Adieu Jacques Albert-Canque

Adieu Jacques Albert-Canque

Ce professeur à la Faculté des Sciences de  Bordeaux est mort à quatre-vingt-quatre ans jeudi dernier . Il était aussi un grand homme de théâtre mais toujours en marge et rarement là où on l’attendait. Il fonda une troupe de non-professionnels, le Groupe 33 qu’il dirigea avec la rigueur d’un scientifique qu’il ne cessa jamais d’être mais aussi dans une perspective de recherche permanente. Même s’il doutait en permanence. Une sorte de laboratoire sans grands moyens mais il pouvait tester libre et  indépendant avec le Groupe 33, des types de dramaturgie poétique et de scénographie alors très peu employés dans les années soixante-dix et maintenant très à la mode : base navale allemande, garage, anciens entrepôts près de la Garonne…  (le spectacle finissait sur le toit en terrasse et cela ne sentait pas le moisi, mais de la soupe chaude nous attendait à la sortie). Il participa comme metteur en scène à de nombreuses éditions du festival SIGMA, là où nous l’avions rencontré il y a déjà une quarantaine d’années..

Jacques Albert-Canque  à Blaye en septembre 1991 © x

Jacques Albert-Canque à Blaye en septembre 1991
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Homme d’une immense culture, ce germaniste connaissait tout particulièrement Hölderlin, Büchner,  Kleist et Novalis  et il monta Hölderlin exil à Bordeaux en 76 puis Sur les pas d’Hölderlin au dernier étage d’un parking en Bavière en 97 un spectacle  qui lui valut l’étoile de la meilleure création décernée par le quotidien Abendzeitung. Et enfin en 2016, Hölderlin à la folie au Goethe Institut de Bordeaux. Il monta aussi Les Chants de Maldoror de Lautréamont aussi à l’Opéra de Munich.
Mais Jacques Albert-Canque s’intéressa aussi au théâtre moderne et contemporain: Peter Weiss, Heiner Müller, Jean Genet et des auteurs de la région bordelaise comme Philippe Vialèles, Max-Henri Gonthié et Michel Suffran.

Il dirigea aussi plusieurs années le festival de Blaye où il invita d’abord en ouverture de cet événement à jouer en plein air dans les douves du fort  construit par Vauban -ce qui était un grand pari- Peines d’amour perdues de William Shakespeare, mise en scène d’Andrewjz Seweryn avec les élèves de la première promotion de l’Ecole de Chaillot. Puis Noce et banquet, texte et mise en scène d’Hervé de Lafond. Le directeur de l’Ecole Philippe du Vignal (ma pomme !) lui demanda aussi pour les élèves de l’Ecole de Chaillot et un seul professionnel pour jouer le Père, La Demande en mariage d’Anton Tchekhov et Cédrats de Sicile de Luigi Pirandello qui est peu le miroir inversé de la première. Jacques Albert-Canque eut deux belles idées. Pour la première, des chants d’oiseaux en Russie qui donnait une incroyable poésie estivale que Charlotte Maurel la scénographe du spectacle  alla lui dénicher à la médiathèque ; les élèves-comédiens qui jouaient dans la première pièce, étaient les invités de la grande fête (aidés par du son enregistré) mais invisibles derrière un grand rideau rouge de Cédrats de Sicile… Le public n’a jamais voulu croire  qu’ils n’étaient que trois!  Son parcours a dons croisé plusieurs fois le nôtre…

Jacques Albert-Canque, homme généreux et exigeant, ancré dans son Bordeaux, avait pourtant beaucoup d’humilité et n’a jamais cherché à monter à Paris. Et ce qui était frappant dans le dernier spectacle que nous avions vu de lui sur Hölderlin au Goethe Institut à Bordeaux était la grande connivence entre de jeunes non-professionnels  et le metteur en scène, malgré quelque cinquante ans de différence d’âge. Dans la ligne de l’Education Populaire.  Ce qui n’est pas donné à tout le monde. Il aura été un passeur de premier ordre et un exemple pour tous ce qui veulent tenter de faire du théâtre. Un grand merci, Jacques Albert-Canque…

 Philippe du Vignal

 Ses obsèques auront lieu demain lundi 19 octobre à 15 h au Crématorium de Mérignac (Gironde).

 

 

 


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A nos lecteurs,

A nos lecteurs,

 D’abord merci pour votre confiance qui n’a jamais faibli dans cette période difficile pour tous. Les chiffres de fréquentation sont chaque mois de quelque 120.00 (visites+hits).  Et pour le moment du moins, les théâtres auront bien du mal à faire venir le public aux horaires imposés par le gouvernement soit le couvre-feu à 21h. Il faudra même en modifiant les horaires à 19h 18h 30, voire même à 18h,  nous expliquer comment les petites salles parfois éloignés du centre de Paris et les théâtre de banlieue vont pouvoir s’en sortir. A moins de faire des représentations trois fois le samedi et trois fois le dimanche. Mais visiblement Roselyne Bachelot n’a pas beaucoup de pouvoir!
Ou alors, Castex,  voulez-vous que les spectacles durent quarante minutes? Tiens, une idée que vous auriez dû  proposer. Antoine Vitez comme Eugenio Barba tous les deux grands metteurs en scène demandaient bien à leurs élèves de jouer Hamlet à partir des souvenirs qu’ils avaient de la pièce mais en dix minutes maximum. Mais il s’agissait d’une proposition autrement plus intelligente et cette fois, d’une haute portée pédagogique.

Le S.N.E.S (Syndicat National des Entrepreneurs de Spectacles) deuxième syndicat représentatif du spectacle vivant privé, représente et défend plus de trois cent entreprises : producteurs, entrepreneurs de tournées, compagnies, lieux de spectacles et festivals ; dans l’ensemble des disciplines artistiques du spectacle vivant privé : théâtre, variétés, humour, danse, opéra, musique classique, musiques actuelles, chanson, rock, jazz, cirque, jeune public…Maintenant dans quelques heures, tant pis pour le public et les artistes. Le Macron de service devrait se souvenir que les Parisiens n’habitent pas tous rue du Faubourg Saint-Honoré.  Et quand ils vont au spectacle, ils prennent le métro la plupart du temps aux heures de pointe! Bravo pour la distanciation dont on nous rebat sans cesse les oreilles. Mais comme le Macron n’ a pas dû prendre le métro depuis plusieurs années, c’est un paramètre qui ne doit pas figurer dans son logiciel de réflexion, tout comme Castex qui avait mené l’opération déconfinement!

L'Elysée avant l'annonce du couvre-feu... © x

L’Elysée avant l’annonce du couvre-feu...
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 » Le Président de la République a fait des annonces qui ont foudroyé de plein fouet la Culture en France. Le couperet est à nouveau tombé et aucune dérogation ne sera accordée. » (…) « De l’avis de tous, la preuve du billet de spectacle devrait permettre au public de regagner son domicile sans être inquiété de se voir dresser une amende. Cette mesure ayant l’avantage de rassurer le public qui se rend au spectacle, sans avoir la crainte de ne pouvoir assister à la fin du spectacle. Cette idée, partagée par l’ensemble des professionnels du spectacle vivant mettrait sur un pied d’égalité les publics, les plus proches comme les plus éloignés du lieu du spectacle. M. le Premier ministre, ce n’est pas une dérogation que nous demandons, mais une exception culturelle qui rend à la Culture son caractère unique. Les mesures de sécurité ne doivent pas faire disparaître la confiance du public comme celle des acteurs de la Culture, qui accompagnait avec enthousiasme la reprise d’activité tant désirée par tous ! » 

On parle souvent du spectacle « vivant » mais bientôt on risque fort de parler de spectacle mort. Toute l’équipe  du Théâtre du Blog continuera, le moins mal qu’elle pourra, à vous rendre compte de l’actualité théâtrale. A Paris comme en province. Et nous vous appelons à la résistance pour que ne meurt pas à petit feu le théâtre français… « Nous résistons dit Marion Coutris, codirectrice du Théâtre des Calanques à Marseille et ce sont les artistes et les équipes permanentes qui l’ont choisi. Nous préférons que nos portes soient ouvertes, que nos spectacles se jouent, que nos répétitions se poursuivent, que nos spectateurs viennent s’immerger à nouveau à la source des écritures et des formes, plutôt que de recevoir les compensations financières d’une fermeture, qui signifierait l’ajournement de nos projets de création 2021. Le théâtre existe par la magie de l’instant, dans l’ici et maintenant de la rencontre entre objet artistique et œil du spectateur. » Bien pensé et bien dit…

Philippe du Vignal

www.spectacle-snes.org

Croquis de voyage #2 par les élèves de l’École du Nord de Lille

Ecole du Nord - Départ voyage - 28-08-20 - © Simon Gosselin-11

© Simon Gosselin

Croquis de voyage #2 par les élèves de l’École du Nord de Lille

Les voyages, dit-on, forment la jeunesse. Maxime confirmée par les premiers Croquis de voyage vus à l’automne 2017 (voir Le Théâtre du Blog). On se souvient encore, parmi d’autres, de la prose de Mathias Zachar descendu en train, en bateau, en stop, de la source à l’embouchure du Danube… Des expériences inoubliables aux dires des anciens élèves venus voir les travaux de la sixième promotion.

« C’est peut-être cela, le pari du voyage? disait François Maspero. Au-delà des émerveillements ou des angoisses de l’inconnu, retrouver le sentiment d’être de la même famille. Parfois ça rate. Parfois même, ça tourne mal. Mais le pari vaut d’être fait, non ?» Marquée par les récits de l’écrivain-voyageur, Balkan-Transit ou Les passagers du Roissy-Express, Cécile Garcia Fogel actrice et enseignante à l’Ecole du Nord avait proposé aux élèves de la promotion 5 ( 2015-2018) de partir seuls sur les chemins de l’Europe.

 Pour cette deuxième édition, les règles étaient les mêmes : départ fin août de la gare de Lille, téléphone mobile et ordinateur débranchés pour une immersion totale dans l’inconnu. En poche, un petit pécule : de quoi manger, se loger et voyager pendant un mois. Chacun(e) a dû faire, en fonction de sa destination, un budget prévisionnel et s’y tenir. Cette fois, la plupart des jeunes est restée à l’intérieur de l’Hexagone. Moins exotique peut-être mais fructueux en rencontres, comme en témoignent les petites formes présentées à la maison Folie Moulins.

 En amont, Jean-Pierre Thibaudat, homme de théâtre et grand voyageur, parrain de l’expédition, les a aidés à affiner leurs objectifs, puis, au retour, à peaufiner leurs pièces. Il dit être très peu intervenu, si ce n’est : « raccourcir un texte, supprimer des passages superflus, resserrer les boulons, c’est tout. Et pour certains c’était déjà bouclé.»  Pour la mise en scène, Cécile Garcia-Fogel, qui connaît bien ses élèves et leurs projets, a été un précieux œil extérieur : «Je les ai aidés à préciser leurs intentions de départ. A circonscrire leur sujet, en évitant les généralités. A rechercher des choses moins sexy mais plus vraies. Au retour, je leur ai donné quelques conseils pour leurs textes et leurs réalisations, sans jamais rien leur imposer. » Reste qu’après un mois de solitude absolue, écrire, répéter et présenter son Croquis de voyage, en dix jours a été, pour ces dix-huit jeunes, un pari  difficile mais largement gagné.

L’ancienne brasserie en briques rouges est en effervescence. De la cour aux Petits et Grands Germoirs et à la Petite Cuve, par des escaliers métalliques, le public est invité au voyage…D’une salle à l’autre, il faut garder ses distances et s’asseoir loin les uns des autres. Jauge réduite oblige, chaque pièce a dû être jouée de quatre à six fois…  Soit un marathon de trois jours.

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Pierre-Thomas Jourdan © Simon Gosselin-

« En route, le mieux c’est de se perdre, lorsqu’on s’égare, les projets font place aux surprises, et c’est alors, mais alors seulement, que le voyage commence », écrivait Nicolas Bouvier. C’est vrai pour Et tu ne diras rien de Pierre-Thomas Jourdan. Parti à la rencontre de marins au long cours, le comédien s’arrête dans la maison d’un vieil homme en fin de vie. Impressionné par le personnage et la situation, il écrit une partition remarquable. En scène, il incarne sobrement un vieillard attablé qui ressasse ses souvenirs, devant un frère de dix ans son ainé qui lui sert la soupe « avec lenteur », en silence. Le cadet commente méticuleusement, avec force précision, la photo des noces d’or d’une tante, le 16 mai 1994, sur laquelle figure ses parents, son frère, et lui enfant : « Josiane notre tante au centre de la photo et moi toujours habillé de cette veste verte et de ce sourire déjà malade… » Le frère encaisse, muet les rabâchages et les sarcasmes du moribond… La vie de ce des deux êtres, en attente de la mort, semble s’être figée dans ce monologue glaçant.

Croquis de voyage #2 par les élèves de l’École du Nord de Lille dans actualites suzanne-de-baecque-simon-gosselin-300x200

Suzanne de Baecque © Simon Gosselin

 Suzanne de Baecque, avec Cluster, opère une plongée dans les coulisses du concours Miss Poitou-Charentes. Elle s’y est elle-même présentée, et a vécu la violence de cette course à l’écharpe. Elle est ainsi entrée en contact avec plusieurs aspirantes : des filles très seules mais qui se sont confiées à elle. Devant nous, Suzanne devient Laureline, au mot près : une langue d’aujourd’hui, de là-bas, vitaminée au globish : «Je suis pas une fille de groupe, tu vois. Mais, meuf, la vie elle est courte, alors, profite ! …Go, go, go !… » La comédienne a su trouver la bonne distance pour faire exister, sans la caricaturer, cette jeune femme très « girly », fan des séries Gossip Girl et Pretty Little Liars… Une prestation émouvante qui donne voix à l’une de ces personnes qu’on n’entend jamais, confinées dans ces « territoires perdus de la République » pour citer le titre du livre d’Emmanuel Brenner.

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Oscar Lesage © Simon Gosselin

Oscar Lesage, avec Dear Nanni, raconte l’histoire d’une obsession : rencontrer le cinéaste Nanni Moretti pour lui dédier une chanson de sa composition. Il est à Rome, à Venise… Il bombarde le réalisateur de mails, rencontre des personnes influentes qui peuvent le mettre en relation avec lui, soudoie Pietro Moretti, le fils de son idole… Micro en main, il nous donne un aperçu de son talent de parolier et chanteur ; il a aussi un don pour passer du français à l’anglais et à l’italien… L’acharnement finit par payer : il rencontrera Nanni Moretti et nous aurons bien ri de son voyage…

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Antoine Heuillet © Simon Gosselin

Tout aussi rocambolesque : L’Exil d’Hortensius d’Antoine Heuillet. Le pédant Hortensius quitte les pages de La Seconde Surprise de l’amour de Marivaux et débarque dans la Creuse en août 2020. « J’ai  cent-quatre-vingt seize ans et je suis perdu dans ce monde qui n’est pas le mien. » dit-il;  en habit d’époque, il cite Sénèque en toute occasion. Il aura tôt fait d’entrer en contact avec une famille de chasseurs qui l’entraînent à tuer un sanglier « Mon index avait décidé de faire de moi un meurtrier ». Repéré par des journalistes, il alimente la chronique de La Montagne et le voici promu citoyen d’honneur de la ville de Guéret… L’acteur a en quelque sorte trouvé la vérité de son personnage dans l’imprévu.

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Louis Albertisi © Simon Gosselin

Louis Albertosi avec Veiller sur le sommeil des villes, marche sur les traces de l’ange Daniel dans Les Ailes du désir de Wim Wenders. Il parcourt des cités « à demi-mortes, dépeuplées »  de Calais à Dunkerque en passant par Saint-Omer, fait une brillante chronique de « ces cités palimpsestes grands territoires qu’on déconstruit et sur les ruines desquels on reconstruit.  » Entre polémique et mélancolie, il s’en prend aux jeux de mots foireux en « hair » aux enseignes d’improbables salons de coiffures. Pour connaître sa ville, dit-il, il faudrait « inventer la vie des détritus que l’on croise »… Il fustige aussi les mesures sanitaires, comme les gestes barrière :  «  Sauver l’humanité c’est s’en tenir à l’écart ! » Annuler la fête de l’andouillette d’Arras, est pour lui le symbole de ces liens qu’on coupe entre nous… Il y a du mensonge :  cette apparence de reprise n’est qu’une  parodie et il conclut: « J’espère que cette parodie n’était qu’une hibernation et j’attends notre printemps sauveur. » Un périple en forme de prophétie où Daniel, l’ange de la communication, devient une sorte de lanceur d’alerte…

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Adele Choubard © Simon Gosselin

Sept jours d’Adèle Choubard résume, en sept temps, son ascension quotidienne d’un terril à Loos-en-Gohelle le plus haut d’Europe. Vingt-six fois, Adèle a gravi les cent-quatre-vingt six mètres de ce monticule qui marque le paysage de son enfance. Et de jour en jour, lui revient l’image de son père, récemment disparu  et les glaces qu’elle partageait avec lui au bord de la mer du Nord. Avec humour et tendresse, elle dédie son exploit sportif aux hommes du plat pays chanté par Jacques Brel, qui, grâce à leur dur labeur, ont édifié de leurs mains cette colline de terre noire. Un émouvant hommage…

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Rebecca Tetens © Simon Gosselin

 Avec Confessions au silence, Rebecca Tetens raconte sa quête du silence sur le chemin de Saint-Jacques de Compostelle. Mais le bruit est partout, à commencer par ses pas qui martèlent lourdement la scène. «Quand je suis avec ta cousine, la solitude, j’ai l’impression de te trouver un peu, silence », dit-elle. Pourtant, elle prend plaisir à écouter d’autres marcheurs et à faire un bout de route avec eux. Et quand ils se quittent et que son équipée prend fin, elle éprouve peut-être ce silence inaccessible et qu’elle ne cherchait plus…

Mathilde Auneveux a installé sa voiture dans la cour de la Folie-Moulins. Entre deux croquis, elle propose aux spectateurs des intermèdes musicaux. Perchée sur le capot, elle chante des titres de sa composition. Des romances piquantes ou un slam aux paroles douces-amères : « And if you want my soul/Ask for it, I’ll send it by mail ». Un style affirmé et une voix prometteuse. Si l’on entre dans la voiture qui l’a amenée d’un point à un autre du territoire, on trouve pêle-mêle les traces de son  voyage : interviews, lettres, musiques… 

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Paola Valentin © Simon Gosselin

 Dans le même esprit, le croquis de voyage de Paola Valentin se décline en une installation : bric-à-brac de photos, enregistrements audio, dessins et messages gribouillés, qu’elle a amassés en traversant les villages dans un camion aménagé pour le camping. Elle expose ainsi les portraits de Georges, Marie, Damien et les autres : rencontres éphémères mais qui  lui ont confié leurs histoires et leurs souvenirs…

Devant quitter la maison Folie-Moulins à mi-parcours, nous n’aurons pas vu les travaux de Maxime Crescini, Orlène Dabadie, Simon Decobert Joachim Fossi, Nicolas Girard Micheletti, Solène Petit, Constance de Saint-Rémy, Noham Selcer, Nine d’Urse… Mais la plupart des croquis que nous avons découverts, ont un point commun : la rencontre souvent intime avec d’autres mondes, aux périphéries de l’Hexagone, aux confins de « l’Archipel français » selon les mots de Jérôme Fourquet. Les habitants de ces territoires ruraux ou périurbains constituent 60 % de la population mais restent sous-représentés dans la sphère publique… Laureline dit dans Cluster : « Quand t’es Miss, t’as beaucoup de voix ». C’est pour sortir de l’anonymat et mettre sa voix au service d’une cause, qu’elle espère remporter le concours…

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Mathilde Auneveux © Simon Gosselin

Avec l’aide du scénographe Christos Konstantellos, les jeunes artistes ont donné corps et vie à ces voix. Chacun(e) à sa manière et selon sa personnalité a su traduire en théâtre son expérience personnelle. Et certaines de ces formes brèves pourraient aboutir à un spectacle…

Pour Christophe Rauck, directeur de l’École et du Théâtre du Nord qu’il va bientôt quitter pour le Centre Dramatique National de Nanterre-Amandiers, cette démarche fait partie de l’apprentissage du théâtre : «Imposer dans ce cursus un voyage en troisième année, ce n’est pas de l’exotisme. Le voyage, c’est difficile. Ça demande du courage, une certaine connaissance de soi, de l’inventivité, une curiosité. Ce n’est pas fuir, c’est tirer une ligne de fuite pour regarder autrement »

 

En attendant, le nouveau directeur ou la nouvelle directrice recrutera en mars prochain la septième promotion, soit douze élèves-comédiens et quatre élèves-auteurs. Inscriptions au concours: du 2 novembre au 14 février.

Mireille Davidovici

Présentation publique des travaux d’élèves du 9 au 11 octobre, à la maison Folie Moulins, Lille (Nord).
Prochaines présentations: les 20 et 21 novembre avec Toujours la Tempête de Peter Handke, mise en scène d’Alain Françon.

 En janvier : tournée régionale de Marivaux en balade

 Ecole du Nord, adresse provisoire : 7  rue du Sec Arembault, Lille (Nord).  T. 03 20 00 72 64

 

Saccage, texte et mise en scène de Judith Bernard

Rojava

©Odile Huleux

Saccage, texte et mise en scène de Judith Bernard

Quel point commun entre la faculté de Vincennes des années soixante-dix, la Z.A.D. (Zone A Défendre) de Notre-Dame-des-Landes, le lointain Rojava au Kurdistan syrien ou les «cabanes du peuple» des Gilets Jaunes? Au moins un : ces enclaves de résistance et d’invention de nouvelles formes de démocratie, ont résisté face au Pouvoir.

Judith Bernard, universitaire et directrice de la compagnie ADA, poursuit son exploration des problématiques liées à la philosophie politique. Bienvenue dans l’angle Alpha interrogeait notre aliénation au salariat. Avec Saccage, elle parle des expérimentations alternatives, tôt ou tard confrontées à l’État de droit. Faut-il s’opposer, se soumettre ou composer avec un Pouvoir qui n’a de cesse de saboter ces initiatives? Les débats qui agitent de toute communauté rebelle, quand elle doit faire face à une politique de saccage, se prête bien à un traitement théâtral.

Sous la plume de la metteuse en scène, les personnages apparaissent face à leurs contradictions, aux moments-clefs où leur enclave est menacée par l’arsenal juridique et répressif des Politiques. Judith Bernard montre la fragilité de «cette brèche infime dans les ténèbres de la propagande », selon l’expression de Virginie Despentes à propos de  Notre-Dame-des Landes. Ici, quatre comédiens pour  de nombreux personnages : professeurs et étudiants de Vincennes mettant en place une Université populaire ouverte à tous ;  Zadistes de Loire-Atlantique défendant une zone naturelle et une agriculture biologique contre le béton d’un futur aéroport ; Kurdes du Rojava luttant contre Daesh et organisés en confédération démocratique selon les thèses d’Abdullah Öcalan. Le fondateur du P.K.K. (Parti de Travailleurs Kurdes) apparaît brièvement pour expliquer son Manifeste, peu connu, pour un Kurdistan unifié et une démocratie directe, écologique et féministe. «Cela passe par la création d’un « homme nouveau », purgé des vices capitalistes et de la mentalité du colonisateur turc. Le vrai Kurde doit s’inspirer de la pureté d’une paysannerie réinventée… »

D’une séquence à l’autre, les acteurs représentent des figures plus que des individus :  Le Cadet, le plus radical du collectif, s’oppose souvent à L’Aîné ayant tendance à composer avec le Pouvoir. La Brune oscille entre deux positions et la Rousse (Judith Bernard ou Pauline Christophe en alternance ) se détache parfois du groupe pour situer ou commenter l’action.  Quelques  accessoires suffisent à figurer les lieux et les époques :  kalachnikov et photos de martyrs nous transportent dans un Kurdistan en guerre ; une paire de lunettes rondes évoque un Jacques Lacan mis en boîte par les gauchistes ; un  tipi en filet de camouflage et une banderole :«Nous ne défendons pas la Nature, nous sommes la Nature qui se défend !» et nous voilà dans le bocage. D’une scène à l’autre, on débat, on argumente, on se dispute…

Mais le joyeux désordre à Vincennes ou à Notre-Dame-des-Landes prendra bientôt fin et, dans l’obscurité des intermèdes, on entend les bulldozers à l’œuvre… Judith Bernard analyse les trois phases du saccage: intimidation, destruction puis normalisation : «Le pouvoir a aussitôt regretté la liberté accordée aux Vincennois. Il n’a pas cessé de tenter d’en restreindre la portée. C’était un bras de fer permanent. Et dès l’été  69, le gouvernement a essayé de rétro-pédaler en faisant adopter des décrets scélérats: entre autres celui par lequel le Ministère de l’Education Nationale voulait en empêcher l’accès aux non-bacheliers. »

Ce théâtre politique n’a rien de didactique et, pendant une heure vingt, on a le plaisir de partager les recherches et les propositions de Judith Bernard. Soigneusement écrit et mis et scène, Saccage, malgré un titre un rien défaitiste, est un hommage à celles et à ceux qui, encore et toujours, s’écartent de la norme pour inventer des voies nouvelles. Il faut les suivre…

 Mireille Davidovici

Du 11 octobre au 29 novembre, seulement le dimanche à 12 h 15 en raison du couvre-feu !

Manufacture des Abbesses, 7 rue Véron,  Paris  (XVIII ème) T. : 01 42 33 42 03.

La pièce est publiée aux éditions Libertalia

 

Le Paradoxe de Georges conception, mise en scène, interprétation de Yann Frisch

Le Paradoxe de Georges  conception, mise en scène et interprétation de Yann Frisch

Un retour à la normale attendu par tout le monde, avant sans doute un couvre-feu dans les grandes villes  après des mois de reports, voire d’annulations. Le monde du spectacle a pris de plein fouet la crise sanitaire laissant sur le carreau des milliers d’intermittents, techniciens, entrepreneurs de tournée, producteurs, directeurs de théâtres et institutions. Les artistes qui ont la chance de travailler depuis le déconfinement sont rares. Ils limitent la casse  malgré les  restrictions draconiennes, avec limitant la jauge limitée à 50% (en théorie)  donc les recettes! Pourquoi proposer des spectacles s’ils ne sont pas rentables ? Comme le dit très justement Jean-Michel Ribes, le patron du Théâtre du Rond-Point à Paris, il faut d’urgence repenser notre système de production…

Mais la pratique de l’’illusion exige un minimum de contact humain et la crise est encore plus significative dans ce domaine. Le close-up -ou numéro de proximité- est condamné à trouver la bonne distanciation sous peine de disparaître. Programmés dans plusieurs théâtres, festivals, soirées d’entreprises, événementiels et arbres de Noël, les spectacles de magie sont presque à l’arrêt complet! Dans ce contexte anxiogène, Yann Frisch fait office de survivant mais il est relativement indépendant, puisqu’il parcourt la France avec son camion-théâtre mis au point dans sa ville natale du Mans il y a deux ans par les ingénieurs et concepteurs Matthieu Bony, Eric Noël, Silvain Ohl. Ils ont transformé, notamment grâce à des vérins hydrauliques, une semi-remorque en salle de quatre-vingt-dix places en gradins avec petite régie. Soit un espace total de huit mètres vingt de large sur six de haut. Avec à l’extérieur, un accueil et un bar qui peuvent être couverts. Ce concept avait déjà été mis au point en 2016 par Phil Keller avec son théâtre magique: une petite salle de quatre-vingt-dix places sur un semi-remorque rappelant les cinémas mobiles d’autrefois.

©Christophe Raynaud de Lage

©Christophe Raynaud de Lage

Avec ce spectacle itinérant le jeune magicien, comme les cirques avec leur chapiteau, n’a pu s’installer où il voulait, tributaire des autorisations préfectorales. Résultat : sept mois sans jouer mais des retrouvailles avec le public très attendues! On entre par un escalier latéral directement sur la scène, puis vers les gradins. Consignes sanitaires obligent, ils sont remplis à 70%: déjà bien…. Sur la petite scène, des meubles style arts déco, une bibliothèque, casiers à bouteilles, lampadaire, gramophone, guéridon avec une énigmatique figurine Maya sous verre, fauteuil, tapis persan et grande table qui servira de scène aux saynètes réalisées par Yann Frisch.

Il va d’abord faire le point sur la situation actuelle. Pour lui justement et plus que toute autre discipline, la magie a besoin d’un public pour exister : cette expérience subjective exige une certaine proximité mais aussi un pacte étrange avec les spectateurs qui viennent en toute conscience recevoir des illusions grâce à un individu faisant semblant de faire des miracles. Yann Frisch rappelle que c’est une particularité occidentale qui n’existe pas en Afrique, en Amérique du Sud et dans une partie de l’Asie. La notion de magie est perçue différemment suivant les cultures, avec de multiples significations. Tout d’abord l’étymologie même du mot renvoie à différentes pratiques et croyances : sorcellerie, guérison, réincarnation, illusionnisme… Pour certains, la magie existe en elle-même mais pour d’autres, elle est le fruit de seules manipulations. Tout dépend aussi de qui les pratique : sorcier, marabout, le prêtre, druide, ou illusionniste: un personnage que revendique Yann Frisch… Il  jongle avec les concepts de vrai et de faux, de  croyance et de savoir grâce à un jeu de cartes. La théâtralisation d’un jeu de cartes était aussi au centre du spectacle de Bébel, Une carte ne vous sauve pas la vie pour rien (2012). Avec un écran géant pour transmettre au public ses manipulations.

En une dizaine de saynètes, il aborde différents aspects de l’art de la magie : dextérité, manipulation psychologique, détournement d’attention (en anglais : misdirection).  Ce qui a à voir avec le rapport à la réalité et aux symboles, l’imaginaire collectif, et la mise en parenthèses de l’incrédulité. Sur des morceaux de jazz, l’illusionniste rend hommage à de grandes figures de la cartomagie comme René Lavand et Richard Turner -atteints tous les deux d’un handicap- convoque des textes d’anthropologues comme Philippe Descola et Valentine Losseau travaillant sur la représentation du monde et sur ses symboles. Yann Frisch met aussi en garde le public sur l’objectivité, en évoquant le paradoxe dit « de Moore » du philosophe anglais George Edward Moore (1873-1958) qui enseigna un des fondateurs de la philosophie analytiqu

Coté manipulation cartomagique, Yann Frisch revisite des classiques comme la carte déchirée et raccommodée, dite en anglais rising card (façon Samuel Hooker), la production des quatre as ou la carte récalcitrante. Mais l’illusionniste va plus loin en appliquant ses concepts dans Baltas avec changements-éclairs de cartes et d’objets  (« lapping ») hors de la vue du public sous couvert d’un détournement d’attention (« mis-direction »). Ou changement  ultra-rapide de costume (quick change). Et ses tours au début comme à la fin, sont des chefs-d’œuvre du genre !

Nous avions découvert ce jeune prodige de vingt ans avec un numéro multi-primé Baltass au championnat de France de magie 2010. Après une période de surmédiatisation, Yann Frisch a su se réinventer et aller là où on ne l’attendait pas.  Avec son premier spectacle Le Syndrome de Cassandre (2015), une virée clownesque dans un univers absurde de cauchemar et  à la limite du happening,  qu’il avait présenté au Monfort à Paris.

Un véritable défi artistique mené avec ses fidèles  conseillers Raphaël Navarro et Valentine Losseau de la compagnie 14:20. Avec  ce deuxième spectacle, Le Paradoxe de Georges créé en 2018, il a voulu revenir à une forme plus intimiste au scénario balisé, pour montrer son travail de recherche en cartomagie dont le magicien espagnol Dani DaOrtiz a été l’inspirateur.

En une grande heure, Yann Frisch déconstruit notre système de croyances et en fait comprendre le fonctionnement, en mettant en lumière nos paradoxes. Suivant l’éducation, la culture et l’expérience, nous ne percevons pas la magie de la même  façon. Pourquoi nos réactions divergent-elles ? Pourquoi notre perception change-t-elle à mesure que le tour se déroule ? Comment le magicien réussit-il à détourner notre vigilance grâce à des stratégies psychologiques ? Yann Frisch répond à ces questions avec un texte bien équilibré et à l’humour sarcastique, en alternant réflexions philosophiques et anecdotes savoureuses. Un bon spectacle à déguster si ce camion magique passe près de chez vous…

Sébastien Bazou

Spectacle  vu à Dijon ( Côte-d’Or).

 

 

Exécuteur 14, d’Adel Hakim, mise en scène de Tatiana Vialle

Exécuteur 14, d’Adel Hakim, mise en scène de Tatiana Vialle

La guerre tue tout, y compris les vainqueurs. Elle a environné puis envahi cet homme qui était du bon côté… Il s’adresse à nous un instant avant la catastrophe qu’il sait finale. Un Adamite, pas un ennemi des Zélites,  juste un peu plus sûr qu’eux, de sa légitime supériorité. On appréciera au passage le jeu de mots d’Adel Hakim sur les élites inversées et les premiers hommes… Et puis il a fallu que la guerre le saisisse par son arme la plus ancienne et la plus efficace : le viol puis le meurtre de sa femme.

 

© giovannicitta

© giovannicitta

Swann Arlaud, si doué pour exprimer l’innocence, n’y parvient pas vraiment dans la première partie du spectacle. On reste à une sorte de distance sans engagement qui, certes, correspond à la situation du personnage mais qui nous laisse en retrait. Mais ensuite, le récit du viol fait basculer l’interprétation. Et l’émotion que l’acteur revendique comme  étant au premier degré, est bien là. Elle appelle pour nous les images de la guerre -de cette guerre-là et de toutes celles dont le monde proche ne manque pas -et elle nous saisit à notre tour. Parfois, la voix et la diction très particulière de Jean-Quentin Châtelain qui avait créé ce texte en 1991, lui ajoutent une étonnante résonance. Fugaces réminiscences que le public partage pleinement avec le comédien.

La scénographie qui réunit outils et épaves du théâtre évoquant le désordre et les fonctionnalités de la guerre, lui permet de trouver un jeu physique intéressant, sans pour autant encombrer la parole, ici essentielle. Dans l’ombre de ce décor désolé, Mahut, percussionniste et multi-instrumentiste, accompagne le parcours du personnage. Pas sur le mode illustratif : plus que les échos de la guerre, on entend une confusion, une tourmente intérieure. Et surtout l’impossibilité du silence.

Cette première pièce d’Adel Hakim (1953-2017) est devenue un classique du théâtre contemporain. Il avait sans doute voulu en la plaçant dans un Orient imaginaire, y faire la synthèse des conflits incessants et bien réels de cette région. Il est allé plus loin en évoquant la complexité de la situation en Palestine avec Des Roses et du jasmin (2015). Ce fut deux ans plus tard sa dernière mise en scène! Mais Exécuteur 14 garde toute sa puissance d’actualité et de vécu. Y compris avec l’intrusion de tout un vocabulaire de base anglo-américain, à la fois incongru et ordinaire comme dans toutes les langues du monde, un «signal faible» du déséquilibre mondial.  Dommage : ce fait de langue ne trouve pas son rythme propre et son oralité et semble donc parfois un peu vieilli et maladroit.

A un rythme qui ne faiblit pas et avec une vraie gravité, cet Exécuteur 14 parfois en demi-teinte, est un moment d’émotion sincère devant ce saccage de l’humanité par elle-même. La pensée du pire, la présence du beau comme bouclier contre la désespérance : une authentique tragédie…

Christine Friedel

Théâtre du Rond-Point, 2 avenue F. D. Roosevelt, Paris (VIII ème), après une interruption indépendante du théâtre, à partir du 15 jusqu’au 23 octobre. T. : 01 44 95 98 00.

 

Crise de nerfs-Trois farces d’Anton P. Tchekhov, mise en scène de Peter Stein

Crise de nerfs-Trois farces d’Anton P. Tchekhov, mise en scène de Peter Stein

Le grand metteur en scène allemand connait très bien le théâtre du grand dramaturge. On se souvient, entre autres, d’une magnifique Cerisaie qu’il avait montée en 89 puis en 95. Il a aussi écrit un essai Mon Tchekhov. Il connait bien aussi Jacques Weber qu’il dirigea en France dans Le Prix Martin d’Eugène Labiche, La dernière Bande de Samuel Beckett et Tartuffe de Molière. Cette fois, il le met en scène dans trois petites pièces d’Anton Tchekhov: d’abord Le Chant du Cygne. La moins jouée sans doute mais pas la moins intéressante. Ecrite en 1886, par un auteur de vingt-six ans et qui avait été d’abord publiée sous forme de nouvelle. Kenneth Brannagh en avait fait un court-métrage avec John Gielgud.

Impressionnant et d’une grande beauté, ce plateau vide -sauf un châssis côté cour-  un vrai et beau décor à lui tout seul, avec dans le fond, une grande et haute porte à deux battants donnant sur la cour où autrefois Charles Dullin (1885-1949) alors directeur de l’Atelier, mettait son cheval qui l’avait conduit jusque là Dans une demi-obscurité, un vieil acteur Vassili Vassiliévitch Svetlovidov qui s’est endormi dans sa loge après une représentation et un dîner sans doute très arrosé, porte encore son costume de scène : la toge bordé d’or de Calchas dans La Belle Hélène de Jacques Offenbach qu’il vient de jouer. Mais les portes du théâtre sont fermées et il ne peut plus sortir. Il rencontre sur le plateau le vieux Nikita Ivanytch, un ancien souffleur qui, faute de mieux, a, comme lui, dormi dans une loge. Antonin Artaud a aussi passé des nuits agitées avec son amoureuse Génica Athanasiou dans les combles du théâtre de l’Atelier, nous avait dit l’acteur qui avait créé le rôle de Victor dans Victor ou les enfants au pouvoir de Roger Vitrac.

Le vieux souffleur parle donc du temps passé avec le vieux comédien qui reprend des tirades d’Othello, du Roi Lear ou d’Hamlet des personnages qu’il a joué autrefois quand il était encore jeune et beau. Cette rencontre émouvante est très belle sur le plan pictural mais bon, Jacques Weber parle très bas et on l’entend donc souvent mal. Quant à Manon Combes, elle n’arrive pas dans ce rôle travesti, à rendre crédible ce souffleur mais à l’impossible, nul n’est tenu… Il aurait fallu le faire jouer par un comédien qui ait l’âge ou presque du personnage. Et aucune indulgence possible, d’autant que c’est sans doute pour économiser un rôle.

Les Méfaits du tabac est un monologue aussi écrit quelques années plus tard mais plus souvent joué. Nioukhine Ivan Ivanovitch  est l’économe d’un pensionnat de jeunes filles dont sa femme est directrice. Et à sa demande, il doit faire une conférence sur les méfaits du tabac dans un cercle de province. Déjà installé derrière un pupitre, il  parle beaucoup, non de tabac mais  de sa femme  qui  gouverne d’une poigne de fer sa famille et qui le tyrannise depuis trente-trois ans! Seul, il peut enfin se défouler et voudrait que l’on s’apitoie sur son sort.. Jacques Weber en grand professionnel  fait le boulot mais comme un peu en retrait. A sa décharge, il faut dire que ce n’est pas la meilleure pièce de ce triptyque.

© La Terrasse

© La Terrasse

Enfin suit cette merveilleuse Demande en mariage dont s’emparent encore avec délice les élèves des écoles de théâtre. Publiée en 1888 et jouée l’année suivante. Chez ces trois personnages, une impossibilité à se contrôler et une tendance à se quereller avec le premier venu. Ivan Vassilievitch Lomov, un jeune propriétaire terrien vient chez son voisin Stepan Stepanovitch Tchouboukov, demander en mariage sa fille Natalia Stepanovna que son père est très heureux de pouvoir marier. C’est l’été, elle est en tablier en  train d’éplucher des petits pois.  Lui, assis sur un grand canapé est endimanché… sans doute un peu trop. Et ils parlent tous les deux comme le font de jeunes et proches  voisins qui se sont toujours connus. Mais la conversation d’abord très courtoise, va déraper et le ton monte vite, alors que Lomov n’a pas encore fait sa demande en mariage… Motif  de la dispute: à qui appartient le pré dit « Le pré aux vaches ». Et les répliques violentes commencent à fuser: «Vous n’êtes pas un voisin, mais un usurpateur ! ». «Vous êtes d’une famille où on a toujours aimé la chicane » « Et votre mère avait une jambe plus courte que l’autre ».
Mais le père apprend à Natalia que Lomov était en fait venu demander sa main. Heureuse d’une telle nouvelle et au bord de l’évanouissement, elle dit dans un souffle : « Qu’il revienne ! » Et alors Lomov revient mais se plaint  de sa santé. Natalia lui présente ses excuses. Zéro partout et le futur mariage au centre. Mais ces  incorrigibles personnages  vont arriver encore à se quereller sur une chose qui semble capitale pour eux : la valeur réelle de leur chien de chasse respectif! Lui, s’évanouit presque… Enfin le père arrive avec une bouteille de champagne, siffle la fin de la récréation et impose le mariage aux jeunes gens qui ne tarderont sans doute pas à se quereller de nouveau : on ne change pas une équipe qui gagne…

Jacques Weber excelle dans ce rôle de gentleman-farmer botté de noir lui aussi ravi de mettre un peu d’huile sur le feu dans cette histoire qui doit le rajeunir. Mais Manon Combes joue les hystériques et hurle sans vraie raison. La Demande en mariage a quelque chose d’une farce mais quand même…  Loïc Mobihan lui, ne semble  pas très à l’aise dans un rôle il est vrai pas facile. On a connu Peter Stein mieux inspiré et là il n’a pas vraiment réussi son coup. Il y avait sans doute une erreur au départ: un personnage pour Jacques Weber dans chacune de ces trois courtes pièces n’était pas vraiment un bon dénominateur commun pour une soirée.  Dommage mais reste le jeu, surtout dans La Demande en mariage, de ce grand acteur et toute la poésie des textes d’Anton Tchekhov. Et à chaque fois aussi le plaisir de retrouver devant une merveilleuse petite place, ce très ancien théâtre où la photo de Charles Dullin nous accueille au contrôle. Hasard de la vie, habitait juste à côté, Martin Lartigue, que nous avions connu élève de sixième au tout proche lycée Jacques Decour: le petit Gibus de La Guerre des boutons… Devenu comédien mais surtout bon peintre, il a maintenant soixante-huit ans…

Philippe du Vignal       

Théâtre de l’Atelier, 1 Place Charles Dullin,  Paris (XVIII ème). T. : 01 46 06 49 24.

Théâtre Romans-Scènes, Romans-sur-Isère (Isère) le 3 novembre ; L’Octogone, Pully, le 7 novembre. Théâtre du Bouscat, Le Bouscat, (Gironde) le 24 novembre.

Théâtre des Sables d’Olonne ( Vendée) le  11 décembre ; Théâtre Edwige Feuillère, Vesoul ( Haute-Saône), le 15 décembre. Théâtre municipal Ducourneau, Agen, (Lot-et-Garonne) le 18 décembre.

La Noce de Bertolt Brecht, traduction de Magali Rigaill, mise en scène d’Olivier Mellor

La Noce de Bertolt Brecht, traduction de Magali Rigaill, mise en scène d’Olivier Mellor

La plus longue et sans doute la plus jouée des pièces en un acte du célèbre auteur qu’il écrit en 1919: il a vingt-et-un ans. Inspiré par les foires de sa ville natale d’Augsbourg et par les fêtes de la bière à Munich, il raconte un repas de noces. Publié pour la première fois en 1961 cinq ans après son décès, c’est l’un de ses premiers textes et un coup de maître. Cet acte choral porte déjà en effet les promesses d’un théâtre distancié, humain et à la fois cruel . «Tout a été préparé comme il faut, dit la traductrice,  mariés et invités ont revêtu leurs habits de fête, on a prévu un repas de noce digne de ce nom et l’ami de la famille a préparé son discours.  Tous essaient d’être conciliants et sociables. Mais la suite  sera une succession de ratés  d’une ampleur grandissante jusqu’à ce qu’on en vienne aux mots et aux mains. »(…) « La principale arme est le langage. Mots qui tuent et phrases assassines se succèdent sans répit aucun, si ce n’est des silences qui expriment la gêne et l’ennui. »

 

© ludo leleu

© ludo leleu


Pas d’empathie ni d’identification possibles avec les personnages : distanciation brechtienne oblige: ils sont ici observés comme des souris de laboratoire, à l’occasion de cet événement-clé qui les surexpose, dit le metteur en scène. Ratage absolu et échec universel à cette fête populaire où alcoolisme et rancœur sont les symptômes d’une société déliquescente. Cette œuvre sur fond socio-économique dépeint une Allemagne après sa défaite en 1918 mais revancharde et terreau fertile pour le nazisme. Ici, les personnages, condamnés à une morne existence, paraissent déjà morts. Mais dans la mise en scène d’Olivier Mellor, la compagnie du Berger fait la fête, loin d’amoindrir le propos.Tel est le monde, ici comme ailleurs, avec la violence sourde de relations inachevées menant par anticipation à un échec assuré. Les mots qu’on se dit, les histoires graveleuses qu’on se raconte, les jalousies et petites  trahisons continuelles, la mauvaise foi et l’absence de compassion à la douleur de l’autre.. bref, on assiste ici à un festival de bonnes résolutions ratées…. Les meubles eux-même sont métaphoriques: mal fabriqués par le  jeune marié avec un matériel de médiocre qualité et une mauvaise colle:  même pour ce temps des ripailles, il n’y aura aucune chaise solide et confortable!

Dans cette mise en scène, on a ajouté un Bertolt Brecht en bout de table, casquette sur la tête et complice du public, qui observe la noce avec une expression ironique. Et toute la troupe joue le jeu, avançant pliée sous la tempête des horreurs que les personnages se lancent sans jamais désarmer, faisant montre à la fois des instincts les moins avouables avec une folle énergie et une incroyable envie de vivre. «A partir du jour de tes noces, tu n’es plus une bête qui sert une maîtresse, mais un homme qui sert une bête, et c’est ce qui te tire vers le bas, jusqu’à ce que tu n’aies plus que ce que tu mérites.»La fête finie, les nouveaux mariés enfin seuls se parlent raisonnablement et à cœur ouvert: apparait alors  une lueur d’espoir…

Avec Fanny Balesdent, Marie-Laure Boggio, Emmanuel Bordier, Marie-Béatrice Dardenne, François Decayeux, Françoise Gazio, Rémi Pous, Stephen Szekely et Denis Verbecelte, il y a ici une belle unité de jeu. La musique du, type jazzy est assurée par Toskano et son orchestre et par  le Schrottplatzhunde Trio avec Romain Dubuis au piano, Séverin « Toskano » Jeanniard à la contrebasse et Olivier Mellor à la batterie. Et le public est aussi invité au bal qui suit. Cette farce cynique et festive est animée avec force par les acteurs masqués ou maquillés à outrance. Ils se ressemblent et en même temps, se cachent. Manifestement proches de nous…

Véronique Hotte

Centre culturel Jacques Tati, Amiens (Somme), du 9 au 13 octobre.

Théâtre de L’Epée de Bois, Cartoucherie de Vincennes, route du Champ-de-Manœuvre, métro : Château de Vincennes + navette gratuite. du 12 au 29 novembre. T. : 01 48 08 39 74.

Rollmops Théâtre, Boulogne-sur-Mer (Pas-de-Calais), le 4 décembre.

 

 

 

 

 

 

 

Point Cardinal, adaptation du roman de Léonor de Récondo avec Sébastien Desjours

Point Cardinal, adaptation du roman de Léonor de Récondo et jeu de Sébastien Desjours

L’œuvre a reçu le Prix du roman des étudiants France Culture-Télérama il y a deux ans. Laurent est un homme marié à Solange qu’il a rencontrée au lycée. Ils se sont endettés pour acheter leur maison et ils ont eu deux enfants Bref, une vie de père de famille somme toute on ne peut plus régulière, voire même conventionnelle… Thomas (seize ans) et Claire (treize ans) des ados donc encore fragiles.  Désemparés par cette nouvelle qui, d’une façon ou d’une autre, va bouleverser leur vie: comment expliquer cela à leurs copains…
Petit garçon, Laurent raconte qu’il passait des heures enfermé dans la penderie de sa mère parmi ses vêtements.  et qu’il détestait la puanteur des vestiaires après les matchs de foot. “Être un homme signifiait, entre autres, aimer le foot. Mais l’expérience qui devait être fantastique, s’était avérée pour lui désastreuse. Ce sport s’imposait dans la famille comme l’apothéose de la masculinité. »

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 Et chez lui insidieusement, une bombe longtemps enfouie va soudain exploser : il se sent davantage appartenant à l’univers eu au sexe féminin. ll aime les dentelles, les bas et les talons hauts et avoir les cheveux longs… Mais il ne va pas pouvoir cacher très longtemps cette double identité et il lui faudra trouver un sacré courage quand il devra se retrouver face à sa famille d’abord, à ses collègues de travail et surtout face à lui-même dans une société, toutes classes confondues, encore peu fort peu tolérante et qui ne lui fera aucun cadeau quant au changement de sexe.  Rappelons qu’en France l’homosexualité était encore plus que mal vue et il faudra attendre 1982 pour  que la France et en 1990 l’Organisation Mondiale de la Santé, retirent l’homosexualité de la liste des maladies mentales!  Il y donc encore un sacré chemin à parcourir : « Combien d’années, de décennies, pour être en adéquation ? Adéquation de corps, adéquation de rêves, adéquation de pensées, avec ce que nous sommes profondément, cette matière brute dont il reste quelques traces avant qu’elle ne soit façonnée, lissée, rapiécée par la société, les autres et leurs regards, nos illusions et nos blessures.”
 
Et comment dans ses conditions arriver pour un homme à garder quand même à garder son identité et à ne pas tomber dans le gouffre. Comment s’accepter soi-même dans ce tourbillon vertigineux envers et contre tous. Comment garder son équilibre dans un tel tsunami personnel. C’est tout l’enjeu du roman de Léonor de Récondo sur un thème aussi délicat que François Ozon avait abordé dans son film Une nouvelle amie ( 2014). Le spectacle reprend l’essentiel du roman mais est forcément réducteur dans la mesure aussi où c’est un solo, ici bien interprété par  Sébastien Dejours  avec beaucoup de discrétion et de sincérité. Avec des mots simples et directs .

« C’est un spectacle sur un homme qui est une femme, par un homme qui donne à voir sa part féminine dit-il. La féminité sera évoquée par le corps, sans naturalisme, excepté au début où l’image fugace d’une féminité « exacerbée » sera présente. Une corporalité dessinée, cadrée, laissera place à un corps libéré de son carcan. Ne pas montrer ce qui est dit afin que se déploie l’imaginaire. Le spectateur s’engage au côté de l’acteur. » Et l’ensemble sans naturalisme passe facilement la rampe, malgré une tendance de Sébastien Dejours à bouler le texte, ce qui le rend parfois un peu difficile à entendre. Mais bon, après la première, les choses s’arrangeront. Cela dit, avec le covid, on assiste à une inflation permanente de solos! Le théâtre contemporain y résistera-t-il ? Le public en tout cas ne semble pas déserter les salles, ce qui est plutôt réconfortant. Dans l’attente, du moins de nouvelles mesures sanitaires avec couvre-feu, risquant cette fois de faire des dégâts irréversibles…

Philippe du Vignal

Jusqu’au 30 décembre, Théâtre de Belleville,  16 passage Piver,  Paris  (XI ème). T. :  01 48 06 72 34.

 

Farm Fatale, conception, scénographie et mise en scène de Philippe Quesne

Farm Fatale, conception, scénographie et mise en scène de Philippe Quesne (spectacle en anglais, surtitré en français)

D’abord un coup de gueule:  pourquoi le Centre Georges Pompidou se croit-il autorisé à ne pas respecter les gestes barrières? Aucun gel de flacon de gel hydro-alcoolique en vue et des gens assis les uns à côté des autres dans un escalier avec en plus, des visiteurs dans les deux sens? De qui se moque-t-on? Pourquoi aucune place vraiment condamnée dans la salle? Alors qu’un Préfet, sans aucun état d’âme, fait fermer au public le chapiteau de l’Espace-Cirque d’Antony? Une fois de plus, on est dans le deux poids-deux mesures.  Il n’y a pas peut-être pas ici assez d’argent pour rémunérer des vigiles !!!! On aimerait connaître la réponse…
Cette pièce créée l’an passé au Kammerspiele de Munich et coproduite avec Nanterre-Amandiers-Centre Dramatique National que dirige encore pour quelques mois ce metteur en scène hors-normes, a des parfums de douce fable écologique. Philippe Quesne fait les choses sérieusement mais sans se prendre trop au sérieux et comme en écho à l’installation qu’il a aussi conçue, une île, au centre du festival littéraire Extra, à quelques dizaines de mètres plus loin au niveau -1 dans le Forum. Une île pour rencontres, lectures, performances…

© Philippe Quesne

© Philippe Quesne

Sur de grands pans de tissu plastique d’un blanc immaculé comme dans les studios de photo, cette Farm Fatal est une évocation déjantée et musicale et comme au second degré d’un monde disparu, celui du travail à la ferme avec bottes de paille compressées, un gros cochon muni d’une baffle sur le côté, une fourche-micro, un râteau fait avec une ancienne antenne télé qu’accompagne un de ces beaux anciens râteaux à faner en bois  etc… On entend le chant des oiseaux et du coq. Et ces cultivateurs-musiciens-poètes d’une grande gentillesse aux voix complètement déformées, ont des trognes impossibles (masques sublimes de drôlerie conçus par Brigitte Frank). Avec une certaine poésie, ils dénoncent un capitalisme multinational qui se soucie bien peu de protéger notre planète. Une pancarte en carton avec, juste écrits au feutre ces seuls mots : No Nature No Future donne tout de suite le ton…

Raphael Clamer Léo Gobin, Damian Rebgetz, Julia Riedler et Gaëtan Vourc’h savent tout faire, un peu acrobates, bons acteurs et surtout mimes,  excellents musiciens. Et Philippe Quesne sait réaliser comme peu d’artistes des images sublimes de poésie teintée de fellinisme  et parfois d’un comique assez grinçant  comme ces  oiseaux en plastique noir, sans doute les seuls qui restent quand toute la nature a été dévastée par les pesticides et autres herbicides encore récemment adoubés par le Parlement pour la culture betteravière.  Ces clowns essayent de créer une station de  radio militante, archivent des sons de la nature et font une interview exclusive de la dernière abeille…

C’est souvent drôle et fait de collages dans la pure tradition surréaliste. Même si cela mériterait d’être plus virulent,  la  bande de joyeux drilles met en effet le doigt où cela fait mal avec une fausse naïveté et se retrouve à la fin avec de gros œufs lumineux en haut d’un grand praticable roulant. Une remarquable image. Au chapitre des réserves: il y a sans doute un peu trop de texte surtout quand la parole est déformée, ce qui devient lassant, quand il faut en plus lire la traduction  en sur-titrage au-dessus du plateau.Trop de messages tue parfois le message que Philippe Quesne voudrait faire passer…

Mais comme toujours avec les spectacles créés en Allemagne, le jeu, la scénographie, les lumières, le son et la musique… tout ici est impeccablement réglé. De cette rigueur, naît une vraie poésie et ce n’est pas incompatible… Là, Philippe Quesne sait y faire et on ne peut pas rester insensible à ce «théâtre de la décélération post-apocalyptique».  Et on repense à sa Mélancolie des dragons qui l’avait lancé. Cette Farm Fatale de plus, ne manque pas d’humour: une chose rare dans la création théâtrale contemporaine. Alors autant en profiter même si le texte est parfois un peu faiblard …  Au moment des saluts, les interprètes enlèvent leur masque: une image de pure beauté. Allez, on va encore vous citer la fameuse phrase de Chikamatsu Monzaemon:  » L’art du théâtre se situe dans un espace entre une vérité qui n’est pas une vérité et un mensonge qui n’est pas un mensonge. » Et Les Japonais au XVII ème siècle, eux aussi, s’y connaissaient déjà en matière de masque…

Philippe du Vignal

Spectacle vu le 3 octobre au Centre Georges Pompidou, Paris (III ème).

 

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