Dissection d’une chute de neige de Sara Stridsberg, traduction de Marianne de Ségol-Samoy, mise en scène de Christophe Rauck

Dissection d’une chute de neige de Sara Stridsberg, traduction de Marianne de Ségol-Samoy, mise en scène de Christophe Rauck 

 Ce spectacle, en forme de conte cruel, créé en 2021 au Théâtre du Nord, est repris pour la seconde fois au Théâtre de Nanterre-Amandiers. Christophe Rauck entend ainsi prolonger la vie des pièces:  un geste à la fois éthique, écologique et économique. 

La Fille-Roi, reine des neiges, encagée dans une vitrine où s’amoncellent des flocons, se vit comme une «anomalie ».  Comment être libre et régner ? Comment refuser le mariage quand le pays réclame une descendance et assumer sa passion pour une dame de compagnie? Comment s’émanciper des cauchemars de l’enfance : un père aimé mort à la guerre et une mère en exil ?  

La pièce s’inspire de la vie de la légendaire reine Christine (1626-1689) avec une vision contemporaine des problèmes liés au «genre» et au Pouvoir. Sara Stridsberg se nourrit de l’Histoire, pour créer un personnage aussi complexe que la structure de la neige…  Enfant unique du roi Gustave-Adolphe de Suède, elle a six ans quand elle accède au trône. Elevée comme un garçon, habile cavalière et chasseuse mais aussi fine diplomate et femme de lettres, elle s’entoure de penseurs, dont René Descartes. Mais elle abdiquera en 1654, après dix ans de règne, au profit de son cousin qu’elle refuse d’épouser. Elle quittera la Suède pour de longues pérégrinations à travers l’Europe, avant de s’établir à Rome.

Image finale de la pièce, ce départ : la liberté! Après d’âpres débats avec le Régent : le Pouvoir, et son fiancé: Love, sa dame de compagnie, Belle et le Philosophe, ou encore avec le fantôme sanguinolent de son père… Aux prises à des pulsions contradictoires, l’autrice ne trahit pas sa source historique mais situe cette pièce à une époque indéterminée et brouille les temporalités de la fable.
Christophe Rauck donne vie à ces personnages grâce à une direction d’acteurs minutieuse et une mise en scène au rythme sans faille, malgré quelques longueurs et scènes répétitives. Sarah Strisberg sacrifie parfois au dogmatisme féministe -et c’est dommage- pour rendre justice à ce personnage emblématique du matrimoine et questionner ainsi les rouages du pouvoir masculin.
Marie-Sophie Ferdane, en scène tout au long du spectacle, incarne la Fille-Roi avec énergie et nuances: froide devant ses pairs ou brûlant de passion pour la tyrannique Belle (Carine Goron), fondant d’amour pour sa mère, mutine, jouant aux jeux de la guerre avec le Roi Mort (Thierry Bosc avec une perruque et très en forme)… A la fois enfantine et dame de fer, avec une androgynie féminine, elle évolue très à l’aise d’une humeur à l’autre, dans ou hors le cercueil de verre sur lequel la neige tourbillonne ou s’amoncelle en manteau protecteur. Scénographie d’Alain Lagarde avec des images où la lumière froide du Grand Nord contraste avec des zones plus sombres et plus chaudes. 

Dans ce paysage de contes d’Andersen, le Philosophe, sous les traits d’un Africain frigorifié (Habib Dembélé), inculque à la femme-Roi capricieuse la notion de libre-arbitre et la pousse à le suivre vers les pays chauds. Mais il mourra d’un refroidissement, comme Descartes à Stockholm en 1650. L’exercice du libre-arbitre, quand soufflent des vents contraires, à l’intérieur comme à l’extérieur des personnages, pourrait être le cœur de la pièce. «Une des raisons d’être de ma littérature est de faire naître le paradoxe», dit l’écrivaine suédoise que Christophe Rauck a mis en scène avec bonheur, après La Faculté des rêves en 2019. 

 Mireille Davidovici

 Du 7 au 19 janvier au Théâtre de Nanterre-Amandiers, 7 avenue Pablo Picasso, Nanterre (Hauts-de-Seine). T. : 01 46 14 70 00.

Sierras et Songlines deux créations de chorégraphes italiens avec le Ballet de Lorraine

Sierras et Songlines deux créations de chorégraphes italiens par le Ballet de Lorraine

Petter Jacobsson, directeur du Centre Chorégraphique de Lorraine, propose une danse contemporaine libre de toute école formelle et invite des artistes venus d’horizons variés. Comme Maud Le Pladec dont Static Shot qui connait une belle carrière  (voir Le Théâtre du Blog). La troupe dont nous avions salué les talents, s’engage ici avec énergie dans ces courtes pièces qui se répondent par leur caractère atmosphérique.

 

SIERRAS danses atmosphériques, chorégraphie de Michele Di Stefano, musique de  Lorenzo Bianchi Hoesch

Sur le sol et le fond de scène blancs brutalement éclairés, vingt-quatre interprètes dans une froideur crépusculaire. Musique cristalline. Les corps, avec une étonnante légèreté, évoluent dans un espace mouvant soumis à de constantes variations de lumière, couleur avec des LED passant par toutes les nuances de l’arc-en-ciel et intensité sonore.
Les danseuses et danseurs se dispersent puis se rassemblent, électrons vibrionnant dans un ordre aléatoire et souvent à contrejour. Ils semblent libres de leurs mouvements, en les répétant tout au long de la pièce sur différents tempos et en se les communiquant dans une solitude partagée. A partir de phrases définies et affinées par eux-mêmes, ces artistes articulent leur gestuelle en fonction d’un environnement instable.
La dramaturgie de Sierras repose donc sur un changement continu d’atmosphère, grâce à la création-lumière de Giulia Broggi, en phase avec les nappes sonores répétitives de Lorenzo Bianchi Hoesch. « La prise de décision que je demande aux danseurs et danseuses en temps réel transforme chacune des phrases en motifs d’ordre presque météorologique, dit le chorégraphe, je qualifierai ces danses d’atmosphériques: elles requièrent un état de corps très précis qui dépasse les simples techniques d’improvisation et transforme l’essence même de l’anatomie.»

En trente-trois minutes, on passe d’un paysage hivernal à un fond sous-marin, de la chaleur dorée de l’été, au rougeoiement d’un coucher de soleil… Aux interprètes de broder avec leur propre dynamique, sur la nudité de ces sites sonores et lumineux. Avec une  chorégraphie acérée, Michele Di Stefano met en valeur la personnalité et le style de chacun. Après des études sur le théâtre expressionniste allemand  et une expérience de chanteur dans un groupe de new wave, il a eu envie de mettre en valeur des présences scéniques. Avec sa compagnie de danse contemporaine mk, il explore les états des corps.
Bermudas, une création récente, traitait du mouvement perpétuel. Lauréat du Lion d’argent pour l’innovation en danse, à la Biennale de Venise, il est aujourd’hui artiste associé à la Triennale de Milan.

Songlines chorégraphie de Marco Berrettini musique de Daniel Brandt et Paul Frick

 

Songlines-M.Berrettini-4©LaurentPhilippe

Un sol noir luisant où les corps se réfléchissent comme dans un miroir. Les interprètes s’aventurent portés par une musique disco, en ensemble pastel, bleu, jaune ou rose, façon survêtements chics et en chaussures à paillettes.

On les croirait dans un boîte de nuit, à esquisser des pas et à chercher leur place dans les carrés de lumière. D’étranges mouvements parcourent leurs corps quand ils s’approchent les uns des autres, comme électrisés. Puis ils vont défiler à marche forcée dans un «moonwalk» continu (une rétro-glissade avec un pas glissé vers l’arrière) avant de se laisser aller au sol pour un long temps de repos. Quand ils se relèveront, ils iront à reculons d’une coulisse à l’autre, avec de petits gestes libératoires.

Enfin, après un noir sec, nous les retrouvons de l’autre côté du miroir : derrière la toile du fond qui s’est levée, dans un paysage onirique, sous des baudruches dorées bougeant comme des poissons  dans un aquarium. Des couples se forment à l’avant-scène avant de se figer en plein élan: arrêt sur image. Puis une grosse chenille argentée rampe en crissant dans le silence.
Le chorégraphe joue des contrastes entre mouvements mécaniques et moments de relâchement. Le titre :«chant des pistes» fait référence au livre de l’Anglais Bruce Chatwin consacré aux rapports des Aborigènes d’Australie avec leur territoire. Ces peuples nomades vivent l’espace comme un labyrinthe de sentiers invisibles qui serpentent dans tout le pays et qui les mènent vers le « voie du savoir ». Sur les pas de leurs ancêtres, ils suivent ces pistes de rêve en chantant.

«Je voudrais transposer ici  les questions évoquées par Bruce Chatwin, dit Marco Berrettini : pourquoi l’homme est-il le plus agité et le plus insatisfait des animaux? Pourquoi les errants conçoivent-ils le monde comme parfait, alors que les sédentaires essaient toujours de le changer?» Pour y répondre, il laisse aux danseurs le champ libre pour faire surgir des moments de rêverie, au milieu d’une apparente rigidité.
Le chorégraphe italien né en Allemagne a dansé pour de nombreux chorégraphes en Europe dont Georges Appaix, François Verret et Pina Bausch. En 1986, il a fondé sa compagnie Tanzplantation, renommée ensuite Melk Prod et travaille aujourd’hui en Suisse.
Ici, Il n’utilise pas une grammaire fixe mais cherche à mettre en place des climats ouverts aux actions de ses danseuses et danseurs, vus comme «un organisme doté d’une intelligence propre».  Une fois de plus, le Ballet de Lorraine relève le défi avec une belle cohésion.

Mireille Davidovici

Spectacle vu le 12 novembre, à l’Opéra national de Lorraine, place Stanislas, Nancy (Meurthe-et-Moselle).

Ballet de Lorraine, 3 rue Henri Bazin, Nancy. T. : 03 83 85 69 00.

Saccage, texte et mise en scène de Judith Bernard

 

Saccage, texte et mise en scène de Judith Bernard

Nous avions apprécié ce spectacle original et percutant, interrompu en plein vol par le deuxième confinement. Judith Bernard se penche sur les luttes alternatives, et leur historique résonne encore dans notre actualité. La Manufacture des Abbesses lui accorde une nouvelle chance…

Quel point commun entre la faculté de Vincennes des années soixante-dix, la Z.A.D. (Zone A Défendre) de Notre-Dame-des-Landes, le lointain Rojava au Kurdistan syrien ou les «cabanes du peuple» des Gilets Jaunes? Au moins un : ces enclaves de résistance et d’invention de nouvelles formes de démocratie, ont résisté face au Pouvoir.

Judith Bernard, universitaire et directrice de la compagnie ADA, poursuit son exploration des problématiques liées à la philosophie politique. Bienvenue dans l’angle Alpha interrogeait notre aliénation au salariat. Avec Saccage, elle parle des expérimentations alternatives, tôt ou tard confrontées à l’État de droit. Faut-il s’opposer, se soumettre ou composer avec un Pouvoir qui n’a de cesse de saboter ces initiatives? Les débats qui agitent de toute communauté rebelle, quand elle doit faire face à une politique de saccage, se prête bien à un traitement théâtral.

Sous la plume de la metteuse en scène, les personnages apparaissent face à leurs contradictions, aux moments-clefs où leur enclave est menacée par l’arsenal juridique et répressif des Politiques. Judith Bernard montre la fragilité de «cette brèche infime dans les ténèbres de la propagande », selon l’expression de Virginie Despentes à propos de  Notre-Dame-des Landes. Ici, quatre comédiens pour  de nombreux personnages : professeurs et étudiants de Vincennes mettant en place une Université populaire ouverte à tous ;  Zadistes de Loire-Atlantique défendant une zone naturelle et une agriculture biologique contre le béton d’un futur aéroport ; Kurdes du Rojava luttant contre Daesh et organisés en confédération démocratique selon les thèses d’Abdullah Öcalan. Le fondateur du P.K.K. (Parti de Travailleurs Kurdes) apparaît brièvement pour expliquer son Manifeste, peu connu, pour un Kurdistan unifié et une démocratie directe, écologique et féministe. «Cela passe par la création d’un « homme nouveau », purgé des vices capitalistes et de la mentalité du colonisateur turc. Le vrai Kurde doit s’inspirer de la pureté d’une paysannerie réinventée… »

D’une séquence à l’autre, les acteurs représentent des figures plus que des individus :  Le Cadet, le plus radical du collectif, s’oppose souvent à L’Aîné ayant tendance à composer avec le Pouvoir. La Brune oscille entre deux positions et la Rousse (Judith Bernard ou Pauline Christophe en alternance ) se détache parfois du groupe pour situer ou commenter l’action.  Quelques  accessoires suffisent à figurer les lieux et les époques :  kalachnikov et photos de martyrs nous transportent dans un Kurdistan en guerre ; une paire de lunettes rondes évoque un Jacques Lacan mis en boîte par les gauchistes ; un  tipi en filet de camouflage et une banderole :«Nous ne défendons pas la Nature, nous sommes la Nature qui se défend !» et nous voilà dans le bocage. D’une scène à l’autre, on débat, on argumente, on se dispute…

Mais le joyeux désordre à Vincennes ou à Notre-Dame-des-Landes prendra bientôt fin et, dans l’obscurité des intermèdes, on entend les bulldozers à l’œuvre… Judith Bernard analyse les trois phases du saccage: intimidation, destruction puis normalisation : «Le pouvoir a aussitôt regretté la liberté accordée aux Vincennois. Il n’a pas cessé de tenter d’en restreindre la portée. C’était un bras de fer permanent. Et dès l’été  69, le gouvernement a essayé de rétro-pédaler en faisant adopter des décrets scélérats: entre autres celui par lequel le Ministère de l’Education Nationale voulait en empêcher l’accès aux non-bacheliers. »

Ce théâtre politique n’a rien de didactique et, pendant une heure vingt, on a le plaisir de partager les recherches et les propositions de Judith Bernard. Soigneusement écrit et mis et scène, Saccage, malgré un titre un rien défaitiste, est un hommage à celles et à ceux qui, encore et toujours, s’écartent de la norme pour inventer des voies nouvelles. Il faut les suivre…

 Mireille Davidovici

 jusqu’au 3O novembre, tous les  dimanches à  20 h 30 

Manufacture des Abbesses, 7 rue Véron,  Paris  (XVIII ème) T. : 01 42 33 42 03.

La pièce est publiée aux éditions Libertalia

(V)îvre création collective de Circa Tsuïca,

(V)îvre, création collective de Circa Tsuïca,

Alors que les théâtres rouvrent, le cirque, qui a beaucoup souffert des confinements successifs, va retrouver la piste. Nous avons assisté à la création de ce spectacle au festival d’Auch cette année (voir Le Théâtre du blog) qui sera repris prochainement à l’Espace-Cirque d’Antony qui fait partie du Théâtre Firmin Gémier, actuellement en recontruction. 

La fanfare-cirque du Cheptel Aleïkoum  est un collectif né en 2004 de la quinzième promotion du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne et basé à Saint-Agil (Loir-et-Cher). D’autres artistes, musiciens, compositeurs, scénographes et graphistes l’ont rejoint mais chacun fait ses propres créations, tout en restant lié à la compagnie.

 Thème central de cette dernière pièce: comment vivre ensemble ? Le public devait être convié à partager ce questionnement mais les circonstances en ont décidé autrement… Pour chauffer la salle, les spectateurs, depuis les gradins,  sont invités à reprendre, en chœur, quelques gestes et notes de musique… «Le public est une partie constituante de notre écriture, car le partage avec l’autre est un désir qui nous réunit», disent les artistes et le chapiteau reste le moyen d’être dans la rue, tout en créant un espace chaleureux unique. »

 Douze circassiens/musiciens évoluent sur des vélos d’acrobatie, tout en jouant de leur instrument. Ils tournent en rond ou traversent la piste qui devient alors une rue où se croisent des personnages. Un SDF, un dragueur, quelques coquettes… passent à pied ou virevoltent à bicyclette. Des amoureux s’embrassent, des hommes se bagarrent, tout en faisant nombre d’acrobaties. Un meneur de jeu fait claquer son fouet pour remettre les artistes au pas… qui ont tôt fait de reprendre leur liberté, comme l’oiseau-chanteur qui les accompagne et qui se perche sur leurs têtes,  en sifflotant …

 Si le vélo reste l’outil principal de (V)ivre, il y a aussi quelques jolis numéros de corde et trapèze volant.  Franck Bodin, Guillaume Dutrieux, Olivier Pasquet, Lola Renard, Thomas Reudet, Charlotte Rigaut, Rémi Sciuto, Matthias Penaud, Maxime Mestre, Cécile Berthomier et Anja Eberhart nous communiquent leur joie de vivre dans une ivresse musicale bon enfant. 

Mireille Davidovici

Du 15 au 20 décembre, Théâtre Firmin Gémier, Espace-Cirque d’Antony (Hauts-de-Seine) [e-mail]

Big Sisters, conception et chorégraphie de Théo Mercier et Steven Michel

 

© Erwan Fichou

Big Sisters, conception et chorégraphie de Théo Mercier et Steven Michel

En mars,, à la veille du confinement, nous avons découvert cette chorégraphie à Bonlieu-Scène Nationale d’Annecy où cet artiste et metteur en scène présenta en 2018 sa première pièce avec le danseur Steven Michel: Affordable Solution for better living  (voir Le Théâtre du Blog). Un spectacle qui leur valut le Lion d’Argent à la Biennale de la danse à Venise l’an passé. Cette nouvelle création pour quatre danseuses, qu’on pourrait sous-titrer Couteaux et Coquillages a vu sa tournée interrompue mais est enfin reprogrammée

 « Elles disent la colère, la haine, la révolte. Elles disent enfer, que la terre soit comme un vaste enfer en détruisant en tuant, en portant le feu aux édifices des hommes, aux théâtres, aux assemblées nationales, aux musées, aux bibliothèques aux prisons, aux hôpitaux psychiatriques, aux usines anciennes et modernes… » Des phrases de bruit et de fureur, extraites des Guérillères (1969) de Monique Wittig  et projetées en fond de scène. En même temps, s’installent de paisibles images dans un cône de lumière. Inspirés par ce long poème dramatique, les chorégraphes construisent une fresque féroce: l’épopée de femmes rebelles, déesses déchues, sorcières échevelées, déchaînant leurs pouvoirs occultes trop longtemps bridés .

Une vieille femme aux seins multiples gît, inerte, comme une déesse-mère oubliée. S’éveillant d’un lointain passé, elle nourrit ses sœurs à sa mamelle et leur transmettra sa science enfouie dans les strates du temps. Lors d’une mue impressionnante, elle va, en tenue soldatesque, leur enseigner la force du sexe faible et une danse qui tue. Les trois jeunes filles délaisseront, pour de longs couteaux, leurs rondes virginales et les grands coquillages nacrés qu’elles portent en offrande.. Périlleuses acrobaties, joutes sanglantes, rythmées par les sons étranges du compositeur Pierre Desprats. Eric Soyer a créé de belles découpes de lumière sur le plateau nu et les costumes de Valérie Hellebaut mettent en valeur la féminité des interprètes, comme leurs corps à la garçonne. Elles ont entre vingt-trois et soixante-cinq ans et de l’énergie à revendre.

« Nous dansons, car après tout c’est ce pour quoi nous nous battons : pour que continuent, pour que l’emportent cette vie, ces corps, ces seins, ces ventres, cette odeur de la chair, cette joie, cette liberté», dit Starhawk, une militante éco-féministe américaine à propos des  sorcières dans son essai Rêver l’obscur: Femmes, magie et politique. Une autre référence des chorégraphes qui ont beaucoup lu pour construire Big Sisters.
Une fois encore, Théo Mercier veut interroger les stéréotypes des représentations collectives, notamment en matière de genre. Comme dans Hybrides, le corps en question une exposition présentée au Palacio Bellas Artes de Mexico en  2018 ou Chercher le garçon, au Mac Val de Vitry-sur-Seine en 2015.  Et son complice  Steven Michel lui apporte sa maîtrise du mime, du cirque et des percussions, et surtout la rigueur de sa danse, acquise aux  Performing Arts Research and Training Studios, l’école d’Anne Teresa De Keersmaeker.

Certains passages rigoureusement écrits alternent avec des moments plus libres, issus d’improvisations. Rudesse et souplesse se conjuguent. Ce spectacle, avec des gestes guerriers ou maternels, questionne les regards, fantasmes, projections en jeu dans le représentation du féminin. Se mène ici un combat de libération bien dans l’air du temps. Selon Théo Mercier et Steven Michel : «Big sisters oscille entre bataille sanglante, rituel festif et célébration jouissive de l’énergie vitale, invitant chacun et chacune à prendre conscience de son pouvoir et à le mettre en œuvre.»

Laura Belgrano, Lili Buvat, Marie de Corte et Mimi Wascher, nos grandes sœurs nous donnent l’énergie, le courage de poursuivre des luttes jamais vraiment gagnées. «Elles disent qu’elles ont la force du lion, la haine du tigre, la ruse du renard, la patience du chat, la persévérance du cheval, la ténacité du chacal. Elles disent qu’elles secoueront le monde comme la foudre et le tonnerre… » Ce spectacle troublant, en forme d’ode aux femmes, nous incite aussi à lire ou relire Monique Wittig (1935-2003), une théoricienne et militante féministe française qui déjà abordait la notion de genre…

 Mireille Davidovici

Du  21 au 25 octobre, en co-réalisation avec Nanterre-Amandiers, Centre Georges Pompidou, place Georges Pompidou, Paris IV ème).  T. : 01 44 78 12 33.

Le 18 novembre, La Soufflerie, Rezé (Loire-Atlantique) ; les 26 et 27 novembre, Le Maillon, Théâtre de Strasbourg-Scène européenne, (Bas-Rhin); le 9 février, Maison de la Culture, Amiens (Somme).

Du 3 au 6 mars 2021, Théâtre Vidy-Lausanne, Suisse et le 2 juin, Theater Rotterdam, Pays-Bas.

Les Guérillères de Monique Wittig, Editions de Minuit (2009).

Femme magie et politique de Starhawk, éditions Les Empêcheurs de tourner en rond (2003).

Philippe K. ou la Fille aux cheveux noirs, texte et mise en scène de Julien Villa

© Ph. Lebruman

Philippe K. ou La Fille aux cheveux noirs, texte et mise en scène de Julien Villa 

«Il ne s’agit pas d’adapter une œuvre de Philippe K. Dick, dit l’auteur-metteur en scène. J’ai inventé Philipe K. en me nourrissant pendant un an et demi de cette œuvre gigantesque. » Il s’est plongé dans Loterie solaire, son premier roman, dans Le Maître du haut château et Les Androïdes rêvent-ils de moutons électriques? devenu Blade Runner de Ridley Scott. Soit quelque quarante-quatre romans et une centaine de nouvelles.  Julien Villa a aussi passé deux mois aux États-Unis à peaufiner son scénario avec Vincent Arot  qui joue l’animateur radio dans ce spectacle. Puis le texte a été écrit au plateau à partir des extraits retenus.

 A Berkeley en 1972, à la veille des élections présidentielles, c’est la guerre au Viet nam et le mouvement hippie, Philippe K. apparaît en pleine dépression, obsédé par Richard Nixon. Il est persuadé que le président lui a volé son dernier manuscrit et qu’il hante sa machine à écrire pour lui dicter ses romans. Cloîtré dans sa chambre, bourré de médicaments, il est livré aux psychiatres par Dorothy K. sa «mère carnivore» qui fait des irruptions dans sa tanière. D’autres personnages, fictifs ou réels, vont apparaître comme un ami anglais, des voisins drogués, aussi paranoïaques que lui. Une émission de radio californienne diffuse sa nouvelle L’Imposteur. Une hippie brune s’offre à lui, une “fille aux cheveux noirs“, récurrente dans son œuvre et fantôme de sa sœur jumelle, Jane, qu’il croit avoir tuée à sa naissance… Un figure de la mort qui le hante et qui le fauchera en 1982; il avait cinquante-quatre ans et écrira son dernier livre,  Substance mort, en 1975.

 Qui connaît ce maître de la science-fiction, retrouvera ici un univers où humains et androïdes, imaginaire et réalité se confondent. Philippe K. en avatar de l’écrivain tel qu’il se fantasme dans ses écrits, est ici rêvé par les comédiens. «Il ne s’agit pas seulement d’écrire pour jouer, dit Julien Villa, mais aussi de jouer pour écrire. » Remarquable acteur lui-même, il a dû remplacer au pied levé celui qui était prévu pour le rôle-titre… Autour de lui, les interprètes se fondent dans cette fantasmagorie et s’aventurent de l’autre côté du miroir dans un processus de déréalisation.

La pièce trouve sa cohérence dans un travail collectif et une trame narrative que le metteur en scène a longuement mûrie, en s’inspirant des mises en abyme de livres comme Ubik ou de la nouvelle Souvenirs à vendre, adaptée au cinéma par Paul Verhoeven sous le titre: Total Recall. Les personnages, surgis dans l’appartement et comme venus de mondes parallèles, constituent l’étrange microcosme mental d’un homme engendré par sa propre légende et l’engendrant. Jouant sur l’ambiguïté, avec cette mise en scène très maîtrisée, Julien Villa nous prend par la main, en traçant non un portrait psychologique mais une rêverie théâtrale et poétique. Malgré quelques baisses de rythme, nous sommes constamment surpris et découvrons Noémie Zurletti, en matrone acariâtre et castratrice, Lou Wenzel, excellente en hippie nymphomane, Nicolas Giret-Famin, aux étrangetés d’androïde ou de pin-up bisexuelle. Ils apportent une distance comique salutaire.

Les non-initiés à cette littérature auront envie d’aller plus loin dans cet univers où l’auteur peint, comme celui de Franz Kafka et comme souvent la science-fiction, un capitalisme totalitaire et absurde.  » La réalité n’est qu’une illusion, un simulacre ourdi soit par une minorité pour abuser la majorité, soit par une puissance extérieure pour abuser tout le monde.» écrit Emmanuel Carrère dans Je suis vivant et vous êtes morts, une méditation sur Philippe Kindred Dick. 

 Mireille Davidovici

Jusqu’au 1 er octobre, programmation, au Théâtre de l’Aquarium, du Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, route du Champ de manœuvre. Métro: Château de Vincennes (et ensuite navette gratuite). T.: 01 43 28 36 36.

 

Festival Spot 2020: Killing Robots de Linda Blanchet

 

Festival Spot 2020

Killing Robots conception, écriture et mise en scène de Linda Blanchet

 Septième édition de ce festival consacré aux formes nouvelles…  Le Théâtre Paris-Villette nous accueille dans ses deux salles dont la plus grande qui a été entièrement rénovée. Une dizaine d’équipes artistiques célèbrent ces retrouvailles devant de nombreux spectateurs masqués.

Hitchbot, robot autostoppeur de première génération, créé en 2014 par une équipe d’ingénieurs canadiens de l’Ontario, a accompli son dernier voyage aux Etats-Unis. Après avoir traversé le Canada, fait un tour en Allemagne et aux Pays-Bas, grâce aux automobilistes qui l’ont généreusement pris en charge, il finira «assassiné» à Philadelphie en 2015.

Cette machine,  haute comme un petit garçon,  parle avec une voix synthétique féminine. Un corps frêle surmonté d’une tête en forme de coupole tournante qui envoie des signaux électroniques sympathiques : sourires, clignements d’yeux… Livré au bon vouloir des voyageurs, il taille la route, relié à un satellite par GPS et, pourvu d’un système de reconnaissance vocale, il est capable d’entretenir une conversation banale mais joviale « sans aborder les sujets politiques et religieux ». Il sait aussi jouer du pouce et lever les bras pour arrêter les automobilistes mais il ne marche pas…

 

Qui a tué Hitchbot? La compagnie Hanna R mène l’enquête et retrace ses derniers jours, s’appuyant sur  les documents de l’époque : «J’aime partir d’une enquête, dit Linda Blanchet. C’est comme une aventure, on ne sait pas ce qu’on va y trouver. »

Sur le plateau, l’équipe se montre au travail et s’interroge sur cette fin étrange. On part sur les pas de cette machine pas très sexy : «un seau d’eau en plastique qui parle », comme il se définit lui-même. De nombreux matériaux ont été récoltés: journaux télévisés, articles de presse, témoignages des dernières personnes qui ont pris Hitchbot en auto-stop et enregistrement d’une rencontre avec David Smith et Frauke Zeller, les «parents» de l’humanoïde. Les chercheurs entendaient  «mesurer ce qu’il y a de meilleur en l’homme» : bonté et capacité de prendre soin de son prochain. Ils seront servis! Leur créature, retrouvée démantelée et sans tête, n’aura pas survécu à son voyage aux État-Unis: pour eux, pas de hasard si ce “roboticide“ a eu lieu dans ce pays de violence…

 Une réplique d’Hitchbot fabriquée pour le spectacle, accompagne les quatre interprètes. On observe comment le contact s’établit entre eux et jusqu’à quel point une machine peut être attachante, au-delà de la curiosité pour la technologie. On peut voir sur des écrans les traces de son voyage grâce aux photos qu’il prenait. Étranges images du monde, capturées de manière aléatoire, à hauteur d’enfant: «Elles m’ont donné le sentiment d’être le témoignage objectif d’une machine sur ce qu’est l’humain du XXI ème siècle, dit la metteuse en scène. »

Les comédiens passent imperceptiblement du statut de narrateurs à celui d’interprètes des personnages qui ont rencontré Hitchbot. Mais cela n’est pas toujours très clair… Pas plus que la démarche de Linda Blanchet! Elle voudrait, dit elle, « essayer de mieux comprendre ce qui est humain et qui ne l’est pas.  » Mais si, au début, nous sommes intrigués, ensuite notre attention fléchit. Sans doute une question de rythme et d’huile dans les rouages de la dramaturgie… Mais Killing Robots s’inscrit par son thème et son étrangeté dans la ligne de ce festival.

 Mireille Davidovici

 Spectacle vu le 15 septembre au Théâtre Paris-Villette, 211 avenue Jean Jaurès, Paris (XIX ème).  T. 01 40 03 72 23. Le festival Spot continue jusqu’au 26 septembre.

 

Le Mouffetard, nouvelle saison

 Le Mouffetard, nouvelle saison

Le Rat et le Serpent, © JL Verdier

En ce samedi ensoleillé, Isabelle Bertola, directrice du Théâtre des Arts de la Marionnette, présentait le nouveau programme, tandis que des compagnies jouaient des mini spectacles dans les rues, derrière les devantures de magasins, dans le magnifique jardin du collège des Irlandais ou encore sur la place Georges-Moustaki (indéfectible membre de l’équipe de ping-pong du quartier! ) Soit quarante-huit représentations en deux jours…

Ces scènes en plein air offrent une bonne image des techniques du théâtre d’objets ou de marionnettes pour capter l’imaginaire. Une fois de plus, on a vu la fascination qu’exercent les arts plastiques sur le récit, avec les dessins sur vitrine, le cinéma et les ombres chinoises de Pain Sandwich, une adaptation très libre d’Hansel et Gretel par la compagnie Akselere. Ou les peintures inversées sur les vitres d’un bar, dans Naïades, de la compagnie Agitez le bestiaire: une méditation sur la dissolution, bercée par le bruit de l’eau.  

Le langage était à l’honneur dans le mini-castelet des Ateliers du spectacle : Le Rat et le Serpent  a fait (re)découvrir l »écrivain Jean-Pierre Brisset qui reconstruit Darwin en déconstruisant la langue française, avec une cascade de savoureux calembours. L’art du bruitage, le texte et de petits objets se conjuguaient dans une parodie d’émission radio de la compagnie Elvis Atalac; entre deux publicités impertinentes de coquinerie, une belle adaptation de Petite Neige, un conte terrible de Guy de Maupassant. Le public était massé sur le trottoir : passants figés dans leurs courses ; aux terrasses des cafés, flirts et conversations suspendus.  Tous surpris puis charmés. Ce qui montre bien la vitalité des arts de la marionnette

exposition au Mouffetard : fonds Théâtre aux Mains nues

Prévu à la fin de la saison dernière, le treizième festival Scènes ouvertes à l’insolite  démarre  ces jours-ci,  avec huit compagnies pour seize représentations.  Le Mouffetard, plutôt que de les annuler, a préféré les reporter. On pourra aussi voir un documentaire produit par Le Théâtre aux Mains nues sur le travail de trois  femmes marionnettistes.

Cette compagnie a élaboré cette saison avec Le Mouffetard. Thèmes privilégiés : le vivre ensemble, le regard sur l’autre, la migration seront abordés avec humour, fantaisie et métaphores. Sur des thèmes comme: que peut-on sacrifier de son identité pour s’intégrer ? Que reste-t-il de notre histoire coloniale ? Que nous disent aujourd’hui les jeunes des « quartiers » sur l’environnement  social et le climat? Seront aussi évoquées des situations comme le handicap avec Du Balai, co-produit avec le festival Imago, Art et handicap en Île-de-France. C’est pourquoi certaines représentations seront traduites en langue des signes. L saison privilégie le travail de jeunes artistes, jamais (ou rarement) vus par les programmateurs.

 Les Mardis du Mouffetard mettront en relation artistes et enseignants, psychanalystes, psychothérapeutes, plasticiens, écrivains…  Au Centre de ressources, des ateliers d’initiation à la marionnette permettront d’explorer le mime et la relation entre l’objet scénarisé et des handicapés, notamment avec des stages sur l’écriture, le geste sans le mot, l’art non-figuratif.   Enfin, du 4 mai au 6 juin,, aura lieu la onzième Biennale Internationale des Arts de la Marionnette, (B.I.A.M.), en partenariat avec Le Carreau du Temple, le Centre culturel suisse, La Coopérative  de rue et de cirque, Le Monfort, le Théâtre Dunois et, bien sûr, Le Théâtre aux Mains nues. Et aussi dans une vingtaine de lieux en Île-de-France.

Jean-Louis Verdier

Scènes ouvertes à l’insolite du 15 au 22 septembre au Mouffetard-Théâtre des Arts de la Marionnette, 73 rue Mouffetard, Paris (V ème). T. : 01 84 79 44 44. www.lemouffetard.com

Indispensable ! Uneo uplusi eurstagé dies mise en scène de Gwenaël Morin

Indispensable ! à L’Atelier de Paris 

Atelier de Paris

Indispensable ! ouvre la saison du Centre national de la Danse après l’annulation de  JUNE EVENTS en juin dernier. Pour ces retrouvailles, il propose dix représentations sur les plateaux et dix représentations gratuites dans les jardins,  avec de la danse mais aussi du théâtre et de la musique.

Pour inaugurer la manifestation, un spectacle de Gwenaël Morin que nous avions vu et apprécié en juin ici même.   Mais cette fois-ci en plein air dans son intégralité, de l’aube à midi. Les mêmes comédien(ne)s affronteront les  dieux et le texte de Sophocle.  Pour les lève-tôt, une navette est prévue dès 6 heures du matin depuis le métro Porte de Vincennes. 

Une uplusi eurstagé dies d’après Sophocle mise en scène de de Gwenaël Morin

Mettre en scène dix acteurs de moins de trente ans: une commande passée chaque année par l’A.D.A.M.I. Gwenaël Morin y répond selon son approche personnelle du théâtre: «Le théâtre n’est pas un média, c’est une expérience du monde qui passe par cette chose élémentaire: parler, danser, chanter.» Comme aux acteurs de sa compagnie, il a demandé aux jeunes gens sortis depuis peu d’une école de théâtre mais déjà expérimentés, de revenir à ces fondamentaux et de «se défaire de leur ego ». Cette mise à nu a été pour eux une expérience radicale et porte ses fruits. Ils nous livrent trois pièces d’un heure avec trois morts,  tirées de tragédies de Sophocle: Ajax, Héraklès d’après Les Trachiniennes et Antigone soit: « une ou plusieurs tragédies », si l’on veut bien déchiffrer le titre.

 Dans Ajax, trois comédiens se partagent les rôles principaux comme autrefois chez Sophocle, accompagnés par un chœur de sept personnes sous la conduite d’un choryphée (Sophia Negri). La distribution a été tirée au sort mais avant cet été pour laisser le temps d’apprendre leurs rôles aux comédiens sélectionnés parmi cinq cent cinquante candidats… La logique des entrées et sorties veut que Teddy Bogaert joue Ajax et son frère; Diego Mestanza : Ulysse et l’épouse d’Ajax ; Lola Felouzis, elle, interprète Ménélas, Agamemnon et Athéna. « Je n’aurai jamais eu l’occasion, dit-elle, de jouer ces personnages masculins et j’ai beaucoup appris.» Pour équilibrer la distribution, elle figurera dans le chœur des autres pièces, où chaque choreute d’Ajax interprétera, à son tour, un des protagonistes.

 «Le théâtre qui délivrerait un message est une décadence, dit Gwenaël Morin. » (…) «Je veux transmettre une capacité d’engagement, une détermination, une forme de courage à douter et à faire du théâtre avec ce qui reste, une fois qu’on a tout brûlé.» Et il compte donc sur l’énergie des interprètes et du texte comme pour ses précédents spectacles. Technique éprouvée avec les Molière de Vitez et les pièces de Shakespeare qu’il a montées en rafale, au “théâtre permanent“ du Point du jour, à Lyon, qu’il dirigea de 2013 à 2019 (voir Le Théâtre du Blog).

Ici, la traduction d’Irène Bonnaud va droit au but mais conserve un peu de la poétique grecque à laquelle les comédiens ne s’attardent pas. Ils restent dans l’action et lancent leurs répliques avec vigueur et une diction parfaite. Le chœur, toujours mobile, rythme les différentes séquences, au son d’un tambour et d’une flûte. Sur le plateau nu aucun accessoire, et pas de costumes pour les acteurs: les paroles prennent alors tout leur relief. Dépouillée d’une gestuelle inutile, engagée à jouer seulement ce qui est écrit, sans aucun sous-entendu dramaturgique, la troupe éphémère d’Ajax se montre d’une efficacité rare. On peut apprécier l’énergie de chacun dans ce bel exercice collectif. 

 Mireille Davidovici

A suivre…

Uneo uplusi eurstagé dies les 5 et 6 septembre à 6 heures 30 durée 5 heures 30

 Indispensable ! du 5 au 13 septembre Atelier de Paris, Cartoucherie de Vincennes, rue du Champ de manœuvre, Vincennes (Val-de-Marne). T. 01 41 74 17 07.

Entretien avec Didier Deschamps

 Entretien avec Didier Deschamps

« Il y a plusieurs années il me semblait, dit celui qui dirige Chaillot Théâtre National  de la danse, qu’il se préparait quelque chose de grave pour nos sociétés: marginalisation sociale, montée des nationalismes, replis sur soi de certains pays, nouvelles formes d’exclusion…  Et un désastre écologique s’annonçait. Beaucoup d’artistes sont sensibles à cela, comme Tatiana Julien ou Lia Rodrigues Mais je n’avais pas imaginé que tout se précipiterait avec l’apparition de ce virus.

«Nos choix de société n’ont pas pris en compte les besoins des soignants, l’importance des transports, les lieux de fabrications de nos produits vitaux comme les médicaments. A force de traumatiser la nature, les désastres se sont accumulés et il faut repenser pleinement nos modèles de société.

Nous avions intitulé l’éditorial de notre prochaine saison L’Instant d’avant ! Penser à ce qui se passe avant : sur le plateau, par exemple, et à l’après de cette crise. Tout doit être redéfini sur le plan politique, sociétal et artistique. Il faut le faire avec calme, sans se précipiter sur des solutions faciles d’isolationnisme comme en Hongrie aujourd’hui. Quel monde voulons nous ? Nous avons accumulé des faiblesses qui se sont décuplées à l’arrivée du virus. Nous sommes, face à cette crise, à un niveau d’impréparation phénoménal. »

Pendant le confinement actuel, Chaillot Théâtre national de la danse vous propose de découvrir, sur  son site Chaillot chez vous, des œuvres ou portraits d Ohad Naharin, Trisha Brown, Saburo Teshigawara…  »

Entretien téléphonique réalisé par Jean Couturier

https://theatre-chaillot.fr/fr/chaillotchezvous