combien le mental peut agir sur le physique et, comme dit  le funambule,  « l’intelligence animale du corps ».
Malgré l’empathie des images et la mise en contact souvent directe avec l’intimité du personnage, le film évite tout pathos, et nous donne une belle leçon de vie.

Mireille Davidovici

Sortie en salle le 26 novembre 2014