Portrait de Ludmilla en Nina Simone, texte et mise en scène de David Lescot

Portrait de Ludmilla en Nina Simone, texte et mise en scène de David Lescot

 

Photo Tristan Jeanne-Valès

«Le temps s’écoule, implacable. Quoi que nous fassions, c’est le temps qui compte et non l’action; quand je chante, c’est un instant de ma vie qui s’écoule, je ne joue pas un rôle, je vis ; chaque moment est différent de celui qui précède ; c’est la même chose pour la musique…», disait Nina Simone.

 Le temps, le tempo, intervient d’entrée de jeu, rythmé au pied par David Lescot qui scande la mesure sans relâche quand Ludmilla Dabo chante Be my Husband. Inaugurant un dialogue entre l’auteur-metteur en scène et la comédienne. En Nina Simone, elle répond à ses questions : un portrait musical, organisé en cinq chapitres, se dessine au fil de la biographie de la grande artiste noire. Ludmilla Dabo a le blues et le swing dans la peau, comme son héroïne qui, dès neuf ans, accompagnait au piano les Gospels dans l’église de sa mère, à Tryon (Caroline du Nord). La jeune pianiste prodige aurait pu devenir une concertiste classique mais elle était noire! Elle portera toujours le deuil de cet échec, malgré sa brillante carrière. Raison de plus pour s’engager auprès de Martin Luther King et de James Baldwin dans la lutte pour les droits civiques.

 « Il y a en elle une double nature : mélancolique et combattive, qu’on retrouve dans sa musique, où perce toujours le blues, même derrière l’engagement des hymnes », écrit  David Lescot. Excellent musicien, il accompagne à la guitare les chansons qui ponctuent le spectacle : Run on Sinnerman dans le pur style gospel, puis My Baby just cares for me, un tube désormais mondial, enregistré avec I Loves you, Porgy tiré de Porgy and Bess, l’opéra de George Gershwin, dans son premier album Little Girl Blue sorti en 1958. Enfin  Mississipi Goddam, une chanson où elle dénonce la violence raciste et qui  fut interdite dans le Sud des Etats-Unis, sans oublier To be Young  Gifted and Black (Être jeune, talentueux et noir), devenu un des hymnes du mouvement Black Pride des années 1970.

 Ludmilla Dabo, comédienne et chanteuse, nourrie au biberon du blues, du jazz, et de la soul, avait, au Conservatoire National, tenté de monter un spectacle sur Nina Simone. Ce que David Lescot ignorait quand il l’engagea  pour ce format de poche, commandé par la Comédie de Caen, dans le cadre d’une série de portraits, créations itinérantes à partir d’œuvres ou de biographies. La comédienne  est proche de son personnage et un chapitre de la pièce parle, en écho à l’engagement de la chanteuse américaine, de l’expérience de Ludmilla Dabo, seule Noire de sa promotion dans cette école supérieure… Le metteur en scène suit ici le même canevas de questions- réponses, que dans les séquences consacrées à Nina Simone. «J’aime les entretiens,  dit l’auteur,  parce qu’on peut y faire passer des histoires, la grande Histoire et la petite, la collective et la personnelle. » Cet insert ouvre ainsi le débat, dans un cadre artistique sur notre ici et maintenant, sur les questions de diversité et de discrimination positive.

 Enfin, après les saluts, les interprètes jouent les rappels, comme au cabaret, sous forme d’un clin d’œil à Molière. Ludmilla Dabo fait swinguer les vers de L’Ecole des Femmes, preuve que le rôle d’Agnès n’est pas réservé aux seules jeunes premières blanches. Une belle surprise de cette rentrée théâtrale…

 Mireille Davidovici

Théâtre de la Ville-Espace Pierre Cardin, 1 avenue Gabriel, Paris VIII ème. T. : 01 42 74 22 27.

Le 11 mai, Théâtre Louis Aragon, Tremblay-en-France (Seine-Saint-Denis) et du 22 au 24 mai, La Filature, Mulhouse (Haut-Rhin).

 

La vie trépidante de Laura Wilson de Jean-Marie Piemme, mise en scène de Jean Boillot

La Vie trépidante de Laura Wilson de Jean-Marie Piemme, mise en scène de Jean Boillot

 

©Arthur Péquin

Après La Vérité, L’Heure du singe, Le Sang des amis, La vie trépidante de Laura Wilson est la quatrième texte du dramaturge belge mis en scène par Jean Boillot. Ecrite il y a neuf ans, la pièce résonnait  de façon prémonitoire des événements politiques et socio-économiques actuels, comme la montée des populismes en Europe. L’auteur raconte ici le parcours d’une femme qui aurait pu être mu par une idéologie réactionnaire mais qui choisit  la liberté  et la raison… « Jean-Marie Piemme, dit le metteur en scène, livre ici un portrait d’une femme de peuple, dans la lignée des Dardenne… Pas de misérabilisme. Au contraire, elle est bien vivante et le prouve, en s’attaquant au cynisme du monde, seule contre tous, grâce à sa volonté de justice et à son extraordinaire énergie vitale. »

Laura Wilson perd son travail. Seule dans une grande ville, sans revenu, elle glisse irréversiblement vers la pauvreté, perd la garde de son enfant, divorce, puis habite dans un studio, vit de solidarités fragiles et petits boulots chez Mac Do ou Marylin. Mais Laura ne se laisse pas fléchir et se bat pour récupérer son enfant, retrouver un emploi, un domicile et sortir de sa solitude : contre l’arrogance des nantis, l’imposture des économistes, le terrorisme intellectuel, le machisme et l’intolérance.

 Jean Boillot voit en Laura une figure restante de la classe populaire mise à mal, une prolétaire de l’ère numérique, de la mondialisation mais aussi de la culture de masse, de l’illusion individualiste sur fond de libéralisme. Laura croit en la justice, envers et contre tout. Comme famille, voisins, collègues restent absents à son appel, l’imaginaire de cette femme blessée grandit à l’ombre des séries et des films hollywoodiens à la télévision, des chansons à la radio, des affiches publicitaires. Mais elle aime aussi aller voir les tableaux du Musée des Beaux-Arts, comme La Chute des anges rebelles de Brueghel. Laura ne chutera, elle, que pour mieux se relever et se tenir droite, investie par les valeurs existentielles d’échange, écoute et respect de l’autre et de soi.

 Sur scène, une équipe masculine de scénaristes voit vivre leur personnage, l’orientent vers les vertiges de la comédie loufoque ou du drame, entre amusement, humour et sourire en coin d’un côté, et cynisme de l’autre. Ils courent  vers le micro sur pied, chantant et vociférant, quand ils accompagnent la colère de Laura rêvant de cogner ce directeur qui licencie son personnel et elle, la femme, sans le moindre état d’âme. Ils jouent à la fois le père, l’ami gay, l’amant ou les narrateurs et commentateurs des idées politiques du temps.

A la guitare électrique, le compositeur-interprète Hervé Rigaud accorde un rythme soutenu à ce petit gang théâtral qui prend plaisir à courir puis à s’arrêter sur le plateau, s’effondrant plus tard sur un coussin, ou filmant sur son portable l’enfant de Laura que nous ne verrons jamais en vrai. Philippe Lardaud, Régis Laroche, Hervé Rigaud sont enthousiastes, et du côté des gagnants quand il s’agit d’habiter un plateau…Vifs, amusés et heureux d’en découdre avec leur partition verbale et gestuelle, ils ne pâlissent pas devant l’énergie de la malicieuse Isabelle Ronayette qui joue Laura, une femme rebelle et libre de notre temps. Un spectacle vivifiant sur la foi en la capacité de liberté portée par une battante…

 Véronique Hotte

Théâtre de La Commune-Centre Dramatique National d’Aubervilliers, 2 rue Edouard Poisson, Aubervilliers (Seine-Saint-Denis),  jusqu’au 18 janvier. T. : 01 48 33 16 16.

Anatole d’Arthur Schnitzler mise en scène de Yannis Vouros

Anatole d’Arthur Schnitzler, traduction de Marios Ploritis, mise en scène de Yannis Vouros

Le célèbre écrivain autrichien (1862-1931) représente la liaison miraculeuse entre médecine et poésie (Sigmund Freud voyait en lui son double). « Schnitzler, dit Heinrich Mann, c’est la vie douce à proximité de la nécessité amère de la mort. Schnitzler, c’est la balance tchekhovienne entre la sensibilité psychologique et la dureté objective. Il brosse des portraits atmosphériques de jeunes Viennois à la fin du XIX ème siècle, d’une façon réaliste et impressionniste, et décrit la décadence post-bourgeoise. »

Le personnage central d’Anatole (1893), en sept épisodes et un épilogue relatant les aventures d’un Casanova avec des femmes, est un alter ego de l’écrivain qui donne à voir  des personnages féminins: mystérieuses, artistes, coquettes, jalouses, frivoles, libertines, fatales, précieuses, fragiles ou invulnérables, des femmes passent dans la vie d’Anatole. Jeunes ou âgées, pauvres ou riches, fameuses ou inconnues, elles sont les protagonistes d’instantanés farcesques, ironiques, sarcastiques ou mélodramatiques. Avec scènes de rupture, dialogues amoureux et moments de volupté. Et dans cette histoire embrouillée, on ne sait jamais qui est le bourreau et qui est la victime car la passion charnelle entraîne les personnages dans les mensonges et les quiproquos. Toujours insatiable et insatisfait, ce Dom Juan cherche une consolation auprès d’amours éphémères, ce qui le conduit à des impasses. Auprès de lui, son ami Max, un « sage philosophe », commente  l’action avec humour et cynisme, en citant des vers ou en faisant des plaisanteries spirituelles.

 Yannis Vouros met en valeur la pièce avec un décor simple mais soigné et de bons costumes. La première scène est une sorte de procès d’Arthur Schnitzler ! Une voix enregistrée (celle d’un juge) pose des questions à l’écrivain et l’accuse d’écrire des pièces immorales et indignes d’être présentées sur scène. Lui, répond du tac au tac, avec un esprit étincelant. Peris Michailidis est ici un Schnitzler exceptionnel, puis devient Max son ami. Avec une voix et une gestuelle remarquables, il  crée à la fois un personnage et commente l’action. Lefteris Vassilakis incarne Anatole avec une expression fervente, tout en insistant sur le style de vie trépidant d’un jeune homme. Julie Souma, elle,  joue sept personnages  avec précision et sensualité.
Un spectacle qui respecte l’esprit du texte: nous pouvons ainsi, quelque cent cinquante ans plus tard, nous poser toujours autant de questions qu’Arthur Schnitzler, sur la fidélité à une liaison et sur la durée de la passion…

Nektarios-Georgios Konstantinidis

Théâtre Alkmini, 8 rue Alkminis, Athènes.  T. : 0030 210-3428651.

Le Fantôme d’Aziyadé, mise en espace de Florient Azoulay et Xavier Gallais, d’après Pierre Loti

 

Le Fantôme d’Aziyadé, adaptation et lecture-mise en espace de Florient Azoulay et Xavier Gallais, d’après  Aziyadé  et Fantôme d’Orient de Pierre Loti

Pierre Loti (pseudonyme de Pierre-Julien Viaud), écrivain et grand voyageur, est à lui seul un personnage de roman. Né à Rochefort (Charente-Maritime) en 1850 et mort en 1923, il a mené simultanément plusieurs vies: marin, dandy, écrivain dont les œuvres sont pour la plupart autobiographiques.  Jeune officier de marine en Turquie, Pierre Loti visite pour la première fois ce pays, porte de l’Orient. Un jour, en marchant, il devine, à travers les barreaux d’une fenêtre,  un visage mystérieux et tombe sous le charme de cette jeune femme dont il ne voit que les yeux : «Les prunelles étaient bien vertes, de cette teinte vert de mer d’autrefois chantée par les poètes d’Orient. » Cette odalisque fascinante s’appelle Aziyadé et, à dix-huit ans, vit cloîtrée dans le harem d’un vieux Turc. Alors que tout les sépare, Pierre Loti et elle vont vivre un amour-passion.

Mais le bateau en mission à Constantinople (aujourd’hui Istanbul) doit regagner la France: «La mission française que je commandais, s’achevait. L’ordre de départ était arrivé comme un coup de foudre.» Peu à peu, l’oubli s’installe et Pierre Loti n’aura plus de nouvelles d’Aziyadé : « Pendant tellement d’années, je n’ai rien su d’elle. » (…) « Le temps est parfois un ami. » Et après cette rencontre des mille et une nuits, déjà lointaine, il est saisi par le désir irrésistible de retrouver son amour. Une lettre enfin d’Aziyadé: «Je ne sais pas, Loti, disait-elle, si tu reviendras. » Dix ans après, l’auteur prend le bateau pour Constantinople, traverse pendant trois jours la ville et ses environs, à la recherche de sa bien-aimée :«Bien étrange, en vérité, cette visite, si courte, si froide. Ce pèlerinage auquel, depuis dix ans, je rêvais… »

Dix ans aussi se sont écoulés entre la publication de son premier roman Aziyadé (1879) et Fantôme d’Orient qu’il écrivit suite à la mort de sa bien-aimée et qu’il lui dédia… Elle apparaît comme une suite ou un morceau du puzzle de la vie de l’écrivain, et une passion réelle mais aussi romanesque. Pierre Loti ne cessera d’être au monde, entre imaginaire poétique, rêve et matérialité de l’existence. «Depuis dix ans que les hasards de mon métier de mer me promènent à tous les bouts du monde, jamais je n’ai pu tenir le solennel serment de retour qu’en partant, j’avais fait à Aziyadé.»

Toute son œuvre littéraire et sa vie sont issues de cette alchimie : «Ce rêve angoissant qui, pendant tant d’années, m’avait poursuivi, ce rêve d’un retour à Istanbul toujours entravé et n’aboutissant jamais, ce rêve ne m’est plus revenu depuis que j’ai accompli ce pèlerinage. Ce rêve était sans doute l’appel du fantôme d’Aziyadé, auquel j’ai répondu et qui ne se renouvelle plus. » : «Dans mon enfance, dit-il, je me souviens d’avoir lu l’histoire d’un fantôme qui venait timidement le soir, appeler de la main, les vivants. » Elle traverse ça et là, le voyage intérieur du héros, de Pierre Loti lui-même, et l’espace.

Ces épisodes (réels et fictifs) marquants de l’existence de ce marin hors normes, avec esprit et sensibilité, mettent en résonance sa personnalité, ses tourments intimes et rêveries avec les thèmes chers à son écriture, à son imaginaire: le temps souvent dévastateur, la mort, l’appel de l’ailleurs mais aussi les trésors de la vie, la Nature, la splendeur des monuments, la richesse des créations humaines.

Il y a ici une tension dramatique indéniable mais la voix de Xavier Gallais avec ses multiples registres donne une poésie, une sincérité à cette écriture romanesque, au départ non-dramatique. De ses gestes et regards, naît ici une théâtralité qui nous capte à tel point qu’on en oublie le dispositif scénique. Sobre et intéressant, il oblige pourtant l’acteur à une acrobatie précise. Sur le plateau nu, un micro et de part et d’autre du comédien assis,  deux ordinateurs portables. Moyens technologiques actuels utilisés pour une mise en lecture mais aussi pour une dramaturgie. Xavier Gallais, tel un magicien ou un chef d’orchestre, a l’agilité d’un funambule.

Nous sommes fascinés par la présence de ce corps, assis, animé par des gestes à peine esquissés, tout en retenue mais très intenses, et envoûté par la musicalité des mots. Et sous le charme quand il évoque couleurs, lumières, parfums et odeurs, bruits de cette ville à la fois féerique et intranquille que laisse jaillir l’écriture simple et si juste, si charnelle et érotique de Pierre Loti. Et que fait danser à merveille la voix du lecteur-comédien. Nous assistons là, à une lecture à la une ligne artistique bien définie, à la fois subtile et théâtrale. On se sent  vite soi-même bien loin, là-bas à Istanbul. Au cœur de ce voyage où tout se défait, l’émotion prend corps et nous envahit. Un moment exceptionnel de profondeur  une écriture  poétique et une histoire mélancolique et merveilleuse.

Elisabeth Naud

Lecture-mise en espace, Théâtre du Temps, 9 rue Morvan, Paris XI ème. T. : 01 43 55 10 88. Le spectacle sera créé au prochain festival d’Avignon.

Le texte est publié aux éditions Les Cygnes.

L’Affaire Jean Zay, adaptation et mise en scène de René Albold

L’Affaire Jean Zay d’après Souvenirs et solitude et Ecrits de prison de Jean Zay, conception, adaptation et mise en scène de René Albold

Un simple lit en fer, et une table avec un ordinateur et deux personnages accompagnés en musique par  Camille Albold. Le 19 juin 1944, sa famille reçoit la dernière lettre de Jean Zay exécuté dans un bois de l’Allier où ses assassins ont  laissé son corps. Ministre exceptionnel de l’Éducation Nationale et des Beaux-Arts de juin 1936 à septembre 1939 dans le gouvernement du Front populaire, il mit en place entre autres: l’Ecole jusqu’ à quatorze ans, les classes d’orientation, les activités dirigées, les enseignements interdisciplinaires, la reconnaissance de l’apprentissage, le sport à l’école,  les œuvres universitaires. Il créa aussi -on l’oublie souvent- le C.N.R.S.,  le Musée des arts et traditions populaires et le musée d’Art moderne, la Réunion des Théâtres lyriques nationaux, le festival de Cannes…

Il s’engagea dès le début de la guerre. Embarqué sur le Massalia le 20 juin 1940 avec le gouvernement provisoire en partance pour le Maroc, Jean Zay tombe dans le piège tendu par Vichy. Renvoyé en métropole, il est arrêté à Casablanca et ses biens confisqués; d’abord emprisonné à Marseille par le régime  de Pétain qui nourrit une haine implacable contre les juifs et la démocratie. Puis le 25 janvier 1941, il sera transféré à la prison de Riom: «La prison nous apprend que nous pouvons nous passer du monde»puis condamné après un simulacre de procès, à la déportation et à la dégradation militaire pour « désertion en présence de l’ennemi « . Des prisonniers meurent de froid. Lui s’exerce à tuer le temps avec des programmes rigoureux de gymnastique. De 7 à 8 h: culture physique; de 8 à 9h : promenade, de 11 à 12 h : étude.

Le 4 octobre 1940, son  procès ou plutôt un simulacre, a lieu à Clermont-Ferrand.  Il survivra cent jours à son exécution: «Ce n’est qu’en prison qu’on comprend Proust! » Jean Zay, symbole du Front populaire, est  victime d’un procès politique  et condamné à une peine qui n’avait plus été prononcée depuis Dreyfus. Vichy se venge sur ceux qu’il tient pour responsables de la défaite.  En prison, Jean Zay entretient une correspondance quasi quotidienne avec sa femme Madeleine. Et il écrit Souvenirs et solitude sur sa condition de prisonnier et L’Affaire Jean Zay où il démonte les arguments de ses accusateurs.

« Nous voulons faire entendre ce récit, dit René Albold, parce que nous croyons en sa force de témoignage et à la dimension émotionnelle que peut prendre cette écriture dans l’espace théâtral. Cette pensée d’un homme dans sa solitude, redevenue parole vivante, pourrait bien nous aider à structurer notre pensée contemporaine. » Sa mise en scène dépouillée nous fait vivre avec intensité les dernières heures de ce grand homme politique, amoureux de la France libre que fut Jean Zay et témoigne de son intégrité et de sa foi dans la justice et la liberté intellectuelle qui constituaient un acte de résistance à la dictature du gouvernement vichyste…

Edith Rappoport

Théâtre de l’Epée de Bois, route du Champ de manœuvre, Cartoucherie de Vincennes (Val-de-Marne), jusqu’au 19 janvier.

*Samedi 12 janvier après la représentation de 16h, entretien avec Hélène Zay-Mouchard, fille de Jean Zay.

Adieu Pierre Barillet

Adieu Pierre Barillet

 

Pierre Barillet et Jean-Pierre Grédy, les auteurs de « Folle Amanda » posent avec l’actrice Jacqueline Maillan | AFP

Ce dramaturge avait quatre-vingt quinze ans. Il commença à vingt-deux ans seulement à écrire une pièce, Les Héritiers aussitôt interprétée à la Radiodiffusion française, puis des adaptations radiophoniques de romans. Cinq ans plus tard, il s’associe avec son copain de fac Jean-Pierre Grédy pour Le Don d’Adèle. Bingo: cette petite pièce sera jouée (c’était en 1959, un autre espace-temps du théâtre parisien, inimaginable aujourd’hui!) plus de mille fois de suite!

Ils seront les auteurs d’un genre: la comédie divertissante de boulevard mais avec des recettes très au point: une intrigue souvent facile mais bien bâtie et jamais vulgaire tournant autour du couple et de la famille sur fond comique, avec des personnages bien définis mais assez stéréotypés. Et servie par des vedettes comme entre autres, Sophie Desmarets ou Jacqueline Maillan. Se succèderont ainsi pendant une trentaine d’années, des pièces que l’on trouve maintenant parfois longuettes mais qui ne manquent pas d’intérêt comme Fleur de cactus, Quarante carats,  Lily et Lily, L’Or la Paille… le plus souvent mises en scène par Jacques Charon ou Pierre Mondy. Dont certaines seront ensuite montées à Broadway avec -excusez du peu- Julie Harris ou Lauren Bacall!, et ensuite adaptée par des cinéastes américains! Ce qui, à l’époque, avait de quoi rendre jaloux nombre de leurs confrères de l’hexagone, même régulièrement joués!

C’est un univers théâtral qui paraît presque moyenâgeux aux jeunes gens d’aujourd’hui mais qui intéresse encore des metteurs en scène comme  Michel Fau  avec Fleur de cactus  qu’il monta il y a trois ans (voir Le Théâtre du blog), ou Jeanne Herry qui mit en scène avec beaucoup d’intelligence et de finesse au Théâtre du Rond-Point, L’Or et la Paille (voir aussi pour ces réalisations: Le Théâtre du Blog), ou encore François Ozon qui adapta Potiche au cinéma. Et les pièces très populaires des fidèles complices ont été souvent jouées en direct dans l’émission très populaire Au Théâtre ce soir. Dans les années 1980, Pierre Barillet a aussi collaboré pour la télévision, à la série en quatre épisodes Condorcet. Lui et Jean-Pierre Grédy (quatre-vingt dix-huit ans) font désormais partie qu’on le veuille ou non, de l’histoire du théâtre du XX ème siècle avec un exemple assez rare de collaboration d’écriture théâtrale à deux auteurs, bref, déjà une sorte de « collectif », comme on dirait maintenant…

Philippe du Vignal

 

 

L’Absence de guerre de David Hare, mise en scène d’Aurélie Van Den Daele

L’Absence de guerre de David Hare, traduction de Dominique Hollier, mise en scène d’Aurélie Van Den Daele

C’est la guerre, comme l’annonce le prologue du spectacle : musique violente, vociférations et agitation hystérique des comédiens, dans une lumière bleutée, sur fond sonore agressif. Un panneau lumineux affiche: WAR ! Ce 11 novembre, une cérémonie célèbre la Grande guerre et la mémoire de ses morts. On brandit l’Union Jack, grand drapeau, symbole d’une nation conquérante. Une horloge électronique marque le compte à rebours. La caméra, omniprésente, relaye en gros plans, pour les mettre en exergue, discours et propos des personnages. Déroulé sur l’écran,  un générique présente les personnages du drame.

Nous voici, après ce long préambule, dans les coulisses d’une campagne électorale: au Q.G. de Georges Jones, leader du parti travailliste qui, en première ligne et au plus haut dans les sondages, doit  conquérir le pouvoir. Viennent les préparatifs et son équipe définit une stratégie de communication, un plan d’attaque contre les Conservateurs. L’efficacité doit l’emporter sur l’idéologie. A la veille de la bataille décisive, les doutes assaillent le leader (à l’instar de Richard lll sous sa tente).  Dans l’ombre de son cabinet fantôme, son futur Ministre des finances tarde à le soutenir et semble attendre son heure. Va-t-il trahir son camarade ? Rafales de sondages, débats sur la démocratie, engueulades sur les clivages droite/gauche et luttes intestines s’enchaînent…

Georges est pugnace mais trop spontané, trop maladroit, trop naïf parfois et… il ne sort pas d’Oxbridge. Son éloquence est muselée par les technocrates de la politique qui l’entourent. Il y a ce qu’il faut dire et ce qu’il faut taire, lui enseigne-t-on : «Dire la vérité tout simplement, ce serait magnifique… Mais les mots n’ont pas seulement un sens, ils ont aussi un effet.» Un entretien télévisé conduit par une journaliste tueuse, signe son arrêt de mort. Et plus dure sera la chute…

Aurélie Van Den Daele a préféré à un docu-fiction, une mise en abyme baroque : «Un travail visuel et thématique inspiré de pièces de Shakespeare». Au-delà du texte, elle procède par inserts : «Des cuts pour plonger dans une autre réalité, dans un autre temps, ou dans la tête de Georges Jones.» Ces séquences sont filmées en amont, mais  surtout captées en direct, en dehors du plateau ou sur scène.  Cette option produit une esthétique cohérente :  la scénographe Chloé Dumas joue astucieusement sur la profondeur de l’espace, et la hauteur, sur un écran où s’affichent les moments hors-champ de la pièce et le titre des chapitres de ce feuilleton politique. 

Après un début difficile qui s’attarde avec lourdeur sur la bataille annoncée (un bon quart d’heure d’inutile mise en jambes!), avec un matraquage visuel et sonore grandiloquent, le théâtre finit par arriver quand on entend la pièce qui, une fois décapée, s’inscrit dans le droit fil de l’art de la politique propre à la dramaturgie anglaise, depuis William Shakespeare abondamment cité par David Hare. Son héros, faute d’avoir fréquenté les grandes universités, aime le théâtre. Il connaît et cite ses classiques, jusqu’à Molière.

L’Absence de guerre (1993) fait partie d’une trilogie sur le Parti travailliste, écrite  après Racing Demon (1990) et Murmuring Judges (1991). L’auteur a suivi la campagne électorale de Neil Kinnock, leader de la gauche britannique au début des années 1990 et il a pu voir comment, pour conquérir le pouvoir, les dirigeants ont renoncé aux idéaux socialistes. Malcolm Pryce, ministre des finances du cabinet fantôme et traître de service, rappelle Tony Blair que le dramaturge évoquera plus tard dans Stuff Happens (2004) et dans The vertical Hour (2006), notamment pour le rôle qu’il joua dans la guerre en Irak. Le conservateur Charles Kendrick, ennemi politique désigné, semble en fait moins dangereux que les Machiavel du camp de George Jones…

Cette absence de guerre s’avère en fait, pour une génération qui ne l’a pas connue, un combat impitoyable. Et le public français retrouvera ici ses hommes politiques et, au sein du socialisme, l’affrontement habituel entre utopie et réalisme cynique. Sidney Ali Mehelleb incarne avec finesse un Georges Jones nerveux dont le tonus cache des failles intimes. Grégory Corre, en traître inquiétant, lui donne la réplique dans une belle scène où les frères ennemis s’affrontent, filmés en direct dans un souterrain. En fait, dans un couloir du théâtre. Émilie Cazenave est plus convaincante en communicante, qu’en vieille militante travailliste, et Julie Le Lagadec  offre une belle caricature de journaliste aux dents longues. Les neuf acteurs, dont quelques-uns interprètent plusieurs personnages, excellent dans le jeu en direct comme devant la  caméra de Julien Dubuc qui les saisit au plus près, sur plateau et dans les coulisses.  Une fois passé le premier quart d’heure, on ne regrettera pas ce voyage jusqu’à la Cartoucherie.

Mireille Davidovici

Jusqu’au 3 février, Théâtre de l’Aquarium, Cartoucherie de Vincennes, route du Champ de manœuvre,  Vincennes (Val-de-Marne). T. 01 43 74 99 61.

Le 21 mars, La Faïencerie, Creil (Oise).
Les 2 et 3 avril, Théâtre des Îlets, Montluçon (Allier) ; le 5 avril, Fontenay-en-scènes, Centre culturel de Fontenay-sous-Bois (Val-de-Marne) et du 9  au 12 avril, Théâtre de la Croix-Rousse, Lyon (Rhône) .

 

Les Etats Généraux des écrivaines et écrivains de théâtre

 

Les Etats Généraux des écrivaines et écrivains de théâtre (EGEET) janvier-juillet 2019

«Nous, écrivaines et écrivains de théâtre (…) refusons de nous laisser enfermer dans les spéculations sur la disparition des auteurs. Lançons une vaste réflexion sur la place des écritures dramatiques dans notre société, dans les théâtres, dans l’éducation, la transmission, le débat démocratique ». Ce mouvement est né en 2018, en réaction à un article publié par le quotidien Libération : A-t-on encore besoin d’auteurs ? Ce 7 janvier, devenu une association forte de quelque deux cents  signataires, il lance des Etats Généraux au Théâtre de la Colline, à Paris. Accueillis et encouragés par Wajdi Mouawad avec une citation de Giorgio Colli (l’éditeur de Friedrich Nietzsche) : « l’’État ne peut accroître sa puissance sans les moyens de la culture. »

 Il existe un hiatus entre la floraison des écritures de théâtre et leur représentation  comme leur présence dans les lieux culturels. Pour les observateurs de longue date, comme Michel Simonot, cela n’a pas changé depuis le rapport de Michel Vinaver Des mille maux dont souffre l’édition théâtrale et des trente sept remèdes pour l’en soulager, édité par Actes Sud en 1987. Quelques médecines ont été efficaces: multiplication des maisons d’édition de théâtre, mis en place de comités de lecture, récompenses,  actions en milieu scolaire, rayons théâtre des bibliothèques, lectures scéniques et autres mises en espace, sans compter les aides à l’écriture, résidences… Et l’ouverture de lieux consacrés aux nouvelles dramaturgies. Malgré tout, cette littérature reste confidentielle et les créations fondées sur des textes d’auteurs contemporains vivent dans une économie fragile. Nombre de pièces restent ainsi dans les tiroirs ou sur les rayons des librairies. On adapte beaucoup de romans, de films voire de bandes dessinées sur nos scènes, et les collectifs de comédiens produisent eux- mêmes leur propres scénarios.

Qu’est-ce qui bloque? s’interrogent  autrices et auteurs. Pourquoi une pièce de théâtre n’est-elle pas reconnue, étudiée, transmise pour sa valeur littéraire? Pourquoi n’y a-t-il pas de dramaturges-écrivains dans la plupart des théâtres, et au programme des écoles. Pourquoi omet-on de les citer dans les articles de journaux, sur les affiches ? Pourquoi sont-ils encore moins traduits et joués à l’étranger. Ne sont-ils pas export ready  comme on le dirait d’une marchandise, ironise Luc Tartar. Et pour les  autrices,  c’est encore pire selon le rapport du Haut Conseil à l’Egalité  (voir Le Théâtre du blog) : 21 % sur l’ensemble des pièces jouées  trouvent le chemin des planches et seulement 12 % reçoivent prix et distinctions !

A toutes ces questions, neuf commissions vont apporter une réponse et surtout des propositions. Présentées en détail et avec humour tout au long de la soirée par un comité de pilotage d’une vingtaine de personnes, agrémentées de réflexions bien senties d’auteurs, elles aborderont tous les sujets y compris des points concrets comme le statut juridique des écrivain.e.s, leur formation, leur rémunération en résidence, pour des actions culturelles tous terrains. Une charte sera rédigée ainsi que d’autres documents. Convaincus de la cohérence et du bien-fondé de ces Etats Généraux, de nombreux participants se sont inscrits. Les travaux auront lieu tout au long de l’année et seront restitués en juillet à la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon avant de donner lieu à un publication. En attendant, on pourra en suivre les avancées sur Facebook.

Mireille Davidovici

Le 7 janvier, Théâtre de la Colline, 15 rue Malte-Brun, Paris  XX ème.  T. 01 44 62 52 52

Du 11 au 13 juillet, Centre national des écritures du spectacle Chartreuse de Villeneuve-lez- Avignon (Gard).  T. 04 90 15 24 24

facebook.com/egeetheatre

Cock de Mike Bartlett, mise en scène de Minos Théocharis

Cock de Mike Bartlett, traduction de Katerina Evangelatou, mise en scène de Minos Theocharis

À trente quatre ans, Mike Bartlett est un des jeunes dramaturges anglais les plus doués: Bull, Contractions, Love, love, love, et Mon Enfant.  En résidence au Royal Court Theatre en 2007 puis au National Theatre en 2011, il est auteur associé à la compagnie Paines Plough. Il écrit pour le théâtre, la radio, la télévision et le cinéma. Cock reçoit un Olivier Award et  Love, love, love a reçu le prix de la meilleure pièce contemporaine aux Theatre Award.
Ecrite en 2008 et créée au Royal Court Theatre de Londres, Cock, une comédie amère, traite de l’orientation sexuelle et des troubles provoqués dans un couple homosexuel avec l’apparition d’une femme. John vit depuis sept ans avec son conjoint qui le traite parfois comme un incapable, ou le fait suffoquer dans une relation où chacun ignore les vrais besoins de l’autre. Et la communication va être difficile dans ce couple en crise: John a  en effet rencontré une femme dont il est tombé amoureux. Une première fois pour lui! Et il n’est pas sûr de ses sentiments. Cette expérience le fait réfléchir. Qui est-il? Homo ou hétérosexuel? Une remise en cause à travers l’exploration de ses fantasmes les mieux enfouis, avec mensonges et jeux de pouvoir. Son compagnon revendique alors sa place dans la vie de John et invite cette femme pour un dîner… qui va finir en véritable bataille.

La situation devient plus complexe, quand arrive le père du compagnon de John. Invité aussi au dîner, il soutient la liaison de son fils avec John, tout en exposant ses arguments sur la sexualité et les problèmes auxquels les gens peuvent faire face au long de leur vie. John doit prendre une décision: suivre cette femme et créer avec elle une famille et avoir des enfants. Ou rester avec son compagnon et vivre avec lui comme avant. John se demande s’il est bisexuel mais chaque fois les réponses ne sont pas satisfaisantes, ou son ami le manipule. Il ne sait plus alors quel chemin prendre et se force à rester en couple pour conserver sa sécurité. Malgré une relation usée…

Katerina Evangelatou a trouvé des équivalences pour traduire les expressions argotiques, avec un texte clair pour le public grec. Minos Théocharis  crée une mise en scène autour d’un décor simple avec juste, en fond de scène  une tapisserie.  Et le spectateur imagine tout ce que la parole expose. Rythme rapide, répliques souvent inachevées et chorégraphie renforçant le burlesque de la pièce. Les comédiens soulignent les situations avec une gestualité proche du jeu de marionnettes, et avec ironie. Ilias Moulas (John) exprime l’angoisse et le manque de confiance en lui de ce personnage complexe. Dimitris Makalias (le compagnon de John) a un comportement hystérique avec voix de crécelle et gestes efféminés. Fotini Athéridou, elle, joue avec rigueur et brio, La Femme, devenue ici pomme de discorde. Alexandros Kalpakidis (Le Père) développe une dialectique entre raison et sentiments pour sauver la situation et assurer le bonheur de son fils.
Un spectacle amusant, mais qui sait aussi être profond et émouvant: de quoi alimenter les discussions pour la soirée!  
      
Nektarios-Georgios Konstantinidis

Théâtre Athinwn, 10 rue Voukourestiou, Athènes. T. : 0030 210 33 12 343.

Ma chanson de Roland d’Ariane Dubillard,mise en scène de Michel Bruzat

 

Ma chanson de Roland d’Ariane Dubillard, texte des chansons de Roland Dubillard, à l’accordéon: Sébastien Debard, mise en scène de Michel Bruzat

 

©Franck Roncière

Comme le titre ironique l’insinue, Ariane est la fille de Roland Dubillard (1923-2011)  qui, après des études de philo, a écrit nombre de poèmes mais aussi  des sketches pour Inter comme Grégoire et Amédée à partir de 1953 avec un grand succès auprès des auditeurs. Et cela deviendra un spectacle de cabaret. Sketches réunis en 76 par son auteur dans les très fameux Diablogues  que jouèrent ensuite et entre autres Jacques Gamblin et François Morel puis Muriel Robin et Annie Grégorio. En 1949, il écrit aussi des pièces une première version de Où boivent les vaches, créée en 1972 , Si Camille me voyait, une opérette sans musique et Naïves Hirondelles, 1961. Puis Le Jardin aux betteraves, Les Crabes.
Ariane est née de son union avec Nicole Ladmiral, actrice (1930-1958). En 1975, son père épousera la comédienne allemande Maria Machado qui jouera dans plusieurs de ses pièces avec lui. Il a aussi été acteur au cinéma avec Jean-Pierre Mocky (La Grande Lessive) et Patrice Leconte. Suite à un AVC, il deviendra hémiplégique en 1987.

Ariane Dubillard raconte sa vie, et quelle vie! Et bien entendu, mais plus discrètement celle de son père tant aimé. Et ce texte, d’une remarquable écriture, possède une vérité humaine et une belle intelligence. Depuis que sa mère s’était jetée à vingt-huit ans sous une rame de métro, son père l’avait remplacée: “A la maison c’est toi, baba qui me donnes le bain, me bordes, me mets mon bavoir, me donnes le biberon, la bouillie. Un an. Nous habitons à la clinique de Chailles dans le Loir-et-Cher, un grand château où tu travailles comme psychothérapeute-moniteur de théâtre. » Tu m’habilles tous les jours en salopette. Deux ans. J’entre dans ta chambre, tu viens d’apprendre au téléphone que Nicole, Maman, ne reviendra plus. Plus jamais.”

Son papa s’installe à Paris, avenue d’Italie, et Ariane ira souvent de grand-mère en mamie, et cela vous forge le caractère: “Chez Grand-mère, les enfants parlent à table, mangent avec les doigts, bonbons, gros mots obligatoires, coucher 23 heures. (…)  Chez Mamie, tu t’assieds sur un tabouret, en face de moi. Tu me regardes manger mais je reste concentrée, à cause des couverts et je vois bien que tu me dévores des yeux mais je ne peux pas te parler en articulant sans le son ici les enfants ne parlent pas à table. Répéter en voix soufflée ici les enfants ne parlent pas à table ! Chez Mamie- coucher-19h30, je n’ai pas sommeil. Jamais. »

 Ensuite, son père revient à Paris avec la petite Ariane  et une jeune femme Malène qui travaillait avec lui. » Elle a six ans. « Ta vie professionnelle démarre. La mienne aussi. Théâtre de Poche pour toi, École obligatoire pour moi, 75 rue d’Alésia. “Puis la vie devient plus cahotante quant son père habite maintenant avec Arlette, « qui est très vieille- -trente huit ans ! -et boit beaucoup». Et elle ira donc vivre alternativement en pension chez ses grand-mères avec l’école à mi-chemin, « c’est pratique et réglé comme du papier à musique, quatre nuits chez Grand-mère deux nuits chez Mamie une nuit chez Grand-mère, trois nuits chez Mamie. Cinq nuits chez Grand-mère, deux nuits chez Mamie, trois nuits chez Grand-mère, deux nuits chez Mamie. »
A dix ans Ariane doit subir une opération  de la jambe et reste dans le plâtre tout l’hiver. Contente d’habiter chez Grand- mère-coucher-23 heures »Encore enfant, elle se fait une raison et comme elle le dit cinquante ans plus tard avec un sacré humour et autant d’émotion palpable : «Quand je dors chez Mamie, je la mets dans mon cœur avec Papa. C’est plus sûr. Y a de la place et puis le mien, il n’est pas fragile. »

Ariane a grandi avec ce père adoré, mais à quinze ans, elle quitte son XIV ème et ses grands-mères. Elle habite maintenant chez Maria Machado, la nouvelle femme de son père, « une comédienne allemande très belle, et toi, rue du Bac : Littré 5302, le lycée est tout près. »De temps à autre, accompagnée à l’accordéon par Sébastien Debard, elle interprète, et très bien, une chanson poétique de Roland Dubillard : « J’avais des sourires qui m’feraient mourir si je les r’ voyais si je les r’ souriais j’avais des grand’s fleurs pour mes grand’s frayeurs qu’ n’avais-je ? Aujourd’hui j’ n’ai plus Rien, tout est fondu comme neige comme neige ».

 Avec toujours très proches: son père d’abord mais aussi sa mamie, la mère de sa maman, sa pauvre  mamie Ladmiral qui n’arrive pas à faire le deuil de sa fille et qui se voit bientôt proche de la mort… qu’Ariane apprendra un matin de Maria en pleurs, comme son père. Mais la jeune fille qu’elle est devenue a besoin d’indépendance; elle apprend le chinois et s’envole pour Hong Kong, travailler et retrouver son amoureux. Mais elle garde des liens très forts avec ce papa si loin, et si près d’elle par les lettres qu’ils échangent. « Tes lettres. Nos lettres. Partir pour m’éloigner, pour grandir, et puis n’aimer que ça, t’écrire des lettres. »Et après neuf mois à l’Alliance Française, elle revient à Paris. Elle loge chez une copine, puis emménage à Belleville dans une vraie maison de trois étages avec un petit jardin, qu’un ami lui prête à condition d’en assurer la garde.
Puis viendra le brutal AVC de son père dont elle parle avec une grande pudeur. Mais quelque vingt-cinq ans après, on sent que cela lui fait encore mal. «Notre solitude au milieu des autres a un espace à elle que rien ne dérange. Je n’ai encore jamais fait ça de te chanter à l’oreille un de tes poèmes. »

On écoute, fasciné, Ariane Dubillard raconter sa vie si riche, avec toujours comme en filigrane, celle de son père. Avec une grande présence mais aussi une belle palette de sentiments, et ce qui devient rare, une excellente diction. Bien dirigée par Michel Bruzat qui a créé ce spectacle dans son théâtre la Passerelle à Limoges en octobre dernier. Au chapitre des bémols, une robe maronnasse vraiment très laide, quelques petites longueurs sur la fin et une musique un peu trop forte à l’accordéon quand elle chante. Mais sinon quel bonheur! A une époque où les solos envahissent les plateaux, cette Chanson de Roland est une exception. Si vous le pouvez, ne la ratez pas.

Philippe du Vignal

Théâtre des Déchargeurs, 3 rue des Déchargeurs, Paris III ème, uniquement les lundis jusqu’au 4 février, et du 28 mai au 14 juin.