Soubresaut, mise en scène et scénographie de François Tanguy

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© Brigitte Enguerand

 

Soubresaut, mise en scène et scénographie de François Tanguy – Festival d’Automne à Paris

 

Ce nouveau poème théâtral de François Tanguy et du Théâtre du Radeau, rêve vivant transitoire  qui embarque le spectateur pour fouler un espace inouï entre ciel et terre, depuis les hauteurs obscures d’une planche de bois en équilibre, un toboggan où l’on glisse jusqu’à atteindre la ligne horizontale de tables de cantine rassemblées furtivement, avant leur désassemblage programmé.Rien n’est donné une fois pour toutes: tout bouge ou tremble, à la manière d’une photographie argentique un peu passée. On pourrait  évoquer les tableaux de maîtres d’où les sujets animés sortiraient de leur cadre pour s’offrir une vie à l’extérieur.

Le public assiste fasciné à la composition de fresques successives enrichies qui s’accomplissent à vue, de la même façon qu’elles se décomposent ou déstructurent.Tout ici est inconstant, les êtres, seuls, les générations, les époques et les lieux encore.

Restent en échos ou rappels des œuvres d’art dans leur siècle,  des récitatifs vocaux issus de de Franz Kafka, Ovide, Dante, Giordano Bruno, Eugène Labiche, Peter Weiss, Kierkegaard…, portés par un petit peuple d’acteurs qui s’amuse à surgir soudain puis à s’évanouir. Ombres, pénombres, entre distinction et obscurité, tout se mêle. Nous semblons conviés à la Foire à la Brocante et aux Jambons de Châtou, non loin du Théâtre Nanterre-Amandiers. Tout bouge, se déplace et se transforme : cadres de portes, ouvertures de fenêtres, panneaux de bois que l’on fait glisser dans le silence, les lumières éclairent au loin un couloir ou bien le retiennent dans la nuit.

Magasin des antiquités, objets hétéroclites, casques de chevalier façon Don Quichotte et vêtures anciennes, collerettes blanches et jupons à panier, robes de velours, bouquets de fleurs printanières et tête de sanglier.

Dans le lointain et en surélévation, une silhouette semble tenir au-dessus de soi un parasol immense à fond rouge, tableau indien avec éléphant en perspective. Accumulations, encombrements, désordre et obstacles à franchir et non plus à contourner, la vie se donne – généreuse – dans sa brutalité instinctive et changeante.Les bribes et élans de musique se succèdent: Bach, Haendel, Kagel ou Rossini…Les langues s’entrechoquent, comme les siècles: le matériau du Radeau est tissé de mémoire et de passé dont on aurait adouci l’infinie mélancolie…

Onirisme et imaginaire, ombres et spectres, présence des comédiens, la loi est celle du songe libre et de ses matières fuyantes et tenaces, palpables et évanescentes. Se déploie ici le temps ineffable et poétique de ce théâtre que l’on porte tous en soi dans les bruissements à peine perceptibles de ces soubresauts qui font la vie pleine.

Véronique Hotte

 

CDN – Nanterre-Amandiers avec le Festival d’Automne à Paris, du 22 septembre au 8 octobre. Tél : 01 46 14 70 00/ 01 53 45 17 17

 

CDN Caen – Festival Les Boréales, du 28 au 30 novembre (ou février 2018)

Théâtre du Beauvaisis à Beauvais, deux représentations (dates en cours)

La Fonderie- Le Mans, du 4 au 22 décembre.

Théâtre National de Strasbourg, 10 représentations, janvier 2018.


Archive de l'auteur

Red, un spectacle documentaire du Living Dance studio

 

Red, un spectacle documentaire du Living Dance studio, chorégraphie de Wen Hui

86dd4a3f9d23d0a495e5eba1b311667104e2f36333db857481693e7d1de3d1753b075756Belle surprise que cet ovni  arrivé au festival d’Automne, avec quatre danseuses chinoises de générations différentes. Un voyage dans la mémoire d’un opéra de propagande de la République Populaire de Chine, Le Détachement féminin rouge.

Ce ballet, représentant officiel de la Révolution culturelle, a été dansé à la fois  dans les théâtres des villes mais aussi sur les aires de battage des villages, et diffusé par sous forme d’un film, projeté à travers tout le Chine. Avec quelques 3.800 représentations de 1963 à 2014! Tout le monde a en tête, ces ballerines héroïques sur pointes sachant manier les armes. «Quand les hommes voyaient la pièce ou le film, ce n’est certainement pas à la révolution culturelle qu’ils pensaient, mais plutôt à l’esthétique du corps de ces danseuses», dit un témoin de l’époque.

Le spectacle de Wen Hui comporte des témoignages d’anciens artistes, projetés sur un écran en fond de scène, en même temps que des pages du cahier technique la pièce. Témoignages alternant avec une évocation dansée de quelques gestes chorégraphiques de la création. S’y ajoutent d’autres plus contemporains : sauts, arabesques ou roulades au sol. L’écran de toile souple, flanqué d’un superbe rideau rouge, se prête à un jeu subtil d’interactions entre danseuses et images projetées. Elles s’enfoncent dans ses plis, ou s’en enveloppent comme d’un costume de scène protecteur.

«A notre âge, la seule chose qui nous reste, ce sont nos souvenirs»,  dit une danseuse filmée devant sa propre photo en 1970. Aujourd’hui ces anciens artistes animent des groupes de danse collective que l’on croise souvent dans les villes chinoises. Un émouvant aller retour entre passé et présent, malgré quelques longueurs…

Jean Couturier

Le spectacle a été joué au Théâtre des Abbesses rue des Abbesses, Paris XIXème jusqu’au 30 septembre.
www.theatredelaville-paris.com

 

Peur(s)de Jalila Baccar et Fadhel Jaïbi

 

Peur(s)de Jalila Baccar et Fadhel Jaïbi, mise en scène de Fadhel Jaïbi

 

©Ahmed Meslamani

©Ahmed Meslamani

Un vent de tempête souffle dans la salle; sur le plateau, flotte une brume légère. Des femmes et hommes, en tenue de scouts, entrent, chahutés par lune bourrasque.

Ils ont perdu l’un des leurs; eux-mêmes perdus au milieu du désert tournent en rond dans la tourmente et leurs pas les ramènent toujours au même endroit.  Il y un hôpital désaffecté, emplis de squelettes… De ces aventuriers, nous saurons peu de chose. Partis insouciants du pire,  ils doivent maintenant y faire face. Au sein du groupe, des personnages émergent. Deux chefs, vite débordés par les événements, et une anthropologie narratrice qui tient son journal de bord, apporte ainsi, par son récit et ses réflexions une certaine distance dans ce chaos. Des personnes se faufilent dans les ruines à la recherche d’une issue… Reviendront-ils ? La révolte gronde contre les chefs…

Tout vient à manquer : eau, nourriture, et la peur s’insinue dans le groupe, prisonnier des sables et du froid. Reste la parole, un peu de poésie et d’humour. Mais les vieux démons se réveillent chez ces naufragés rendus à la vie sauvage. Une paranoïa collective les dresse les uns contre les autres, individu contre individu, clan contre clan. La solidarité s’effondre. On se bat pour un quignon de pain ou une goutte d’eau. « Je suis tombé dans un trou. Qui sommes nous, où allons nous ? » dit l’un d’eux. Sur ce ”radeau de la Méduse“, métaphore d’une société en crise, inventeront-ils de nouveaux repères ou crèveront-ils les uns après les autres ?

 La pièce, d’une noirceur extrême, se termine sur cette interrogation. Le jeu des acteurs qui poussent à bout leurs émotions sous l’effet de la panique, laisse éclater la cruauté et la brutalité des uns envers les autres. Une troupe que l’on avait déjà appréciée dans la création précédente de Djalilla Baccar et Fadhel Jaïbi. Avec Peurs, ces figures majeurs du théâtre tunisien ouvrent le deuxième volet d’une trilogie ancrée dans la réalité de leur pays. Violence(s) (voir Le Théâtre du Blog) fait état des exactions quotidiennes qui gangrènent la société, faute de cohésion. Ici, c’est un projet collectif ( l’expédition du groupe) qui vole en éclats faute de solidarité devant un état de crise. Basé sur des improvisations collectives, le spectacle, mis en écriture par Djalila Baccar, peine parfois à trouver son rythme, et, comme les protagonistes, à émerger d’une certaine confusion. Les individualités se dessinent peu à peu de cette gangue complexe. Mais, comme il s’agit d’une avant-première, on peut espérer que la pièce trouvera sa forme définitive en cours d’exploitation, prochainement en Tunisie.

 Avec une fin ouverte, Jalila Baccar, entend laisser place à l’espoir. Selon elle, la Tunisie, pour l’instant, a du mal à sortir d’une grave crise économique, mère de tous les maux. Les individus seront-ils condamnés à agir comme cette chatte rencontrée dans le désert qui dévore ses chatons? «Je lui ai demandé pourquoi. Elle a répondu ” : Les temps sont imprévisibles, j’ai peur qu’il leur arrive malheur, que le serpent les dévore.” » Ou bien réussiront-ils à refonder les règles nécessaires à leur survie sociale:  «1. Etablir une pacte d’honneur/ 2. Ne pas désespérer / 3. Partager» ?

L’avenir nous le dira. De lui dépend aussi la forme du troisième volet, auquel réfléchissent déjà les deux artistes dont les créations sont aujourd’hui produites par le Théâtre National Tunisien que dirige, depuis juillet 2014, Fadhel Jaïbi; il y a fondé l’École de l’Acteur et le Jeune Théâtre National. (voir Le Théâtre du Blog : Festival de Carthage 2016)

 Mireille Davidovici

La création du spectacle a eu lieu le 30 septembre, au Théâtre de l’Union à Limoges dans le cadre des Francophonies en Limousin 2017

 À partir du 6 octobre, au Théâtre National Tunisien 58 place Halfaouine Tunis T. : +216 71 565 693

 

 

Conférence des choses

©Christophe Pean

©Christophe Pean

Conférence des choses de François Gremaud et Pierre Mifsud, conception de François Gremaud

Cela se passe dans la Salle d’honneur de la mairie d’Eymoutiers, inaugurée en 1997 après un incendie. Depuis 1629, cet austère bâtiment abritait la congrégation des Ursulines, avant de devenir un collège après la Révolution.
D’où la rue de Ursulines dans ce bourg limousin qui mène aux locaux municipaux. Autre odonyme (nom propre désignant un lieu) : la place Victor-Hugo, à Besançon, ville natale du poète. Ce que nous apprend Pierre Misfud au début de sa prestation, après être entré avec son sac à dos, avoir salué l’audience, et remonté son minuteur. Sa conférence dure cinquante-trois minutes trente-trois secondes, annonce -t-il.

De Bizontin à bison, de bison à Buffallo Bill, de Buffallo Bill à Sitting Bull, du western à l’arc, de l’arc au loup, pour finir par une fable de Jean de La Fontaine… Le comédien enchaîne les informations. Sautant du coq à l’âne, il entraîne le public, prompt à participer, dans une déambulation ludique en zig-zag au cœur d’un savoir encyclopédique de bric et de broc, glané sur Wikipedia. Pour construire cette performance, Pierre Mifsud et François Gremaud ont navigué de lien en lien sur cette encyclopédie collaborative en ligne, s’aventurant sur les vastes étendues de savoir qu’elle recouvre et ses digressions…

Dès que la sonnerie finale retentit, le comédien s’interrompt. Pour connaître la suite, il faudra se rendre à une prochaine représentation. Les Francophonies en Limousin proposent sept séances dans divers lieux, de châteaux en bibliothèques, suivant la politique de décentralisation dans la région. La compagnie suisse 2bcompany a mis sur pied huit heures de conférence, présentées en un ou plusieurs épisode(s) : « Nous avons minutieusement recopié nos circulations ”brutes“ puis avons sélectionné (…) certaines dates ou certaines informations-tantôt pour leur caractère didactique, tantôt pour leur caractère incongru.(…), explique le metteur en scène. A partir de cette structure, nous avons inclus de nouveaux développements, au fil de nos lectures et de nos improvisations…»

Sur ce canevas, Pierre Mifsud va broder, en fonction du lieu, aussi, dont l’histoire et les éléments de décor fournissent autant de points d’appui à partager avec le public. Ce soir-là, les tableaux qui ornent la salle offrent des balises idéales. Si les repérages sont primordiaux en amont du spectacle, la réactivité de l’assistance fait le reste car Pierre Mifsud, formidable improvisateur, garde une marge, sollicite les spectateurs et s’adapte à leurs réponses.

Un comédien face à un public, dans un espace et un temps donné, sans effet, sans éclairage, avec, pour seule arme, le langage. Voilà qui pourrait être une adaptation contemporaine du Bouvard et Pécuchet de Flaubert : la déambulation hasardeuse et cocasse à travers le savoir encyclopédique qu’effectue Pierre Mifsud se révèle pleinement «idiote», à la fois selon la définition étymologique du mot (simple, particulière, unique) et sa définition commune :dépourvue de raison. La matière de sa conférence semble ainsi révéler l’insignifiance du savoir, sa grandeur et sa vacuité. Mais la navigation erratique à travers ce magma de connaissances est un voyage partagé où conférencier et public se grisent de mots.

«  Ce n’est pas tant la matière traversée qui importe, mais le fait qu’un homme la trouve suffisamment prodigieuse pour se proposer de la traverser, à la manière de l’ivrogne – une des figures possible de l’idiot – décrit dans Le Réel, traité de l’idiotie, par le philosophe Clément Rosset qui a inspiré le spectacle : ”L’ivrogne est [...] hébété par la présence sous ses yeux d’une chose singulière et unique qu’il montre de l’index, tout en prenant l’entourage à témoin, et bientôt à partie, si celui-ci se rebiffe” ».

 On retrouvera prochainement les divagations de ce joyeux drille, en Suisse et ailleurs notamment en novembre à Paris, au Théâtre du Rond-Point où on pourra aussi assister à une séance intégrale de huit heures.

 Mireille Davidovici

 Spectacle vu à Eymoutiers (Limousin ) le 23 septembre, dans le cadre des Francophonies en Limousin 2017

 Et du 17au 22 octobre – Festival des Arts de Bordeaux ; du  13 au 19 novembre PerformanceProcess / Musée Tinguely – Bâle (CH) ,

du 21 novembre au 31 décembre: Théâtre du Rond-Point à Paris, Festival Vivat La Danse Le Vivat – Armentières; 6au 9 février – La Passerelle – Gap , le 16 février – La Grange - Le Locle (CH): le 17 février – Arbanel - Treyvaux (CH), 20-21 février - Théâtre de Poche - Bienne (CH), 22 février – Le Pommier - Neuchâtel (CH), 2-3 mars – Théâtre Jean-Marais - Sains-Fons, 6-10 mars – Théâtre de Chelles – Chelles, 16-22 mars – Tournée dans le Calvados (ODACC), 27 mars – Musée d’Ethnographie -  Neuchâtel (CH), 7 avril – Théâtre Denis - Hyères , 10 avril – Espace 1789 – Saint-Ouen (FR) les 17, 18, 22, 23, 26, 27, 28 avril – Le Reflet – Vevey (CH)19 mai – Le Familistère à Guise les 22 et 23 mai – La Passerelle – St-Brieuc 8 juin 2018 – TBA; et du  20au 24 juin – Nouveau Théâtre de Montreuil - Montreuil

 

 

 


Bouvard et Pécuchet, adaptation et mise en scène de Jérôme Deschamps

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Bouvard et Pécuchet de Gustave Flaubert, adapté et mis en scène par Jérôme Deschamps

 Les deux plus illustres gratte-papier de la littérature française ont donné à Jérôme Deschamps le scénario de son nouveau spectacle. Soit des petits-bourgeois comme on n’en fait plus, mais comme il en pullule aujourd’hui, tel (ce n’est pas dans le spectacle) le touriste qui se plaint que le site choisi soit plein de touristes; ils se rencontrent, se reconnaissent (et pour cause : deux variantes du même), et vont chercher le paradis à la campagne, « dans la nature ». Grâce à un héritage, quand même : pour eux, le travail   » aller au charbon », figuré sur scène par le geste du marteau-piqueur) est une malédiction, contrairement aux activités et loisirs, eux, passionnés et frénétiques et, qui sait, porteurs du «gros lot » et de la gloire finale.

Jérôme Deschamps les a fait plus méchants et grossiers que chez Flaubert qui les voulait submergés par les idées reçues et l’injonction à tout connaître, tout tenter, en précurseurs du « développement personnel », de l’écologie pour tous et autres mouvements de pensée réduits ici à un manuel de poche. Flaubert, lui, ne dénonce rien du tout, fasciné par la bêtise et sa profondeur insondable.

Bon, ici il ne s’agit pas de Flaubert, mais d’un spectacle. Des clowns noirs, qu’on appellera B. et P. à partir du moment où ils s’éloignent de leurs modèles, ou Double Patte et Patachon, ou encore Jérôme Deschamps et Micha Lescot, témoignent devant nous de leur méthode par essais et erreurs. Lucas Hérault et Pauline Tricot ont pour tâche, eux, de jouer les paysans voisins de B. et P. ; ils sont leur principe de réalité, l’aiguille qui crève la baudruche. La gestuelle en caoutchouc étirable de Micha Lescot et Pauline Tricot est aussi remarquable que l’impassibilité mécanique de Lucas Hérault, et la bonhommie répétitive de Jérôme Deschamps. Le décor, qui se veut plutôt moche, est parfait. Gags à répétition réglés avec une précision d’horlogerie : on reconnaît bien la patte Deschamps. Merci pour le plaisir du travail bien fait: on peut sans aucun doute reconnaître au spectacle l’once de tendresse qu’il revendique.

Et tout ça, pour quoi ? L’ordre alphabétique place Deschamps avant Flaubert, à l’inverse de la hiérarchie. Donc, le premier laisse un peu de place au second, mais il étale ses propres blagues : marseillaises, scatologiques et autres. Ça fait rire, mais c’est soit le rire gras, et on en a honte, soit le rire “accompagnateur“, quand on apprécie par exemple les performances des comédiens,  ou encore les deux en même temps pour les épisodes les plus lourds (brassage de purin humain : on est dans la merde ! paysans animalisés…). D’où un malaise : froncer le nez, c’est être « coincé », péché impardonnable. Issue : rire de B. et P. qui, eux-même, rient des paysans: c’est se tirer les mains propres d’un jeu de massacre à deux étages. “Non, mais je rigole “, dit l’humoriste à celui qu’il blesse. Pas de danger que ça nous arrive : nous spectateurs sommes du bon côté de l’ironie et de la caricature ? Mais, au bout d’un moment, on rit moins.

Finalement, on se demande  de quoi ce Bouvard et Pécuchet est-il le nom ? De tous ces livres qu’on n’a pas lus, et qui circulent comme des idées reçues : voir Clochemerle, de l’oublié Gabriel Chevallier. Conclusion : lisons.

Christine Friedel

Théâtre de la Ville à l’Espace Cardin, 1 avenue Gabriel Paris VIII ème, jusqu’au 10 octobre. T. :01 42 74 22 77

 

 

La Pomme dans le noir

©Christophe Raynaud de Lage

©Christophe Raynaud de Lage

La Pomme dans le noir, d’après Le Bâtisseur de ruines de Clarice Lispector, traduction de Violante Do Canto  adaptation et  mise en scène de Marie-Christine Soma

 Christy Mahon du Baladin du monde occidental (1907) de J.M. Synge arrive dans un village irlandais. En fuite, il claironne  qu’il a tué son père, de l’autre, avec Le Bâtisseur de ruines (1961). Et chez Clarice Lispector, Martin, en fuite pour le meurtre-similaire-de sa femme, mais lui le tait, et raconte son voyage initiatique, de la grande ville jusqu’à l’exploitation rurale d’une campagne brésilienne perdue, et sa révélation existentielle à travers la rencontre de deux femmes.

S’exerce alors la fascination pour le crime, qu’il soit révélé ou bien caché,  même si le meurtrier du Bâtisseur de ruines s’abandonne,  à l’expérience fondatrice de la saisie de soi. Sur le plateau, un homme à tout faire et deux femmes dans la ferme. L’auteur a un regard  sur le héros sans admiration, mais sans mépris ni volonté morale d’exclure le mal, l’innocence ou la culpabilité. En échange, s’impose la valeur d’une vie davantage ressentie. A travers une écriture sensible et attentive aux émotions de l’énigme d’être au monde, entre silences et interrogations.

« Cette histoire commence au cours d’une nuit de mars, obscure comme l’est la nuit quand on dort »,  dit Clarice Lispector dont l’écriture est proche de celle de Virginia Woolf, James Joyce ou Katherine Mansfield, et elle privilégie le monologue intérieur d’un être en crise, et avec une discontinuité narrative de celui qui s’observe : fragments de vie et sensations inconstantes. Entre l’angoisse douloureuse et l’illumination heureuse, Martin cherche à préserver  sa solitude mais désire aussi  parler avec l’autre : dire «non» revient même à dire «oui», ce qui est déjà contenu dans la négation…

Marie-Christine Soma, qui a mis en scène en 2010 Les Vagues de Virginia Woolf, rend à la lumière les sinuosités du soliloque intérieur de La Pomme dans le noir, et sait créer des scènes éloquentes et significatives, en  jonglant avec les non-dits, les implicites, les silences, et les états d’âme qui durent. L’errance de Martin dans le désert brésilien avant qu’il échoue dans une ferme isolée dont il découvre l’étrange propriétaire Victoria, accompagnée de la jeune veuve Ermelinda. Il va adapter ses pas à une méditation rétrospective sur le crime commis.

L’arrivée du narrateur et locuteur depuis les hauteurs de la salle est comme retardée : le public entend une voix d’abord dans la nuit profonde du théâtre, et depuis l’arrière des gradins, Pierre-François Garel surgit dans la lumière, descendant sur le plateau au rythme heurté de ses doutes et de ses peurs.  Il incarne l’ouvrier agricole payé par le gîte et le couvert, travaillant durement : construction d’un puits, d’un chemin; il extrait à la pelle la terre  aidé dans ses travaux de force par le gardien observateur et taiseux, (Carlo Brandt) à la belle voix grave.

La scénographie de Mathieu Lorry-Dupuy, chaleur, sécheresse, parois de bois, ferraille et gouttes de pluie sonores, révèle une sensualité terrienne. Un paysage d’intérieur/extérieur à la fois lointain et proche, indécidable et ordinaire, pleinement habité par les acteurs dont Mélodie Richard (une jeune séductrice légère et inquiète), au jeu équivoque entre naïveté et calcul et Dominique Reymond ( la propriétaire agricole méfiante) : une énigme féminine fascinante avec voix posée, dignité du maintien, autorité naturelle et grâce.

Véronique Hotte

MC 93 – Maison de la culture de Seine-Saint-Denis Bobigny, du 20 septembre au 8 octobre. T : 01 41 60 72 72

MC2 : Grenoble, du 11 au 13 octobre. Théâtre Olympia –Centre Dramatique National de Tours, du 17 au 21 octobre.

Le texte est édité dans la collection L’Imaginaire – Gallimard.

 

La Pitié dangereuse de Stefan Zweig

Gianmarco Bresadola

©Gianmarco Bresadola

 

La Pitié dangereuse de Stefan Zweig, mise en scène et adaptation de Simon McBurney

 Attaché à la culture d’Europe centrale, Stefan Zweig (1881-1942), bourgeois viennois juif et  pacifiste opposé à la première Guerre mondiale, est horrifié par le nouveau conflit qui se profile à partir des années 1930, l’arrivée des nazis au pouvoir signifiant pour ce citoyen du monde la mort de la civilisation européenne. Zweig fuit l’Autriche pour l’Angleterre dès 1934, part pour New-York en 1940 puis s’enfuit au Brésil en 1941.

 La Pitié dangereuse (1936-1938), le seul roman, récit psychologique, qu’ait écrit le célèbre nouvelliste, est une confession où l’intendant Hofmiller, le héros-narrateur, raconte une expérience amère, à travers un cheminement mémoriel à rebours. Avec   une lucidité âpre, il traque les agissements dont il se sait coupable, afin de s’en délivrer.

Or, reste gravé à vie dans la conscience tout ce qu’on aurait voulu forcément oublier.Proche de Sigmund Freud, Stefan Zweig porte dans ses écrits une attention particulière au cheminement mental de ses personnages. Lieutenant en uniforme de l’armée hasbourgeoise, soumis au code de l’honneur militaire, Hofmiller se révèledit Jacques Le Rider « un faible qui cède à la jouissance du sentiment de « pitié » que lui inspire une jeune fille infirme, et un lâche qui renie les engagements qu’il a contractés, causant le suicide de la malheureuse qu’il a fuie après s’être fiancé avec elle. Ses camarades de garnison n’auront de cesse de le couvrir de leurs sarcasmes.

La pitié, sentiment altruiste qui porte à éprouver une émotion pénible au spectacle des souffrances d’autrui et à souhaiter qu’elles soient soulagées, se révèle un attendrissement équivoque qui aurait plutôt à voir avec une inclination perverse. Face à la paralytique, cet officier éprouve une fascination inavouable, entre sentiment idéalisé et désir dévoyé. Et dans ce monde étriqué, les êtres ne sont pas ceux qu’on croit : Edith Kekesfalva ne dévoile pas son infirmité en cachant d’abord ses béquilles, et son père fortuné, le châtelain Kekesfalva est d’une origine juive misérable, selon le médecin Condor. L’auteur associe l’infirmité filiale à la judéité honteuse du père.

La mise en scène de Simon McBurney, mouvementée, bruyante et furieuse pour retracer  ces temps obscurs de 1913, l’esprit d’une bourgade militaire et de son château. A la fin, la monarchie hasbourgeoise sombrera dans la Première Guerre mondiale. Pour imposer cette cacophonie, chaos des êtres et des espaces, existences en déshérence, les comédiens de la Schaubühne de Berlin: Robert Beyer, Marie Burchard, Johannes Flaschberger, Christoph Gawenda, Moritz Gottwald, Laurenz Laufenberg, Eva Meckbach interprètent à vue et au son dans un bel amusement, les différents personnages du roman, s’échangeant les rôles, les doublant et les redoublant dans le vertige étrange d’une mise en abyme.

Le narrateur invite le  public à le suivre dans son aventure sur la scène tandis qu’un autre acteur incarne son propre personnage plus jeune sur le plateau, et les deux figures d’un même personnage peuvent se frôler et se croiser, mêlant les temps de l’action – un passé si proche qu’il relève absolument de ce présent inouï. Autour des deux protagonistes en miroir, les autres comédiens, interprètes des dames du château comme des soldats de garnison, du médecin et du châtelain, esquissent une chorégraphie savante, mimant les tempêtes qui les font tous plier.

Dans des mouvements d’ensemble dansés, ils semblent pousser de toutes leurs forces des tables à roulettes qui pourraient être des brancards des hôpitaux de guerre, et un imaginaire des tranchées à venir, entre bruits sourds de coups de canon et des images vidéo qui donnent à voir l’anéantissement noir et blanc des arbres calcinés.Entre la vitrine muséale d’habit militaire et les chariots mobiles, toute stabilité semble perdue, sinon l’horreur existentielle du vide.

L’emballement des actions et la perte de contrôle des esprits égarés se manifeste dans une sobriété calculée avec  tout un travail délicat sur l’ombre, et un rayonnement lumineux spectaculaire.

Véronique Hotte

Théâtre Les Gémeaux à Sceaux, dans le cadre des saisons hors-les-murs du Théâtre de la Ville, du 14 au 24 septembre à 20h45, dimanche 17h, relâche lundi.

La Maison Maria Casarès

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La Maison Maria Casarès

 

images« Maria Casarès, comme vous le savez, a eu une carrière exceptionnelle. Son enfance fut assez tragique. Elle était la fille du Premier ministre de la jeune république espagnole.(…). Avec sa famille, elle dut s’enfuir. L’exil, donc. La France. Paris. Très vite, le théâtre. (…) Un jour, c’était vers la fin de la guerre, quelqu’un lui présenta un auteur de théâtre jeune et séduisant. (…). Elle fut engagée pour jouer dans sa première pièce qui s’appelait Le Malentendu. Elle y fut très intense, vibrante,(…) . Albert Camus tomba sous le charme.
Elle joua aussi à la création, des Justes. Et puis dans État de siège quelque temps plus tard. Il l’adorait toujours.(…). Et puis un jour, Camus est mort. Dans un accident de voiture. Pour Maria, ce fut un évènement terrible. Elle commença à dépérir (…) Quelques amis ont alors eu l’idée de lui faire acheter une maison. »

 Ainsi commence Les Fantômes d’Alloue, conte imaginé par Rémi de Vos pour accompagner une visite théâtralisée dans le domaine de La Vergne, lors du premier festival d’été de la Maison Maria Casarès. Cinq hectares de prés et d’îles au bord de la Charente. Une grande maison flanquée de tours, des communs qui délimitent une vaste cour intérieure ombragée. Située au cœur de la Charente limousine, à équidistance de Poitiers, Angoulême et Limoges, le lieu tient son nom des vergnes, c’est-à-dire des aulnes, le long de la nonchalante rivière.

 « La maison de Maria Casarès, poursuit Rémi de Vos, c’est ça : un puissant antidote au chagrin, à la douleur d’aimer, à la perte irrémédiable. Parfois, dans la maison, on entend des bruits étranges. On sent une présence. Là-haut, dans la bibliothèque, il y a des livres d’Albert Camus. Certains sont dédicacés. (…) . »Selon le conte, d’autres fantômes peupleraient les lieux : Jean-Paul Sartre, Paul Claudel et Jean Genet « qui ne se fréquentaient pas de leur vivant, et s’ignorent tout autant fantômes. Et comme Maria est ici, ils sont bien obligés de venir ! (…). Le dernier auteur qui hante parfois ces murs s’appelle Bernard-Marie Koltès(…). Bernard-Marie Koltès avait vu Maria Casarès jouer Médée quand il était jeune et sa vie en avait été transformée. (…) C’est elle qui lui avait inoculé la passion du théâtre à vingt ans et là, des années plus tard, elle créait une de ses pièces sous la direction de Patrice Chéreau. Pas mal ! Il vient pour Maria qui le retrouve dans ce théâtre qu’elle n’a pas connu. »

 Aujourd’hui  un théâtre a été créé dans l’ancienne grange, ainsi que des logements pour accueillir de jeunes équipes de création. Quand Maria Casarès, sans héritiers, fit don de La Vergne, à la commune d’Alloue, bourg de cinq cents habitants, pour « remercier la France d’avoir été une terre d’asile  », le maire, en toute logique, chercha conseil auprès de la Maison Jean Vilar, à Avignon, étant donné le long compagnonnage de la comédienne avec le Théâtre National Populaire. Ainsi naquit et prit corps, impulsée par sa directrice Véronique Charrier et son président François Marthouret, un centre de résidence et de création la Maison des Comédiens Maria Casarès …

 Depuis janvier 2017, Mathieu Roy et Johanna Silberstein, fondateurs de la compagnie du Veilleur à Poitiers, se partagent la direction du lieu avec des projets plein les cartons. « Quatre axes de développement, explique Johanna Silberstein : théâtral, agricole, pédagogique et numérique, afin d’ouvrir la maison vers l’extérieur, et de favoriser les rencontres entre les acteurs de ces différents domaines culturels  »

 L’axe théâtral se décline en saisons : au printemps des équipes de jeunes créateurs choisies par un jury répètent leur spectacle pendant un mois et le montrent à l’issue de cette résidence. A l’automne, ils reviennent, présenter des maquettes aux “Rencontres jeunes pousses“, devant un public local et des professionnels. Cette première année, après un appel à projet, les dossiers de soixante-quinze candidats, sortis des écoles nationales ou privées depuis moins de cinq ans, ont été examinés par les jurés, et quatre ont été retenus. Les équipes bénéficient ensuite d’un accompagnement artistique et administratif, pour la diffusion de leur spectacle.

En été un festival, « pour sortir du laboratoire et ouvrir sur le territoire », permet au public de la région, Charentais et vacanciers, de découvrir ce lieu de mémoire tout en assistant à des spectacles. Il a été inauguré cette année avec trois productions issues du répertoire de la compagnie du Veilleur, exploitées pendant un bon mois. Mille cinq cents entrées. Johanna Silberstein n’exclut pas d’inviter bientôt d’autres compagnies.

L’axe agricole en gestation verra la mise en place des expériences de permaculture sur le domaine, avec des associations de paysans et des lycées agricoles. La plantation d’un « jardin remarquable » est à l’étude. L’axe pédagogique se met en place: d’ores et déjà, des élèves visitent le domaine, et la maison est associée à l’université de Poitiers. Culture et agriculture, ces deux domaines d’enseignement font ici bon ménage. Un travail de mémoire est aussi entamé : un groupe d’architectes urbanistes et paysagistes va établir l’inventaire du bâtiment, du mobilier et du paysage, afin d’étudier comment la mémoire de Maria Casarès cohabite et se prolonge avec les projets futurs

 Le quatrième axe, encore en jachère, se situe dans le domaine du numérique, en association notamment avec le pôle d’images animées d’Angoulême. Il s’agirait d’accueillir de jeunes artistes, en lien ou pas avec de projets théâtraux, la création numérique étant de plus en plus présente sur nos scènes, de manière pas toujours bien maîtrisée .

 Avec cet ambitieux programme, Mathieu Roy, metteur en scène et Johanna Silberstein, comédienne et enseignante, à la tête d’une toute petite équipe, visent à créer un site polyculturel ouvert au public au rythme des saisons, pour s’inscrire dans une action territoriale, grâce au rayonnement qu’offre la grande région Nouvelle Aquitaine. A ce titre, l’Office artistique région Nouvelle Aquitaine (OARA) y installe une antenne poitevine. La maison Maria Casarès veut aussi s’ouvrir à l’international car elle bénéficie de deux labels : elle s’inscrit dans le réseau des Centres culturels de rencontre ( comme par exemple la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon) et celui des Maisons des illustres ( à l’instar de la Maison Jean Vilar). On y accueille des écrivains dans le cadre de d’échanges internationaux : cette année un réalisateur syrien, l’an prochain un dramaturge iranien…

Productions artistiques, agricoles, enseignement, échanges et transmission, ainsi le jeune et généreux binôme envisage-il les divers productions de La Casa Casarès.

 Mireille Davidovici

 Propos recueillis pendant les rencontres jeunes pousses du 18 septembre, auprès de Johanna Silberstein.

 Maison Maria Casarès, Domaine de la Vergne 16490 Alloue. T. 05 45 31 81 22 www.mmcasares.fr

 

Tarkovski, le corps du poète

 

Tarkovski, le corps du poète, texte original de Julien Gaillard, extraits de textes de Antoine de Baecque et Andreï Tarkovski, mise en scène, montage de textes et scénographie de Simon Delétang

 

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©Jean-Louis Fernandez

 La démarche est poétique, hors de l’unité dramatique conventionnelle et s’accomplit dans la contemplation faite de dévoilements patients et mystérieux.

 Simon Delétang dresse ici  le portrait en fragments et le paysage mosaïque d’un poète visionnaire. Petite table et verre d’eau, une conférencière évoque l’acte de foi et d’orgueil de ce maître solitaire qui ne supporte pas la moindre trahison intérieure et milite pour la vérité : « Pourquoi une cruche de lait explose-t-elle dans Le Sacrifice ? Que fait un chien dans La Zone de Stalker ? Comment un cheval blanc traverse-t-il l’écran dans Solaris ou Nosthalgia ?, selon les commentaires avertis d’Antoine de Baecque.

 Pauline Panassenko, qui parle un beau russe tonique, accorde toute l’intensité, la conviction et l’énergie attendues de la part de l’artiste génial. Puis résonnent les basses profondes des chantres orthodoxes, et le rideau s’ouvre sur la chambre d’une villa italienne aux murs blanchis à la chaux et aux fenêtres de bois sombre qui projettent une lumière solaire sur un sol à damiers. Cela pourrait être un intérieur de Nostalghia (1983), film tourné en Italie, non loin peut-être de de la maison que Tarkovski aurait achetée pour y vivre un jour.

L’absolu reste inaccessible, au-delà de la sentimentalité et de la mélancolie pour une terre natale forcément trop lointaine. Dès 1984, il ne plus retourne plus en URSS.Au lointain, trône un large lit en fer forgé où un drap blanc recouvre le défunt sur lequel est posé une bougie fragile, lumière vivante d’un gisant qui tout à coup se met à parler.  Entre rêveries et souvenirs, Stanislas Nordey, acteur, metteur en scène et directeur du Théâtre National de Strasbourg, incarne Tarkovski dont le monologue exprime la teneur existentielle d’un artiste avisé, habité par une exigence constante. Malade cloué au lit, le créateur solitaire s’auto-analyse (Le Miroir (1974), se lève et marche.

 Surgit un paysan à la belle carrure, interprété (Jean-Yves Ruf)qui à la fois interpelle et veille l’artiste, au nom de la Russie. Quelque chose lie Tarkovski à Ivan de L’Enfance d’Ivan (1962), cette souffrance qui associe le héros aux jeunes russes de la génération des années 1960 dont il exige qu’ils ne s’endorment pas spirituellement. Les images d’eau, un thème récurrent, nourrissent les rêves, les souvenirs de Tarkovski dirigés vers la mère, femme et patrie. Un cabinet de toilette, lavabo et faïence blanche permet à l’un ou l’autre des acteurs de venir boire un verre d’eau.

 Nombreux, les journalistes, critiques et reporters radio viennent interroger le Maître : Que signifient les films Andreï Roublev (1966), Stalker (1979), Nostalghia !1983) … ? De belles énigmes auxquelles nulle réponse objective ou concrète n’est jamais dispensée. Le poète doit avoir l’imagination et la psychologie d’un enfant qui découvre le monde. Seul, il affronte tous les autres, insensé, intransigeant, malheureux et fou.

 Stanislas Nordey, alias Tarkovski, alias Don Quichotte, alias le Prince Mychkine, joue le Stalker dans la Zone, idéaliste affrontant le tragique d’un monde désespéré. Il marche en avant, épaules relevées et rentrées, bras balancés de travailleur soviétique, se tourne, reculant, pas arrière, et observe l’imaginaire déposé. Quelques scènes du film sont reprises qu’inaugure le lancer vif d’un tissu blanc sur le plateau. Thierry Gibault, présence chaleureuse et esprit facétieux, joue L’Ecrivain, et le paisible Jean-Yves Ruf le Professeur physicien. Ce duo beckettien médite sur l’art, la science et la conscience, déroulant une parabole morale aspirant à la beauté.

 Et si la beauté doit sauver le monde,prophétie dostoïevskienne, elle passe aussi par Andreï Roublev (1966), sa Russie du XVème siècle avec la passion pour Andreï Roublev, peintre d’icônes inspiré, habité par l’immensité de la terre et du peuple russes. La beauté advient encore avec l’apparition au lointain d’un détail démesurément agrandi de La Madonna del Parto de Piero della Francesca  : « les yeux tournés/ en dedans toute/ à ce qui vit en elle/ elle voit/ ce qui l’aveugle… », écrit Julien Gaillard.

 Hélène Alexandridis représente la Femme, la Fille et la Mère, prétexte d’une Annonciation où la dame aurait été prise par le vent. Elle incarne aussi Larissa, l’épouse aimée de Tarkovski dont les paroles apaisent le poète épuisé et souffrant : « Ainsi j’ai compris que je n’étais pas seule. Qu’au monde il existait encore une âme. … Comme toi, j’avance sans savoir où je vais. Comme toi, mon pas pèse sur la terre. Comme toi, il ne pèsera bientôt plus… La mémoire des morts est en nous… »

 Des évocations encore du Sacrifice (1986) – l’incendie d’une maison et d’un arbre. Avec la couleur de l’or et du feu, rappel du fond doré des icônes , envahit le dessin des murs de la maison radieuse qui luit au soleil de l’amour, de la foi et de la charité. Le plateau final est jonché de cloches, d’un chien et de bottes , rappels symboliques.

 Tarkovski, le corps du poète de Simon Delétang propose reflets et échos de l’œuvre du cinéaste, prenant le temps de la pause et du silence, laissant les solos, duos et trios advenir tandis que les autres figures scéniques restent immobiles et muettes. Les musiques sacrées de Bach, entre autres, livrent à la fresque poétique sa capacité à sculpter le temps – temps de théâtre, de méditation et de contemplation.

 Véronique Hotte

 Théâtre National de Strasbourg, salle Grüber, du 19 septembre au 29 septembre.

Théâtre Les Célestins à Lyon, du 11 au 15 octobre.

La Manufacture Théâtre des Quartiers d’Ivry, du 2 au 6 mai.

Comédie de Reims à Reims, le 11 mai.

 

Soirée Roland Petit par le Ballet de l’Opéra de Rome.

 

Soirée Roland Petit par le Ballet de l’Opéra de Rome. dans Danse img_9065

©yasuko kageyama

Soirée Roland Petit par le Ballet de l’Opéra de Rome

Alors que les programmateurs français ont tendance à négliger Roland Petit, ses chorégraphies font le bonheur les publics étrangers, en particulier en Russie et en Italie.

Eleonora Abbagnato, danseuse étoile de l’Opéra de Paris, grande interprète du maître et nouvelle directrice du corps de ballet de l’Opéra de Rome a œuvré à la renaissance de trois pièces emblématiques avec l’aide de Luigi Bonino, danseur de Roland Petit alors qu’il dirigeait le Ballet national Marseille. L’Arlésienne, créé en 1976 pour le Ballet national de Marseille, sur la célèbre musique de Georges Bizet, raconte une noce provençale contrariée par une belle Arlésienne dont le souvenir hante le marié. Les deux solistes, Alessio Rezza et Sara Loro, ont du mal à trouver le bon rythme en début de représentation, puis la pièce gagne en fluidité, grâce au danses rituelles d’inspiration provençale interprétées par le chœur de ballet.

Le jeune homme et la mort, est une pièce historique du chorégraphe : sa forte théâtralité lui a été souvent reprochée. De grands artistes ont créé, en 1946, ce tableau chorégraphique montrant un jeune peintre aux prises avec la mort qui l’envoûte sous les traits d’une jeune fille. Jean Cocteau, auteur de l’argument, en signa aussi les costumes avec Christian Bérard, et Georges Wakhévitch conçut le décor de l’atelier et des toits de Paris qui apparaissent par magie après la pendaison du jeune homme.

La partition musicale est empruntée à Johann Sebastian Bach. Créé par Jan Babilée qui l’a dansé en 1967 sur cette même scène, le rôle est tenu ce soir-là par Stéphane Bullion, danseur étoile de l’Opéra de Paris. Il compose avec Eléonora Abbagnato, un duo harmonieux et plein de tension dramatique.

Dans Carmen, c’est la chorégraphie qui l’emporte sur la narration. Créée et dansée par Roland Petit avec Zizi Jeanmaire à Londres en 1949, cette pièce aussi a été adaptée pour la télévision par Mikhail Baryshnikov, avec Zizi Jeanmaire et Luigi Bonino. Les danseurs de l’Opéra de Rome accompagnent avec fougue les excellents solistes Rebecca Bianchi et Claudio Cocino.

L’âme de Roland Petit, disparu en 2011 à Genève, a survolé cette soirée, loin de Paris et de Marseille, pour le plus grand plaisir d’un public enthousiaste.

Jean Couturier

 Opéra de Rome, du 8 au 14 septembre, Operaroma.it

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