Partage de midi de Paul Claudel, mise en scène d’Éric Vigner

©Jean-Louis Fernandez

 

Partage de midi de Paul Claudel, mise en scène d’Éric Vigner

Une œuvre écrite en 1905 et modifiée en 1948, menée ici avec grâce et violence dans des contrées jusque-là inexplorées. La vie et l’univers poétique de l’écrivain répondent à des aspirations profondes: celles de l’amour divin et de l’amour humain. Elles auraient pu cheminer en harmonie mais le destin en décida autrement: «Les deux premiers actes de Partage de midi ne sont qu’une relation exacte de l’aventure horrible où j’ai failli laisser mon âme et ma vie, après dix ans de vie chrétienne et de chasteté absolue.»

La pièce est aussi le sombre et troublant miroir des grandes crises spirituelles vécues par le poète et diplomate, reçu premier au concours des Affaires étrangères. « La première, dit-il, dans Ma Conversion, 1913) eut lieu une nuit de Noël à Notre-Dame de Paris: «J’étais moi-même debout dans la foule, près du second pilier à l’entrée du chœur à droite, du côté de la sacristie. Et c’est alors que se produisit l’événement qui domine toute ma vie. En un instant, mon cœur fut touché et je crus. »

Et la seconde crise se produit quelques années plus tard, après une retraite à l’abbaye de Ligugé, à la suite d’un séjour en Chine. Paul Claudel avait voulu se faire moine bénédictin mais le Père abbé avait quelques doutes et lui suggéra en 1900 de retourner en Chine   pour mettre à l’épreuve son désir d’engagement religieux. Il reçut cette décision comme un refus de Dieu, proche de la trahison et d’un véritable traumatisme. Cette même année, il prit donc à nouveau le bateau pour l’Extrême-Orient et, à trente-deux ans, il vivra un moment épiphanique avec une double rencontre fulgurante pour ce poète encore vierge, celle du plaisir charnel et du  féminin, de la beauté et de l’absolu, avec Rosalie Vetch. Paul Claudel tombe passionnément amoureux de cette femme mariée, déjà mère de quatre enfants.  Un bouleversement existentiel qu’il vécut comme la continuité de son cheminement spirituel et poétique…

Partage de midi en sera le témoignage sublimé: «Pour les héros du drame, prisonniers de la fatalité comme d’un oméga dont les deux bras se resserrent de plus en plus autour d’eux, il ne reste finalement qu’un moyen de salut: la fuite vers le ciel. » Une pièce largement autobiographique et plusieurs moments de  cette histoire d’amour trouvent un écho entre drame vécu et drame écrit: échec de la vocation religieuse, rencontre sur le bateau d’Ysé, Mesa et Amalric. Et l’œuvre fait écho au double adultère de Rosalie enceinte d’un premier amant, quand elle  rencontre Paul Claudel…

Eric Vigner  eut un choc sentimental et esthétique comparable. » Je l’ai découverte à dix-sept ans dans la bibliothèque de mon oncle, donc il y a longtemps. Cette lecture a été un moment très important, essentiel, pour moi, sans savoir ce que c’était.» Un véritable coup de foudre et Partage de Midi, gravée à jamais dans son esprit et son imaginaire, ne le quittera plus. Cette œuvre de la maturité chez Paul Claudel est le deuxième volet d’un triptyque commencé par Eric Vigner avec Tristan, écrit et créé en 2014 à Lorient et dont le dernier sera Le Vice-Consul de Marguerite Duras. Des écrivains essentiels dans le parcours intime et artistique du metteur en scène comme les acteurs qu’il a choisis: «Quatre corps, quatre voix, quatre êtres singuliers qui partagent un même texte. »

Autre complicité entre  le dramaturge et le metteur en scène: la fascination partagée pour l’Asie, sa culture, sa spiritualité et son esthétique. Eric Vigner avait monté en coréen Le Jeu du Kwi-jok ou Le Bourgeois gentilhomme. Et, grâce à sa sœur Camille, Paul Claudel avait, à vingt-trois ans, découvert le théâtre chinois à l’Exposition Universelle de 1889 à Paris. « Ici le climat recherché est celle du pont des bateaux à vapeur avec moteur fonctionnant au  charbon, dit Eric Vigner, comme dans les films américains sur ces années-là. La Chine est un pays bruyant où on fume de l’opium et il faut imaginer un voyage sur deux mois ! Arrivé là-bas,  on découvre une sorte de Moyen-âge et pas du tout une société organisée, occidentale,  comme on est alors en train de construire dans ces années là, en France, par exemple. C’est aussi l’histoire de la colonisation. C’est important de se replacer dans ce contexte et, dit Eric Vigner, les costumes sont donc complètement XIX ème siècle! »

Mais avec la scénographie, on dépasse ce contexte historique et nous sommes, à chacun des trois actes, subjugués par sa beauté et sa symbolique. Mais aussi fascinés par la gestuelle de Jutta Johana Weiss, (Ysé), Stanislas Nordey (Mesa), Alexandre Ruby (Amalric) et Mathurin Voltz (de Ciz) : exceptionnels. Et avec un remarquable retour en arrière, sorte de préambule à cet amour impossible, le spectacle commence avec les lettres de Mesa (le double de Paul Claudel) restées sans réponse. Brutalité sensuelle et désespoir métaphysique… Le spirituel communie ici avec la chair.  Un spectacle mystique où les personnages, tous en situation d’échec, et partis pour la Chine comme pour avoir une deuxième chance, semblent être ici un  chant unique, pour livrer un secret dont ils ignorent eux-mêmes la signification…Une raison sans doute d’avoir pris la mer.  

L’éclairage à la bougie avec ses contrastes et ses ombres, la grâce, la gestuelle et l’extraordinaire présence de Jutta Johanna Weiss, (Ysé) incarnation sublime d’une féminité moderne, participent d’une peinture flamande. La bande-son et les coups de gong intensifient l’écriture singulière de Paul Claudel, comme pour mieux la laisser résonner. Le phrasé et la voix de chaque personnage s’apparentent à un chant venu d’ailleurs. A l’acte II, dans un cimetière chinois, Ysé et Mesa, en élégants costumes noir, s’élancent dans un pas de deux amoureux avec, pour seuls témoins, un rideau de bambou et des couronnes mortuaires. Puis, au troisième acte, le vide va prendre possession de l’espace et seuls, ressortent sur fond blanc et en caractères chinois, les mots: vie, mort, éternité. Appel au divin?  Une étrange émotion traverse le spectacle. Véritable danse de l’âme sur les flots  imprévisibles, mais tout aussi impitoyable et violente danse des mots… Une superbe mise en scène…

 Elisabeth Naud

Théâtre National de Strasbourg, jusqu’au 19 octobre.

Comédie de Reims, du 13 au 15 novembre.
Théâtre National de Bretagne, Rennes du 12 au 19 décembre.
Théâtre des Abbesses/Théâtre de la Ville, du 29 janvier au 16 février.    

Francis sauve le monde d’après Francis, mise en scène de Jean-Michel Frère

 

Francis sauve le monde d’après Francis, bandes dessinées de Claire Bouilhac et Jake Raynal, mise en scène de Jean-Michel Frère

 Le  théâtre emprunte,   depuis une dizaine d’années à des romans, essais, films… et maintenant aux bandes dessinées. La compagnie Victor B. et Jean-Michel Frère, installée à Namur en Belgique, coutumière d’un humour décalé, a trouvé, dans les albums de Claire Bouilhac et Jake Raynal, matière à un spectacle hilarant et inventif…

Dans un décor de tables et d’étagères, se love une ménagerie de peluches de toute taille et de toute espèce : car Francis est un blaireau, sa femme aussi. Son ami Lucien, un lapin ou un chien ; son docteur, un rat, et son patron, un loup. Il y a aussi des cochons, chats, souris et hiboux. Mais aussi d’autres jouets : pistolets, tanks et hélicoptères, et quelques poupées Barbie… Mais, derrière Francis et son bestiaire, se profilent des comportements humains que les trois comédiens prennent plaisir à jouer, tout en manipulant à vue les animaux en peluche

La série Francis blaireau farceur  a vu le jour en 1996,  et chaque recueil  rassemble de  mini-récits en six cases toutes en longueur. Comme dans les albums, le spectacle enchaîne ces mini-récits avec une férocité ravageuse. Francis, inconséquent, irresponsable, égoïste et obsédé sexuel, agit sur la pulsion du moment. Chaque séquence débute invariablement par :Francis se promène dans la campagne : soudain ! (…) et hop ! . Car c’est aussi un animal, sans morale ni culpabilité, pourvu qu’il satisfasse ses besoins primaires.

Sous des allures bon enfant, pendant une heure, les comédiens portent, avec ces aventures de Francis, une critique acerbe sur notre époque. Le personnage est cynique mais parfois désespéré: il pense souvent au suicide. Mais, à chaque fois, il s’en tire avec une pirouette : comme dans le livre où chaque bande se conclut soit en bouclant la boucle, soit par des dommages collatéraux sur d’autres individus, soit encore, avec l’épouse de son ami Lucien… C’est tranchant, irrespectueux et surtout drôle…

Mireille Davidovici

Spectacle vu le 17 octobre, au Centre Wallonie-Bruxelles, 26 rue Quincampoix,  Paris IV ème. T. : 01 53 01 96 96.

Et en Belgique : le 23 novembre, Centre Culturel d’Andenne ; le 8 février, Centre Culturel de La Louvière et le 26 février, Centre Culturel de Soignies.
Le spectacle existe aussi en version pour la rue, joué dans une baraque à frites (quarante minutes), et en version dite «planche à repasser», (vingt minutes dans un espace de deux m2).

 

La Dame aux camélias d’Alexandre Dumas fils, mise en scène d’Arthur Nauzyciel

© Philippe Chancel

 

La Dame aux camélias d’Alexandre Dumas fils, mise en scène d’Arthur Nauzyciel

 Ne cherchons pas ici une version théâtrale de La Traviata (1853). Arthur Nauzyciel, avec Valérie Mréjen, a construit cette Dame aux camélias, plus sur le roman d’Alexandre Dumas fils (1848) que sur le drame qui l’a suivi (1851). Choix essentiel, et qui participe de la beauté du spectacle créé au Théâtre National de Bretagne, le  mois dernier.
 Cela commence avec  la vente des meubles de Marguerite Gautier, jeune prostituée de haut vol, morte pleurée par quelques rares de ses clients, et par son amoureux, triste et prisonnier de sa passion. On connaît l’histoire : celle d’une jeune fille pauvre, d’une beauté fière et spontanée qui a eu un coup de foudre -réciproque- pour un Armand Duval à mille lieues de comprendre de quoi est faite sa vie. Obéissant à son père, cet amoureux repentant reviendra trop tard pour un ultime duo. (On ne rit pas !)

Arthur Nauzyciel a placé le drame sous le signe de la mort. Le décor évoque le bordel : tapis de velours d’un rouge éteint, divan capitonné, sculpture suggestive. Dans ce clair-obscur feutré, des corps plus ou moins dévêtus se mêlent, derrière des rideaux à demi transparents.  Ils nous renvoient à un au-delà fantasmatique et bougent au rythme lent  de la chorégraphie de Damien Jalet. Très beau et troublant : on est passé de l’autre côté du fleuve des morts.

Mais sans la grâce de l’oubli. Le malentendu règne, et l’ambiguïté : l’honorable monsieur Duval, père du jeune égaré, venu plaider l’honneur de la famille et le bonheur de sa fille, obtient le sacrifice de Marguerite : elle doit quitter Armand, et il ne la reverra plus, pour garder  «propre» le  nom de leur famille. En échange, il aura son estime et son affection. Lutte de loyauté et de grandeur d’âme ? Mais le bourgeois en caleçon est compromis, et il le sait. Et ce sont toujours les mêmes qui perdent. La prostituée n’a pas une chance face à ce Monsieur «bien». Et la vertu n’a pas le même prix, quand il y a lutte des classes, en particulier sur le terrain censé être neutre d’un bordel : en fait, un enclos réservé aux plaisirs des bourgeois, et où sont parquées quelques «brebis galeuses».

Il est toujours question d’argent dans cette pièce écrite à l’apogée du romantisme. La présence de Marguerite, son corps et son luxe même, qui flatte la vanité de ses clients: cela a un prix, cela s’achète, et ce qui s’achète, un jour, se jette. Le texte est cru, comme chez Balzac (mort en 1850) qui, lui aussi, a regardé, avec amour et acuité, les grandes courtisanes de son temps. Et en même temps, Dumas fils parle aussi d’amour et de mort, de grands thèmes lyriques qu’Arthur Nauzyciel appréhende dans leur profondeur, sans un gramme d’ironie, en osant faire une alliance tranquille entre intelligence de l’analyse et émotion pure.

Ce qui fait, entre autres, la beauté du spectacle, haussé à la dimension de la tragédie. Avec des comédiens à la hauteur : Marie-Sophie Ferdane et Pierre Baux (le père) donnent une belle charpente à cette pièce où jouent aussi de jeunes acteurs. L’actrice donne à Marguerite sa fraîcheur, son insolence et sa douleur avec une simplicité désarmée que traversent quelques cris : mieux qu’en diva à effets et en grande tragédienne. Lui, donne au discours du père ce qu’il faut de cruauté mi-consciente et de dignité… perdue d’avance.

Parfois, on  revient au récit  (car tout part de celui de Gaston Rieux qui s’est lié d’amitié avec Armand) et cela marque un repos dans le spectacle. Parfois le cinéma vient l’ouvrir un moment sur l’extérieur, apportant de la vie, celle des acteurs et celle d’aujourd’hui. L’harmonie entre la mise en scène, les lumières (Riccardo Hernandez), la scénographie (Julien Derivaz), les costumes (José Lévy), le son (Xavier jacquot) est si parfaite qu’on se demande comment un spectateur mécontent a pu sortir en disant : «On se moque du public !»

Non, cher spectateur mécontent, bien au contraire, cette Dame aux Camélias  respecte le public, au plus haut point. Bon, presque trois heures : c’est long, mais enfin, sans jeu de mots, il s’agit d’un thrène funèbre mais sans pathos. Il faut parfois tendre l’oreille mais cela en vaut la peine. Non, ce qui n’est pas ici et que vous n’aurez donc pas : un attendrissement kitsch. De grands artistes réunis pour une œuvre commune, nous donnent bien plus : la passion et la vie.

Christine Friedel

Les Gémeaux-Scène Nationale de Sceaux (Hauts-de-Seine), jusqu’au 21 octobre. T. : 01 46 60 05 64.

Comédie de Valence (Drôme), les 4 et 5 décembre ; Comédie de Clermont-Ferrand, Puy-de-Dôme), du 11 au 13 décembre.
Le Parvis-Scène Nationale de Tarbes (Hautes-Pyrénées), les 16 et 17 janvier ; Théâtre des Célestins, à Lyon, du 22 au 25 janvier; Théâtre National de Nice, les 31 janvier et 1 er  février.
Théâtre de Vidy-Lausanne (Suisse), du 13 au 15 mars; Comédie de Caen (Calvados) les 20 et 21  mars. Théâtre National de Strasbourg, du 28 mars au 4 avril.
L’apostrophe, Scène Nationale de Cergy-Pontoise, les 18 et 19 avril.
Tandem-Scène Nationale d’Arras-Douai, les 10 et 11 mai; La Criée-Théâtre National de Marseille, les 17 et 18 mai.

Rencontre avec Pierre Pica conception et mise en scène d’Emilie Rousset

 

Rencontre avec Pierre Pica, conception et mise en scène d’Emilie Rousset

 

En dialogue avec Pierre Pica, Emilie Rousset nous invite à un voyage chez les Munduruku, au cœur de la forêt amazonienne, au Nord du Brésil. Connus pour attaquer d’autres tribus, en grand nombre comme des fourmis,  ils transformaient  les têtes de leurs ennemis tués, en trophées de  guerre. Chez cette peuplade indienne de quelque 12.000 individus, aujourd’hui pacifique, on ne compte pas comme chez nous et on ne dispose que de trois ou quatre nombres, qui renvoient à des quantités approximatives. « Alors, ça paraît bizarre, dit Pierre Pica. La première réaction : comment font-ils? Je crois qu’il y a deux mondes. Le monde approximatif  où ils vivent, et le monde exact, en gros. Et en fait, nous, nous vivons dans les deux mondes et eux, ne vivent que dans un seul.» Ce linguiste, élève de Noam Chomsky, a voué sa vie à l’étude de la langue munduruku et montre que leurs compétences linguistiques sont aussi valables que les nôtres, au sens où son maître l’entend. Pour les tenants de la linguistique générative, les capacités des hommes en la matière sont universelles: innées et donc non acquises : Munduruku, Français ou Japonais, nous sommes tous structurés de la même manière par cette compétence proprement humaine…

Curieuse d’en savoir plus, la metteuse en scène, qui explore depuis quelques années, la parole de spécialistes pour la transposer au théâtre, a interviewé à plusieurs reprises Pierre Pica.  Elle nous livre  ses enregistrements bruts, qui sont ici joués en direct à l’oreillette par Emmanuelle Lafon (Pierre Pica) et Manuel Vallade (Emilie Rousset). Nous suivons avec intérêt la réflexion de Pierre Pica qui nous fait entrer dans le monde    »analogique », flou et courbe, de ces Indiens. Et loin de s’opposer à notre univers «digital» rectiligne, la langue munduruku nous en apprend beaucoup sur nous-mêmes. Nous parlons, nous aussi, par approximations : « Attends cinq minutes  » traduit une notion du temps élastique, comme   » trois doigts de whisky »,  une mesure inexacte. Nous partageons donc avec cette tribu des expériences communes. Pierre Pica ouvre les portes d’un monde analogique où les mots «banane» et «bras» ont le même classifieur car la même forme. Tout comme «larme», «sève» et «café» car ces liquides coulent d’un autre objet…

Comment traduire ces entretiens en spectacle théâtral ? La pièce respecte la chronologie des rendez-vous, espacés sur trois ans. Le plateau, rigoureusement géométrique, cerné par un rideau mobile disposé à angle droit, s’arrondit sur l’avant et va s’ouvrir progressivement sur l’au-delà flou des coulisses, à mesure que le linguiste nous révèle les arcanes munduruku. Les comédiens gardent d’abord leurs distances, avant de jouer l’intimité naissante entre la femme de théâtre et le chercheur «L’évolution à la fois d’une relation et d’une recherche, dit Emilie Rousset, nous a intéressées.  (…)  Partager et faire entendre le savoir du spécialiste constitue une part importante du projet mais l’expérience offerte aux spectateurs est d’une autre nature ».  

En intervertissant les rôles homme/femme, en gardant la matière brute des entretiens qui nous parviennent en léger différé, à cause du travail à l’oreillette des comédiens, la metteuse en scène veut créer un décalage : « un trouble faisant écho au monde des perceptions des Indiens munduruku. »

Oui, mais cela suffit-il à faire théâtre ? Tâtonnements du langage, incidents comme ces bruits pendant l’interview et anecdotes hors sujet, produisent distance et humour mais aussi parfois… une certaine lourdeur. On se trouve dans un entre-deux limite, entre réel et fictionnel, entre naturalisme et performatif. Un thème captivant, et la forme, jeu entre original et copie, reste d’un intérêt expérimental. Un certain humour nait de tous ces écarts.

En général, Emilie Rousset conçoit ses créations loin des plateaux de théâtre, pour des musées ou des espaces publics: «J’ai trouvé dans ces territoires moins calibrés, une liberté qui m’a permis de formuler avec une écriture plus personnelle ce que disent les conteurs,.» On pourra voir dans ce même théâtre, en décembre, un  autre spectacle de la metteuse en scène: Rituel 4 : Le Grand Débat  sur le tournage d’un débat présidentiel.

Mireille Davidovici

Théâtre de la Cité internationale, 17 boulevard Jourdan, Paris XIV ème, jusqu’au 20 octobre. T. : 01 43 13 50 60.

Le 19 novembre, Fondation Cartier pour l’art contemporain, boulevard Raspail, Paris XlV^e ; le 28 novembre P.O.C. d’Alfortville; et, en novembre, au Next Festival, au Phénix-Scène Nationale de Valenciennes.

 

Fashion Freak Show, conception et costumes de Jean-Paul Gaultier

© Alain Jocard/AFP

Fashion Freak Show, conception et costumes de Jean-Paul Gaultier.

 

Nous avions parfois croisé le couturier au théâtre, ou dans des festivals.  Des podiums de mode à la scène, le pas n’a pas en effet été difficile à franchir… Quand il avait  neuf ans, un reportage sur les Folies-Bergère qu’il avait vu à la télévision, l’avait émerveillé et il l’inspirera tout au long de son existence. Son nounours sera son premier mannequin. La suite, nous la découvrons dans ce spectacle qui retrace sa carrière et qui mêle l’histoire des Folies-Bergère et son autobiographie, en lien avec les grands courants esthétiques, musicaux et sociétaux, des années soixante-dix à nos jours.

La première revue a été présentée dans ce lieu mythique en 1886. Loïe Fuller y a dansé, Maurice Chevalier, Mistinguett, Joséphine Baker s’y ont produits. Et de grands costumiers comme Michel Gyarmathy ou Erté y ont réalisé des merveilles. Jean-Paul Gaultier invite les spectateurs à une fête  dont les tableaux se succèdent avec rythme, bien chorégraphiés par Marion Motin et mis en scène par Tonie Marshall. Le couturier réalise ainsi son rêve d’enfance : «Ce Fashion Freak Show est un mélange de mes deux amours : la revue et la mode.».

Danseurs, comédiens, chanteurs, mannequins et circassiens font tout pour éblouir le public. Les costumes, dignes des plus grandes revues du passé, sont déjà un spectacle. Les séquences filmées apportent une note d’humour, avec les témoignages d’amis comme Antoine de Caunes, Catherine Deneuve, Line Renaud, Rossy de Palma…  Des images évoquent les grandes heures du Palace, et une autre, l’arrivée du Sida qui emporta l’ami du couturier.

La scène offre un bel écrin à son délire inventif et les défilés de mode constituent les plus beaux tableaux de ce spectacle où des artistes viennent parmi le public. Mais il manque ici une certaine folie, celle que l’on découvre dans les extraits de ses anciens défilés, projetés en toile de fond.  Ce spectacle très sage,  fondé sur un travail exigeant de toute l’équipe artistiquet traduit la générosité de ce créateur hors-normes, talentueux touche-à-tout, trublion de la vie parisienne…  C’est aussi un homme d’affaire inventif dont on appréciera le sens du marketing:  dans le hall des Folies-Bergère  ses vêtements et parfums, ou des souvenirs du spectacle font le bonheur de ses fans venus nombreux. Dans une salle pratiquement pleine chaque soir, 1.500 spectateurs sont venus goûter aux délices d’un défilé de mode habituellement réservé à un petit monde de privilégiés…

Jean Couturier

Folies-Bergère,  32 rue Richer, Paris IX ème.

 

Prélude à la fugue, d’après Sylvain Tesson, de Julien Barret et Pierre-Marie Braye-Weppe

©sarah Perret-

 

Prélude à la fugue, d’après Sylvain Tesson, de Julien Barret et Pierre-Marie Braye-Weppe

Il y a d’abord une sorte conversation avant un spectacle qui, de fait, n’est pas encore là mais qui naîtra peu à peu. Un jeune homme (Julien Barret) nous parle, avec et sans micro, de sa passion pour la marche à pied. La modulation de sa voix croise celle de la musique à la fois primitive et très sophistiquée de Pierre-Marie Braye-Weppe. Ils se renvoient en écho leurs énergies et leurs impulsions.

Le spectacle commence et nous, nous marchons: Sylvain Tesson est un authentique écrivain-voyageur mais aussi un voyageur-écrivain. Pas un simple jeu de mots: la marche produit de la pensée et de la poésie, le voyage décrit la courbe du monde, et les mots emmènent très loin, «Fuir ! Là-bas, fuir ! Je sens que les oiseaux sont ivres/D’être parmi l’écume inconnue et les cieux!» (Mallarmé, Brise marine).

Parmi les objets de première nécessité dans un sac à dos bien fait, vous trouverez une anthologie de poésie. «Dire des vers en marchant. Rythmer la récitation. Accorder la stance à la cadence nomade : Péguy dans la steppe, Apollinaire en haute altitude. Shakespeare sous l’orage…». Et Charles Baudelaire, bien sûr, et son long poème du voyage. Sylvain Tesson s’adresse vraiment au lecteur,  et ne nous cache rien, pas même «l’amer savoir qu’on tire du voyage», l’enfer d’une steppe dont l’infini vous glace. Oui, Charles  Baudelaire passe par là, et Henri Michaux : «Emportez moi…» 

Respiration même du voyageur, ils vont de soi, et de l’avant. Et ils soutiennent la quête de beauté   de celui qui a écrit L’Axe du loup et Dans les Forêts de Sibérie. La beauté de la nature, il faut aller la chercher loin, là où règnent le silence et la solitude. Où l’épuisement, le geste répétitif de la marche peut rendre fou. Où l’homme redevient animal, mais un animal philosophe, capable d’une exaltante -et humoristique- méditation sur le temps et l’espace, redécouverts dans l’épreuve de la marche : «Je change le sablier en poudre d’escampette. »

Et nous, le public, nous marchons. Prodige ordinaire du théâtre et efficacité de la scénographie, l’espace s’agrandit, le cyclorama blanc se hisse et «met les voiles», puis s’ouvre et se chahute en une sorte de banquise où l’acteur se retrouve tout petit. Et sa cabane en planches, esquissée, abrite la technologie sophistiquée d’où naîtront les images de l’ivresse… Ce beau travail,  voulu et construit par Julien Barret, a été mené à bien avec une équipe très professionnelle: Olivier Broda, à la direction du jeu, Leslie Six pour la dramaturgie, Camille Vallat et Sébastien du Merle pour la scénographie.
 Le Quai-Centre Dramatique National d’Angers-Pays de la Loire, a fait le pari de tester ce spectacle, dans un premier temps, en lui ouvrant sa salle de répétitions, puis, au vu du résultat, de le produire. Pari gagné à la fois pour ces artistes et pour l’institution: les grands frères donnent parfois le coup de main décisif aux cadets dont ils ont reconnu le talent…

Christine Friedel

Le Quai C.D.N. à Angers  jusqu’au 18 octobre T. :03 41 22 20 20.
Le 20 novembre au Mail-Scène Culturelle, Théâtre de Soissons.
Le 20 décembre à l’Espace Jean Legendre-Théâtre de Compiègne.
Puis en tournée…

Dans les forêts de Sibérie et Sur les chemins noirs ont été publiés aux éditions Gallimard), et L’Axe du Loup aux éditions Robert Laffont