D’autres mondes, texte et mise en scène de Frédéric Sonntag

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D’autres mondes, texte et mise en scène de Frédéric Sonntag

 Explorer les dimensions spatio-temporelles infinies, révélées par la physique quantique et la science-fiction… Un  projet ambitieux et passionnant. L’auteur-metteur en scène de B. Traven (voir Le Théâtre du blog)  dernier volet d’une Trilogie fantôme, dédiée à des personnages aux  identités brouillées, récidive.

Il croise les biographies fictives d’un physicien, d’un écrivain et de leur descendance, et attribue à chacun plusieurs vies, en partant de ce paradoxe : «Les vies  que nous n’avons pas vécues, les êtres que nous n’avons pas aimés, les livres que nous n’avons pas lus ou écrits, ne sont pas absents de notre existence. » selon le psychanalyste Pierre Bayard auteur d’Il existe d’autres mondes.

Jean-Yves Blanchot (Florent Guyot), un physicien français, prestidigitateur et trompettiste à ses heures, est-il un inventeur de génie récompensé par un prix  Nobel pour avoir résolu la mesure du temps dans la physique quantique ou bien un savant raté, confit dans l’alcool? Et Alexei Zinoviev (Victor Ponomarev) est-il un célèbre écrivain de science-fiction soviétique rescapé du Goulag et exilé en France, ou un astrophysicien reconnu par ses pairs ?

 Frédéric Sonntag donne à ces vies imaginaires une vraisemblance troublante, en les ancrant dans les différentes époques traversées, avec documents visuels, reconstitution d’émissions de Bernard Pivot, interview radiophonique… Il brouille aussi le temps en faisant revivre des personnages dans la mémoire de leurs rejetons, eux aussi ambigus: Anna Zinoviev (Fleur Sulmont), collapsologue ou cosmonaute en partance vers une exoplanète pour fuir une Terre moribonde ?  Antony Blanchot (Antoine Herniotte), chanteur en vogue, auteur de Black Matter ou compositeur au génie précoce mais réduit au silence et à la dépression ? 

D’autres mondes met en scène sur deux générations, ces quatre personnages principaux confrontés aux surgissements d’autres réalités, à l’intérieur de leur réalité propre… Un exercice vertigineux mené avec rigueur dans une dramaturgie éclatée où on navigue à vue, d’un espace-temps fictif à l’autre.  Les scènes dialoguées alternent avec le récit des narrateurs et les séquences, jouées simultanément, créent des ponts entre les années soixante-dix et deux mille, en passant par d’autres périodes.

Des images-vidéo d’actualité servent de repères dans cette chronologie bousculée. En prologue, pour nous guider, Jean-Yves Blanchot donne une conférence, à l’avant-scène, sur les particules élémentaires et leurs combinaisons virtuelles et indéterminées:  un problème mathématique insoluble qu’il applique à nos existences : « Ce soir, vous auriez pu ne pas être là. Vous auriez pu être coincés dans un embouteillage… » Pour preuve, en un  tour de magie,  il fait disparaître dans une boîte, le lapin blanc de la concierge. Clin d’œil  au chat de Schrödinger et au lapin d’Alice au pays de merveilles de Lewis Carroll… Relayé  quand le rideau se lève, par la musique planante de Jefferson Airplane, à la poursuite du White Rabbitt : leurs rocks psychédéliques et des airs des Beatles ponctueront le spectacle. Jouée par les comédiens, la musique opère cette ouverture du temps et des espaces poétiques. Car les personnages se rêvent aussi sous la plume romanesque de Frédéric Sonntag… 

 Avec cette mémoire chahutée entre passé et futur, il veut pointer du doigt l’amnésie qui guette notre société, coincée dans la jouissance du présent. Avec l’essayiste marxiste américain Fredric Jameson, auteur d’Archéologies du futur, plusieurs fois cité dans le spectacle, Frédéric Sonntag s’inquiète de notre incapacité à imaginer d’autres mondes possibles : « La société de consommation, la société des médias se caractérise par la perte du sens de l’histoire non seulement du passé mais aussi des futurs.  Ce qu’Herbert Marcuse appelait l’atrophie de l’imagination utopique, constitue un symptôme pathologique du capitalisme tardif. »

On sort heureux et stimulé de ces deux heures mouvementées. Les coutures entre les séquences et d’une partie à l’autre, sont parfois un peu lâches mais l’accompagnement visuel de Thomas Rathier et les arrangements musicaux de Paul Levis donnent une bonne tenue au spectacle dont l’écriture nous ravit. Les neuf comédiens excellent dans leurs nombreux rôles comme dans leur pratique du chant et de la musique. Malou Rivoallan, apparaît en Grace Slick, la chanteuse et leader du groupes Jefferson Airplane puis Jefferson Starship et Starship. Et l’harmonie règne sur le plateau.

 Mireille Davidovici

 Jusqu’au 9 octobre, Nouveau Théâtre de Montreuil, 10 place Jean Jaurès, Montreuil (Seine-Saint-Denis) T.01 48 78 48 90.

 Du 5 au 7 novembre, Théâtre de Sénart (Seine-et-Marne); les 16 et 17 novembre, La Snat 61 Alençon/ Flers/ Mortagne-au-Perche (Orne) ; les  21 et 22 janvier Points communs, nouvelle Scène Nationale de Cergy Pontoise (Val-d’Oise) et les 26 et 27 janvier, Le Grand R La-Roche-sur-Yon (Vendée)

 

Boule de suif, adaptation d’André Salzet et Sylvie Blotnikas, mise en scène de Sylvie Blotnikas

Boule de suif, adaptation d’André Salzet et Sylvie Blotnikas, mise en scène de Sylvie Blotnikas

Après Le Joueur d’échecs d’après Stefan Sweig, Madame Bovary d’après Gustave Flaubert (voir Le Théâtre du Blog) l’acteur s’attaque à cette célèbre nouvelle. C’est l’hiver 1870 et l’armée prussienne occupe Rouen et la région! Une diligence emmène des bourgeois qui veulent fuir la ville mais aussi deux religieuses qui doivent aller soigner des blessés, un révolutionnaire et une jeune prostituée rouennaise dite Boule de Suif. Mais ils ont tous faim et n’ont rien emporté à manger. Généreuse, Boule de Suif, elle, a prévu et leur propose de partager  avec eux ce qu’elle a emporté. Et ils ne se feront pas prier  pour manger de sa terrine de poulet, déguster ses fromages et boire son vin rouge, même après avoir dit le pire sur elle…

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Mais la nuit tombe, la diligence a bien du mal à avancer dans la neige et il faudra donc dormir à l’auberge d’un village occupé par l’ennemi. Un officier prussien retient alors les voyageurs en otage… à moins que -et le marché est clair- que  Boule de suif ne veuille coucher avec lui. Ce qu’elle refuse obstinément mais qu’elle finira par accepter. Le voyage pourra ainsi reprendre mais les autres  ne lui en seront même pas reconnaissants et mépriseront  cette femme simple et généreuse. Guy de Maupassant (1850-1993) sait comme peu d’écrivains créer une  petite galerie de personnages de sa Normandie natale comme les habitants de  Rouen dans Une vie ou Le Havre dans Pierre et Jean  ou des paysans  dans Aux champs, des petits notables bourgeois dans Une vie ou Pierre et Jean.  Mais aussi les Parisiens dans  Bel-Ami. Ce formidable écrivain sait aussi parler de la guerre de 1870 -qu’il a vécue- dans Deux Amis, La Folle, etc. des femmes et en particulier, des prostituées. Comme Boule de suif mais aussi celles de La Maison Tellier ou Mademoiselle Fifi.

Ici les personnages sont saisis au quotidien comme dans un reportage : ils attendent la diligence dans le froid puis voyagent serrés les uns contre les autres, épuisés par un long trajet dans la neige et la faim au ventre. Obligés de cohabiter ensemble quelques jours à l’auberge, alors qu’ils ont peu de choses en commun… Et il y a aussi cette jeune prostituée qu’ils connaissent plus ou moins et qu’ils préfèreraient nettement voir ailleurs que dans le confinement de cette diligence. Elle devient aussitôt leur tête de Turc.  Oui, mais voilà, elle a de quoi les nourrir et, comme ils ont  tous très faim, ils  acceptent enfin de lui adresser la parole. D’autant qu’il y une menace claire et précise : il sont devenus les otages d’un officier ennemi. Il a tout pouvoir sur la généreuse Boule de suif qui n’entend pas se laisser faire, et donc sur eux. Et ils se sentent obligés d’être hypocritement aimables. Si elle ne cède pas aux exigences sexuelles de l’officier prussien, ils devront rester là même s’ils continuent à mépriser cette jeune pensionnaire d’un bordel de Rouen.

C’est la guerre mais, comme en temps de paix, l’hypocrisie des bourgeois et de leurs épouses, comme celle du clergé est tout aussi florissante. Ils ne comprennent pas que Boule de suif refuse de coucher avec l’officier prussien: après tout, disent-ils, c’est son boulot. Et pour eux, elle  n’a que ce qu’elle mérite et reste une pute. Ils ne lui seront même pas reconnaissants qu’elle ait finalement accepté de passer la nuit avec l’officier ennemi pour débloquer une situation sans issue. Le danger passé, le voyage reprendra mais les femmes, comme les hommes resteront tout aussi odieux et méprisants avec elle. Elle en pleurera, sans les émouvoir pour autant.

Guy de Maupassant (1850-1893) s’il était né cinquante ans plus tard, aurait été un formidable scénariste mais aussi dialoguiste de cinéma et ce n’est pas un hasard si nombre de réalisateurs ont adapté ses romans  comme Une vie, Bel Ami, Pierre et Jean et ses nombreuses nouvelles dont Les Contes de la bécasse ou Le Horla et bien sûr, la plus connue sans doute:  Boule de suif (1880).  L’adaptation qu’en ont tirée André Salzet et Sylvie Blotnikas est honnête mais sans doute un peu réductrice. Comment faire quand un solo ne peut guère durer plus d’une heure?

André Salzet, lui, est toujours le même bon conteur avec une belle présence et une impeccable diction.  Oui, mais voilà: la direction d’acteurs est des plus médiocres!  Pourquoi en effet ces allées et venues permanentes sur le plateau où il y a juste une petite table en bois inutile ? Pourquoi cette gestuelle hypertrophiée soulignant sans cesse le texte et qui tourne souvent à la gesticulation. Cela parasite bien entendu le jeu de l’acteur, accoutré d’un curieux habit de bourgeois, vaguement d’époque mais vraiment laid… Tout cela est approximatif et ne sert en rien une nouvelle aussi exceptionnelle. Et cela fait-il théâtre, comme dirait Antoine Vitez ? Non, bien sûr?  La  dramaturgie est aux abonnés absents et on se balade constamment entre récit et amorce de véritable dialogue. Tout cela nuit à ce court spectacle, malgré encore une fois les qualités d’André Salzet.

Le théâtre actuel meurt doucement d’une inflation de monologues… A l’origine, il est né dans le roman pour dire un cheminement intérieur de la pensée mais on assiste depuis quelques décennies comme à une revanche du roman et de la nouvelle, sur les plateaux de théâtre! Avec plus récemment, une extension à des correspondances amoureuses, à des récits d’une guerre quelconque (il y a de quoi faire malheureusement !), à des discours politiques ou syndicaux, plaidoiries, voire textes philosophiques: bref, tout est bon…  Stop au covid mais stop aussi au virus du monologue qui, surtout moins coûteux par les temps actuels, envahit encore plus les plateaux…

Qu’André Salzet prenne enfin son destin en main et soit moins frileux- il a la sensibilité et l’intelligence pour le faire- et abandonne enfin ces solos un peu «scolaires», adaptés d’un roman ou de nouvelles de grands écrivains dont il s’est fait une spécialité. Et qu’il se fasse enfin diriger par un bon metteur en scène, avec un vrai texte de théâtre moderne ou contemporain et quelques acteurs complices. Comme dirait le marquis de Sade, allez André Salzet, encore un effort… Vous le méritez bien..

Philippe du Vignal

Théâtre du Lucernaire, 43 rue Notre-Dame-des-Champs, Paris (VIème)

 

Marie des poules, texte de Gérard Savoisien, mise en scène d’Arnaud Denis

Marie des poules, texte de Gérard Savoisien, mise en scène d’Arnaud Denis

© Fabienne Rapeneau

On ne connait plus très bie cette femme exceptionnelle que fut assez George Sand (1804-1870) née Aurore Lucile Dupin et mariée un temps au baron Dudevant. Elle a écrit quelque soixante-dix romans souvent situés dans le Berry comme La Mare au diable, François le Champi, La Petite Fadette. Et des contes, des pièces.. Elle a aussi été journaliste et s’est engagée politiquement en participant au lancement de: La Cause du peuple, Le Bulletin de la République, L‘Éclaireur. George Sand défendra les ouvriers et les pauvres dans Le Compagnon du tour de France. Mais c’était avant tout une féministe virulente dans une société française encore très conservatrice. Ne craignant pas de faire scandale avec une vie amoureuse très libre, fumant volontiers la pipe, portant des vêtements d’homme…

Elle écrit mais lit aussi beaucoup : Aristote comme Montesquieu ou Blaise pascal, Francis Bacon, Montaigne mais aussi Virgile, Dante ou Shakespeare. Et elle accueillera dans sa belle et grande maison de Nohant des compositeurs comme Franz Liszt et celui avec lequel elle eut une liaison pendant dix ans : Frédéric Chopin. Mais aussi des écrivains : Honoré de Balzac, Gustave Flaubert. Mais s’ils s’écrivèrent, curieusement, elle ne rencontra jamais Victor Hugo. Charles Baudelaire, lui, ne supportait ni l’écrivaine ni la femme et l’a écrit avec cruauté: «Elle n’a jamais été artiste. Elle a le fameux style coulant, cher aux bourgeois. Elle est bête, elle est lourde, elle est bavarde ; elle a dans les idées morales la même profondeur de jugement et la même délicatesse de sentiment que les concierges et les filles entretenues ». « Que quelques hommes aient pu s’amouracher de cette latrine, c’est bien la preuve de l’abaissement des hommes de ce siècle. »  George Sand a aussi écrit à la fin de sa vie plusieurs pièces de théâtre restées presque inédites de son vivant et à vrai dire, peu convaincantes…

Elle eut des amours multiples et se séparera de son alcoolique baron Dudevant. Puis elle aura une liaison avec un romancier Jules Sandeau dont elle portera une partie du nom. Elle aura de nombreux amants dont Alfred de Musset mais aussi Frédéric Chopin avec lequel elle eut une liaison pendant dix ans… Puis  elle rencontra le graveur et auteur dramatique Alexandre Manceau: elle a quarante-cinq ans et lui trente deux… Mais ses relations avec Maurice, le fils de George Sand sont houleuses et ce fils par jalousie et peur de la tuberculose dont Alexandre est atteint, le chassera de Nohant.  Cette vie est un roman foisonnant, sans doute plus passionnant que ceux qu’elle a écrit. Mais de là, à la faire vivre sur un plateau… Un pari presque impossible. Gérard Savoisien a essayé d’en tirer quelques images surtout centrées sur les relations qu’elle eut avec Marie, une très jeune servante berrichonne entrée à son service à onze ans et dite Marie des Poules, parce qu’elle était commise au travail du poulailler. Son fils Maurice la séduisit sans aucun scrupule et la retrouvait dans sa petite chambre sous les toits mais quand cela lui plaisait, alors qu’elle l’attendait chaque nuit après une journée de travail sans fin. Elle est évidemment très amoureuse de lui mais dans son milieu comme le fera remarquer vertement sa mère à Maurice, on ne se marie jamais avec une domestique. Il la quittera donc pour se fiancer avec une jeune fille de la grande bourgeoisie bien entendu sélectionnée par George sand… qu’il abandonnera aussi quand il  sut que son père était ruiné. Mais Marie deviendra la femme de confiance de George Sand qui lui apprendra à lire, à écrire et à interpréter ses pièces… Et elle lui fera rencontrer Alexandre Dumas fils, Eugène Delacroix, Nadar… Marie des poules, accèdera ainsi à tout un univers dont la petite bonne qu’elle était, aurait été radicalement exclue dans cette famille de la grande bourgeoisie..

La mise en scène d’Arnaud Denis manque de rythme mais est honnête, avec une belle idée : la maison de Nohant représentée par une grande maquette dont on ouvre la façade pour montrer les différents lieux de l’action. Béatrice Agenin joue brillamment à la fois Marie des Poules avec son accent berrichon et George Sand. Arnaud Denis, lui, interprète Maurice Sand mais ne semble pas vraiment à l’aise dans ce personnage de fils écrasé par sa mère et qui fit construire à Nohant un petit théâtre de marionnettes pour se divertir. (Cette vaste et belle maison se visite.) Mais le jeu en abyme de marionnettes représentant parfois les personnages sur le grand plateau du Montparnasse, ne peut pas fonctionner. Il y a quelques bons moments : entre autres, quand Maurice annonce à Marie qu’il va la quitter. Mais la dramaturgie comme les dialogues sont bien faiblards !

Reste encore une fois l’exceptionnelle interprétation de Béatrice Agenin, dans un quasi-monologue, de ces personnages de femmes que tout à la fois oppose: âge, éducation et classe sociale mais qu’une même revendication féministe réunit.

Philippe du Vignal

Théâtre Montparnasse, 31 rue de la Gaité, Paris  (XIV ème). T. : 01 43 22 77 74.

 

 

Diane Selfportrait de Fabrice Melquiot, mise en scène de Paul Desveaux

Diane Selfportrait de Fabrice Melquiot, mise en scène de Paul Desveaux

 

© Christophe Raynaud de Lage

Ça commence avec les caresses de guitare de Michael Felberbaum, et avec la double et belle image d’un corps de femme dans une baignoire, présente sur le plateau et en grande image en fond de scène. C’est la matrice de cette histoire : le suicide de la photographe Diane Arbus, à quarante-huit ans,  en 1971. Alors la narration peut commencer. Des moments de vie: rencontre entre Diane, quatorze ans et son futur mari,  bras de fer avec sa mère, éloignement de la photo de mode et du glamour pour aller vers les marginaux, les êtres à part et surtout une méthode de travail : rencontrer son sujet. On n’a pas dit objet : un portrait se produit à deux.

Anne Azoulay, qui porte la figure de Diane sur ses épaules, le fait remarquablement. Engagée, exigeante et sérieuse, sans y perdre en vitalité. Quand elle interpelle la salle, scrutant tel ou tel spectateur à la recherche d’un “sujet“, elle a toute l’obstination et l’impatience de l’artiste en pleine création : je pressens ce que je veux voir, ce que je veux faire, mais il faut que cela advienne et que cette rencontre ait lieu.  Et je n’en suis pas maîtresse… Finalement, l’actrice fait venir des gradins l’artiste Jean-Luc Vern qui prêtera son corps tatoué à une nouvelle et élégante performance.

Les autres duos sont tout aussi forts : avec Paul Jeanson (Allan Arbus) qui commence par danser son rôle, puis avec la grande et puissante Catherine Ferran, sociétaire honoraire de la Comédie Française, dans le rôle de sa mère et l’énigmatique et paradoxalement discrète Marie-Colette Newman, vedette de cabaret aux jambes interminables, pailletée et perruquée,  jouant les humbles dames de compagnie.

Acteurs impeccables, belle scénographie et musique en partie improvisée de Vincent Artaud et Michael Felberbaum, à la bonne distance de l’émotion : à ce troisième volet de la  trilogie américaine de Paul Desvaux et de son équipe, après un premier volet sur Jackson Pollock et un deuxième sur Janis Joplin, il ne manque rien… Sinon peut-être une chose: le spectacle reste à l’abri. Diane Arbus, quittant le monde luxueux de la mode, allait chercher dans les rues de New York, une vérité toujours inaccessible, une effraction. Un visage, une personne, une ombre, qui ouvrait sur de l’inconnu, sur quelque chose ayant à voir avec la douleur. En noir et blanc et au format: 6x 6, pour commencer.

Le titre du spectacle devrait être Portrait de l’artiste en Diane. Fabrice Melquiot et cette personne vivante qu’est  une troupe ont cherché en Diane Arbus l’esprit créatif d’une époque, mais aussi, avec admiration, le carburant de leur création : l’insatisfaction -qu’il faut bien finir par mettre de côté- d’un travail repris encore et encore et la probité d’un regard.  Mais en restant sur la terre ferme. Diane Arbus, comme Janis Joplin, a trop bien incarné le danger qu’il y a, à chercher la faille…

Parallèlement à cette création et pour tenir le pari des Plateaux Sauvages, Paul Desvaux et la photographe Pauline Le Goff ont animé un atelier sur le portrait pour une dizaine de volontaires du quartier. À l’heure des selfies, ces miroirs déformants, cela vaut la peine d’y réfléchir en s’inspirant de ce qu’il y a de fondamental dans l’œuvre de Diane Arbus : le portrait d’une personne comme fruit d’une rencontre. Le “sujet“ donne autant que le photographe. Sinon l’étincelle et la profondeur manquent à l’image. Le pari des Plateaux Sauvages : que des ateliers partagés entre artistes et population créent cette rencontre. On oublie le mot : animation. Il n’est pas vilain en lui-même mais il a été dévalorisé. Et on revient à un autre qui fait encore plus peur : « éducation populaire ». Chiche ! Le but n’est pas seulement de former un public pour le théâtre ou si l’on veut : une clientèle mais de le rendre plus actif et de faire en sorte qu’il donne envie d’ouvrir les yeux. « Y a qu’à », dirait Sisyphe mais Albert Camus nous rappelle qu’il faut l’imaginer heureux…

Christine Friedel

Les Plateaux Sauvages, fabrique artistique et culturelle de la Ville de Paris, 5 rue des Plâtrières, Paris (XX ème) jusqu’au 9 octobre. T. 01 83 75 55 70 

                                         

Le Grand Cahier d’après le roman d’Ágota Kristóf, adaptation et mise en scène de Valentin Rossier

Le Grand Cahier d’après le roman d’Ágota Kristóf, adaptation et mise en scène de Valentin Rossier

L’œuvre est le premier roman d’une émigrée hongroise installée en Suisse où elle fuit avec son mari et leur petite fille la terrible répression soviétique qui s’est abattue sur leur pays en 1956. Tome I d’une trilogie qui comprend La Preuve et Le Troisième Mensonge. Dans un pays ravagé par la guerre, deux petits jumeaux ont été laissés par leur mère aux soins de leur grand-mère paysanne, sale et sans aucune pitié avec eux. Mais elle, le curé du village et sa jeune bonne sont leurs seuls référents adultes dans un monde impitoyable où il ne fait pas bon être enfant même à la campagne. Ils sont à la fois les victimes, les témoins et finalement les acteurs de la cruauté qui sévit partout. – Vous connaissez donc les Dix commandements. Les respectez-vous? -Non, monsieur, nous ne les respectons pas. Personne ne les respecte. Il est écrit : « Tu ne tueras point » et tout le monde tue. Voilà tout est dit ou presque de la morale, ou plutôt de l’absence de morale de ces enfants jetés dans le grand conflit meurtrier qui ne les épargnent en rien. Ils vont vite être abandonnés à eux-mêmes et devront faire seuls l’apprentissage de la vie. Ils apprendront à ne se fier à personne, à trouver de la nourriture, à vaincre par eux-mêmes la blessure et la faim et découvriront la sexualité. Leur mère reviendra les chercher mais ils n’avaient pas besoin de cela: elle sera tuée par une bombe avec un bébé qui n’est pas celui de leur père… Bref, rien ne leur aura été épargné.

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Le roman a été écrit en français, ou du moins dans une langue française qu’elle a dû adopter en arrivant par hasard dans la partie francophone de la Suisse. Ce qui donne un goût particulier, nous semble-t-il, au langage proféré par Valentin Rossier sur ce petit plateau, avec une diction et une gestuelle absolument impeccables et une immense présence. Il sait comme personne donner du poids aux mots en relatant ces immenses douleurs et blessures personnelles vécues sans espoir par les jumeaux. « Être seul en scène,dit-il,  c’est rejoindre la solitude extrême de ces enfants à travers leur récit. D’ailleurs l’interrogation demeure : s’agit-il de deux jumeaux ou d’un enfant unique? L’imaginaire d’un seul aurait-il créé un frère à son identique? « À deux, on est plus fort » : là pourrait résider, en filigrane, le moteur caché du roman. À cette question, Ágota Kristóf  m’avait répondu : « Je ne sais plus… »

Cette suite de petites scènes est à la fois simple et poignante et on ne quitte pas des yeux cet acteur qui donne la vie à ces moments qui sont le fait de toute guerre avec son atroce cortège de vols, brutalités, misère sexuelle et viols. On écoute fasciné ce monologue créé il y a quinze ans et qui pourtant n’a pas pris une ride… Le théâtre actuel souffre d’une inflation de solos mais celui-ci est exceptionnel de force et de vérité. Et même un dimanche soir, il y avait plus quelque trente cinq personnes dans cette petite salle: cela fait toujours du bien par où cela passe en ces temps difficiles et montre que les gens ne désertent pas du tout les salles…

Philippe du Vignal

Manufacture des Abbesses, 7 rue Véron, Paris (XVIII ème)
Le roman est paru aux éditions du Seuil.

Mademoiselle Else d’Arthur Schnitzler, adaptation et mise en scène de Nicolas Briançon

 

Mademoiselle Else d’Arthur Schnitzler, adaptation et mise en scène de Nicolas Briançon

Arthur Schnitzler (1862-1931) écrivain  et psychiatre viennois, symbolise la liaison miraculeuse entre  la médecine et la poésie. Sigmund Freud voyait en lui son double. Pour Heinrich Mann,  son œuvre était la douceur de la vie face à la nécessaire amertume de la mort. D’autres l’ont définie comme la métaphore de l’équilibre chez Anton Tchekhov: entre sensibilité psychologique et dureté objective. Arthur Schnitzler brosse en effet les portraits de jeunes Viennois de la décadence bourgeoise, entre réalisme et impressionnisme. 

© Claude Pocobene

Cette nouvelle (1924) fut assez vite adaptée  au théâtre mais Nicolas Briançon a effacé la présence des proches de la jeune fille pour, dans ce monologue, privilégier l’intériorisation de l’être. Issue de la bourgeoisie viennoise, elle sera contrainte à l’humiliation pour sauver de la ruine son père, un avocat  en proie à des soucis d’argent, Else passe en effet quelques jours de vacances dans une station thermale italienne où elle reçoit une lettre de sa mère.  Elle la prie de solliciter d’urgence un prêt à Dorsday, un riche marchand d’art et ami de son père qui a perdu au jeu de l’argent appartenant à ses pupilles. Et il sera bientôt arrêté s’il ne peut pas le rembourser.

 Else se décide à aller voir Dorsday et lui explique les difficultés de sa famille. Il consent à ce prêt mais exigera, en échange, de pouvoir contempler la nudité de cette demoiselle dont il semble être amoureux. Se dévêtir devant un homme reviendrait-il à se libérer elle-même ? Else ne sait et réagit violemment. Elle y réfléchit, partagée entre la fidélité envers son père  et son désir d’émancipation. Que choisir ? Abandonner ce père à son destin ou bien se « prostituer »? Hésitant entre des désirs exhibitionnistes et l’envie d’en finir, entre aspiration à être aimée pour soi et espoir de se libérer de sa famille… Ambiguïtés du sentiment, mystère féminin, sexe et angoisse de la mort d’une femme hésitante, à la fois  innocente et audacieuse… autant de leitmotivs qui traversent l’œuvre singulière du célèbre écrivain autrichien…

 Nous suivons l’avancée progressive jusqu’à la fin de ce monologue intérieur, de la pensée d’Else, tiraillée entre la nécessité d’obéir aux injonctions familiales et l‘idée compulsive du suicide: «Rien ne presse. Cette promenade nue à travers la chambre est délicieuse. Suis-je aussi belle que dans la glace ? Approchez, belle demoiselle ; je veux baiser vos lèvres rouges, presser vos seins contre mes seins… Peut-être n’y a-t-il que nous au monde ? Il y a bien des télégrammes, des hôtels, des montagnes, des gares, des forêts. Mais il n’y a pas d’humains. Nous les rêvons c’est tout… Oh ! Je ne suis pas folle. Je suis émue simplement. Et c’est bien normal, quand on est sur le point de se réincarner. Car Else, l’autre est déjà morte. Sans absorber de véronal… »

 Après être descendue au salon, vêtue d’un seul manteau qu’elle ouvre devant le public, elle s’évanouira. On l’emporte; sa tante veut la faire interner mais la jeune endormie ne fait qu’entendre des voix. Alice Dufour excellente de sensibilité et d’énergie, a été nommée aux Molières 2019 dans la catégorie Révélation féminine pou son interprétation dans Le Canard à l’Orange. Habillée d’une robe en dentelle blanche, d’un châle en soie sombre et d’un manteau noir, coiffée d’un petit chapeau élégant, elle évolue avec grâce, dialoguant avec  l’image que lui renvoie son miroir et jouant des images-vidéo d’Olivier Simola. Une mise en scène réussie, conforme aux sous-entendus de l’œuvre d’Arthur Schnitzler. Avec les lumières de Jean-Pascal Pracht et la création sonore d’Emeric Renard pour les bruits feutrés de l’hôtel et des balles sur le court de tennis mais aussi pour les rires et conversations…

 Véronique Hotte

 Théâtre de Poche-Montparnasse, 75 boulevard du Montparnasse, Paris (VI ème). T. : 01 45 44 50 21.

Adieu Michael Lonsdale

Adieu Michael Lonsdale

C’était l’honneur de la profession… Il nous a quitté à quatre-vingt neuf ans. Nous l’avions tellement vu et aimé ce monstre de travail au théâtre comme au cinéma. Parmi les acteurs de son âge, c’était un peu comme s‘il faisait partie de notre famille et nous l’avions toujours connu. Jeune, puis dans la force de l’âge comme on dit, puis un peu moins mais toujours aussi attachant.. Et depuis pas mal d’années, il faisait aussi de la peinture.

Encore lycéens, nous allions déjà au théâtre: la chance d’habiter la banlieue, ou Paris même. Pourquoi Frank V de Friedrich Dürrenmatt? Peut-être en avait-on assez de ricaner à la Comédie-Française, et puis surtout, nous avions vu La Visite de la vieille dame du même auteur, mise en scène par Hubert Gignoux… une révélation.

© Michel André Archives Sud-Ouest

Nous voilà donc devant Frank V, l’histoire féroce et drôle d’une lignée de banquiers où, aux côtés de Jean-Roger Caussimon et Catherine Sauvage, des chanteurs-interprètes qu’on avait entendus à la radio, il y avait Tania Balachova, une petite dame aux cheveux blancs, vivace et pétillante. Et un grand jeune homme pas encore connu, un peu gauche, imposant: Michael Lonsdale… Jouait-il un personnage d’idiot ? On ne sait plus trop mais il avait une présence d’une telle densité, tranquille et inquiétante à la fois! Avec une voix douce, sans trop d’articulation mais parfaitement distincte, comme l’ont fait remarquer les critiques. Il inventait une façon de jouer unique et importante, à la fois détachée et profondément prenante.

Et quelques années plus tard en 1974,  il jouait à l’Espace Pierre Cardin dans La Chevauchée sur le lac de constance de Peter Handke, mise en scène par Claude Régy, avec Jeanne Moreau, un grand jeune homme blond alors inconnu, Gérard Depardieu. Et Delphine Seyrig (1932-1990) au visage et à la voix inoubliables à qui les jeunes actrices rêvaient de ressembler. Ce fut le seul grand amour de Michael Lonsdale: il le révélera beaucoup plus tard mais… elle n’était pas libre, amoureuse qu’elle était de Sami Frey, autre remarquable acteur… De ce spectacle exceptionnel, il nous reste quelques très belles images. Avec des acteurs verticaux, au-dessus de l’humanité, en strict costume noir et des actrices en robe du soir frémissantes de paillettes.  Tous habités de leur mystère.

La vie de Michael Lonsdale fait partie de l’histoire du théâtre contemporain et de notre histoire personnelle, à nous critiques. Et ce travailleur infatigable jouait en effet  souvent plusieurs pièces par an. Et avec les meilleurs… Souvenirs, souvenirs, nous l’avons vu si souvent et la liste des pièces où il a joué donne le vertige: L’Amante anglaise de Marguerite Duras en 1968, mise en scène par Claude Régy, l’année suivante, il enchaînait Comédie de Samuel Beckett, et Une Tempête d’après Shakespeare deux mises en scène de Jean-Marie Serreau puis  dans le années soixante dix, il retrouvait Claude Régy dans La Mère de S.I. Witkiewicz, Home de David Storey, Isma de Nathalie Sarraute,  puis L’Eden Cinéma de Marguerite Duras… C’est dire s’il connaissait bien les auteurs contemporains étrangers et français. Et il fit aussi une vingtaine de mises en scène dont en 88, au festival d’Avignon, La Vie mode d’emploi de Georges Perec.

Au cinéma, il incarna des dizaines de personnages (il incarna même un rôle méchant dans un James Bond!) et fut dirigé entre autres -excusez du peu- par Orson Welles, Joseph Losey, Louis Malle, Luis Bunuel, Jean-Pierre Mocky, Jean Eustache et François Truffaut dans Baisers volés où au moins là, il aura été marié avec Delphine Seyrig avec beaucoup de charme et d’humour. Une réplique savoureuse du marchand de chaussures au détective : «Personne ne m’aime et je voudrais savoir pourquoi. » Une phrase devenue culte et qui provoqua une intarissable vague d’amour pour l’acteur. Et il y a dix ans, il interprétait de façon remarquable,  le frère Luc  dans Des Hommes et des dieux de Xavier Beauvois.

© Nouvel Observateur

 Michael Lonsdale était aussi un catholique très engagé et, en 1988, il cofonda Magnificat, un Centre Artistique chrétien pour les artistes et Il participe à la Diaconie de la Beauté qui recouvre les engagements des différentes communautés au service de la charité pour les plus pauvres. Nous l’avions aussi entendu dire des textes et poèmes, en particulier pour chaque anniversaire de la mort de Jean Tardieu,  par Françoise Dax. Mais là, on le sentait souffrant, on avait mal pour lui de reconnaître cette voix que nous aimions, cette intelligence de la lecture bqui ne le quittait pas, dans une gorge irritée et une respiration difficile. On avait envie de lui dire : «Reposez-vous! »  Il se repose.

Adieu, Michael Lonsdale et merci pour tout ce que vous aurez apporté avec humilité sans jamais vous mettre en avant,  mais avec ténacité et une telle sensibilité au théâtre comme au cinéma contemporain…

 Philippe du Vignal

La Boxeuse amoureuse d’Arthur H, chorégraphie et danse de Marie-Agnès Gillot

La Boxeuse amoureuse d’Arthur H, chorégraphie et danse de Marie-Agnès Gillot

En 2018, le chanteur et pianiste sortait son neuvième album avec un titre-choc, dédié à sa mère et dénonçant les violences conjugales. Réalisé par Léonore Mercier, sa compagne, le clip de cette chanson où dansent Marie-Agnès Gillot, accompagnée du comédien Roschdy Zem, va connaître un grand succès.

Un spectacle d’une heure qui aurait dû être joué en mars dernier à l’auditorium de la Seine Musicale, à l’acoustique exceptionnelle réunit maintenant danseuse et musicien. Pour sa réouverture, la salle, transformée en ring de boxe, accueille ce concert chorégraphié et cette performance sportive.

Accompagnés par Nicolas Repac aux percussions,  et des sportifs : Souleymane Cissokho, champion de France de boxe,  Staiv Gentis et Tom Duquesnoy, Arthur H, impressionnant derrière son piano, chante avec une sincérité poignante et une belle musicalité. On assiste à un combat amoureux de Marie-Agnès Gillot dansant en fonction des morceaux de musique, entre les sportifs et le piano à queue.  Elle dit aussi des textes, en particulier sa lettre émouvante, écrite pendant le confinement et lue par Augustin Trapenard, le 30 avril à Lettres d’intérieur sur France-Inter (voir Le Théâtre du Blog). La danseuse concluait: «Mon doux, mon tendu, mon athlète, mon esthète et mon être. Mon cher corps. Je t’aime toujours. Attends-moi. Je reviens. » Elle est effectivement revenue et de belle manière…

Après cette lecture, Arthur H reprend cet Hymne à l’amour d’Edith Piaf qui évoque le passé de la chanteuse. Des moments pleins d’émotion avec, à la fin, la chanson qui donne son titre au spectacle : « Elle esquive les coups/La boxeuse amoureuse/Elle absorbe tout/La boxeuse amoureuse/Boum, boum, les uppercuts/Qui percutent son visage/Mais jamais elle ne cesse/ De danser, de danser/ Tomber ce n’est rien/Puisqu’elle se relève/Un sourire sur les lèvres/Un sourire sur les lèvres. » Cette soirée totalement réussie, que l’on peut revoir sur Arte.tv, a reçu les applaudissements d’un public, debout et heureux d’être revenu ici.

Jean Couturier

Spectacle joué les 21 et 22 septembre à l’auditorium de la Seine Musicale, Île Seguin, Boulogne-Billancourt (Hauts-de-Seine) T. : 01 74 34 54 00.

https://www.arte.tv/fr/videos/099862-000-A/la-boxeuse-amoureuse-d-arthur-h-et-marie-agnes-gillot/

 

Big Sisters, conception et chorégraphie de Théo Mercier et Steven Michel

 

© Erwan Fichou

Big Sisters, conception et chorégraphie de Théo Mercier et Steven Michel

En mars,, à la veille du confinement, nous avons découvert cette chorégraphie à Bonlieu-Scène Nationale d’Annecy, où cet artiste et metteur en scène présenta, en 2018, sa première pièce avec le danseur Steven Michel: Affordable Solution for better living  (voir Le Théâtre du Blog). Un spectacle qui leur valut le Lion d’Argent à la Biennale de la danse à Venise l’an passé. Leur nouvelle  création, pour quatre danseuses, qu’on pourrait sous-titrer Couteaux et Coquillages a vu sa tournée interrompue . Nous reproduisons ici notre article, à l’occasion de la reprogrammation de Big Sisters 

 « Elles disent la colère, la haine, la révolte. Elles disent enfer, que la terre soit comme un vaste enfer en détruisant en tuant, en portant le feu aux édifices des hommes, aux théâtres, aux assemblées nationales, aux musées, aux bibliothèques aux prisons, aux hôpitaux psychiatriques, aux usines anciennes et modernes… » Des phrases de bruit et de fureur, extraites des Guérillères *(1969) de Monique Wittig  et projetées en fond de scène. En même temps, s’installent de paisibles images dans un cône de lumière. Inspirés par ce long poème dramatique, les chorégraphes construisent une fresque féroce, une épopée de femmes rebelles, déesses déchues, sorcières échevelées, déchaînant leurs pouvoirs occultes trop longtemps bridés .

Une vieille femme aux seins multiples gît, inerte, comme une déesse-mère oubliée. S’éveillant d’un lointain passé, elle nourrit ses sœurs à sa mamelle et leur transmettra sa science enfouie dans les strates du temps. Lors d’une mue impressionnante, elle va, en tenue soldatesque, leur enseigner la force du sexe faible et une danse qui tue. Les trois jeunes filles délaisseront , pour de longs couteaux, leurs rondes virginales et les grands coquillages nacrés qu’elles portent en offrande..

 Périlleuses acrobaties, joutes sanglantes, rythmées par les sons étranges du compositeur Pierre Desprats. Eric Soyer a créé de belles découpes de lumière sur le plateau nu, et les costumes de Valérie Hellebaut mettent en valeur la féminité des interprètes, comme leurs corps à la garçonne. Elles ont entre vingt- trois et soixante-cinq ans, et de l’énergie à revendre.

« Nous dansons, car après tout c’est ce pour quoi nous nous battons : pour que continuent, pour que l’emportent, cette vie, ces corps, ces seins, ces ventres, cette odeur de la chair, cette joie, cette liberté », dit Starhawk, une militante éco-féministe américaine  à propos des  sorcières, dans son essai Rêver l’obscur : Femmes magie et politique*. C’est une autre référence des chorégraphes qui ont beaucoup lu pour construire Big Sisters. Une fois encore, Théo Mercier veut interroger les stéréotypes des représentations collectives, notamment en matière de genre. Par exemple dans Hybrides, le corps en question une exposition présentée au Palacio Bellas Artes de Mexico en  2018 ou Chercher le garçon, au MAC VAL de Vitry-sur-Seine en 2015.  Et son complice,  Steven Michel lui apporte sa maîtrise du mime, du cirque et des percussions, et surtout la rigueur de sa danse, acquise aux P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios), l’école d’Anne Teresa De Keersmaeker.

Certains passages, rigoureusement écrits, alternent avec des moments plus libres, issus d’improvisations. Rudesse et souplesse se conjuguent. Big sisters, avec des gestes guerriers ou maternels, questionne les regards, les fantasmes et les projections en jeu dans le représentation du féminin. Se mène ici un combat de libération dans l’air du temps. Selon Théo Mercier et Steven Michel : «Big sisters oscille entre bataille sanglante, rituel festif et célébration jouissive de l’énergie vitale, invitant chacun.e à prendre conscience de son pouvoir et à le mettre en œuvre. »

Laura Belgrano, Lili Buvat, Marie de Corte et Mimi Wascher, nos grandes sœurs, nous donnent l’énergie, le courage de poursuivre des luttes jamais vraiment gagnées. « Elles disent qu’elles ont la force du lion, la haine du tigre, la ruse du renard, la patience du chat, la persévérance du cheval, la ténacité du chacal. Elles disent qu’elles secoueront le monde comme la foudre et le tonnerre… » Ce spectacle troublant, en forme d’ode aux femmes, nous incite aussi à lire (ou relire) Monique Wittig (1935-2003), une théoricienne et militante féministe française qui, déjà en son temps, abordait la notion de genre…

 Mireille Davidovici

Du  21 au 25 octobre, à 17 heures en co-réalisation avec Nanterre-Amandiers  Centre Georges Pompidou, Place Georges Pompidou (Paris 4e) www.centrepompidou.fr/spectacles T. + 33 (0)1 44 78 12 33

18 novembre 2020, La Soufflerie, Rezé (Loire-Atlantique) ; 26-27 novembre  Maillon, Théâtre de Strasbourg – Scène Européenne, Strasbourg (Bas- Rhin)  ; 9 février, Maison de la culture, Amiens (Somme) ; 3 -6 mars 2021, Théâtre de Vidy-Lausanne, Lausanne Suisse ; 2 juin 2021, Theater Rotterdam, Pays-Bas

* Les Guérillères , de Monique Wittig, Editions de Minuit (2009)

**Femme magie et politique de Starhawk, éditions Les Empêcheurs de tourner en rond (2003

La toute première fois, un stage du Théâtre de l’Unité

La toute première fois, un stage du Théâtre de l’Unité

 

© J. Livchine

Artiste associé de Scènes-Vosges, l’Unité a présenté la saison d’une manière spéciale : pas question de parler des spectacles mais faire connaissance avec les artistes présents… Et avant de jouer deux anciennes créations comme le fameux 2.500 à l’heure et Les Chambres d’amour, le 29 octobre, l’Unité a mis en route ici un spectacle in situ sur deux week-ends. Avec d’abord la recherche d’un scénario: Jacques Livchine et Hervée de Lafond évoquent leurs cinquante ans de théâtre. Pour eux, l’expérience est inutile: «Quand on commence, c’est vraiment une toute première fois, on a quelques idées mais il va falloir les tester. On va chercher avec vous, nous croyons en l’intelligence collective. »

© x

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Avec vingt-six stagiaires de quinze à soixante-dix huit ans -il y a des absents- qui seront ensuite trente-sept. En guise d’échauffement, une série d’écritures à la Georges Perec: évoquer toute la généalogie de sa famille depuis son grand-père. Puis l’énoncer tous ensemble sur scène… Une cacophonie évidente, mais pas désagréable. C’est un chœur de noms et parfois un  stagiaire dit tout seul sa généalogie…

Liste des déménagements: sauf Sandra, quinze ans, la seule qui n’ait jamais déménagé parmi tous les stagiaires qui racontent ensemble,  puis un par un.. On continue dans Pérec : tous défilent en parlant de leurs plats préférés et/ou détestés… Et au top que donne Hervée de Lafond, le groupe hisse une personne en l’air qui déclare ses goûts. Ce sont des essais de jeu et de mise en scène mais bien sûr, tout ne sera pas gardé. On accumule simplement de la matière pour la construction finale.

Les stagiaires doivent ensuite essayer de raconter sa vie en deux minutes mais en la rendant magnifique et glorieuse! Sur un signal d’Hervée de Lafond, le chœur en ligne lance des ponctuations : « Hé hé. Oh oui, ah oui, ça c’est oui. » «Les vies, dit-elle, sont de vrais romans et sont toutes passionnantes. L’après-midi, sur le thème : les bancs de poissons, il faut inventer une chorégraphie; un groupe traverse le plateau et un stagiaire doit parler à l’avant-scène. Cela fonctionne. Puis travail sur la sincérité de chacun: tout doit être vrai. Puis le chœur apprend à scander des espèces de slogans. «Ce dont on ne peut parler, dit Valère Novarina, c’est ce qu’il faut dire. Et pour Anton Tchekhov : «La vie a filé, on dirait qu’elle n’a même pas commencé ! Ou « Tout finit par s’arranger, même mal ! » Mais là, le travail n’est pas encore vraiment convaincant…

©Vosges matin

Deuxième jour : affrontement de chœurs sur des thèmes d’actualité, style :vaccin anti-covid ou pas vaccin, la faute aux vieux, etc. Puis une chorégraphie sur une musique de Jean-Philippe Rameau inspirée par un spectacle qui a eu lieu à l’Opéra. Face à face, deux groupes ennemis doivent danser leur rage d’abord en groupe puis en solo. Face à face et d’abord silencieux, ils doivent rester agressifs, trouver des arguments. Il y a beaucoup d’humour dans ces affrontements et tous s’attaquent deux par deux, pour dire les plus grandes joies, les plus grandes douleurs. Cela fonctionne. Jacques  Livchine  filme la scène pour la mémoire…

Puis on passe aux interrogatoires personnels avec un chœur et trois auteurs de questions du style: «Qu’est-ce qui fait ta force ? As-tu vécu une situation embarrassante? Parle-moi de ton père !  Quelle est ta plus grande honte ? On interviewe un lycéen en seconde option théâtre. Puis Monique, une  éducatrice spécialisée et Céline assez émue, qui voudrait dire mais qui ne peut pas…

Nouvel exercice : faire des listes de premières fois… Une femme raconte ses premiers hauts talons de huit centimètres. Puis c’est la première fois:  que j’ai fait du stop, que j’ai fumé une cigarette, que j’ai pris l’avion, que j’ai fait des meringues, que je suis montée sur les planches… Gaby raconte: « J’ai seize ans, c’est mon premier vélo : mon père me l’offre car je dois être facteur. »

Pour conclure ces deux jours, tout le monde s’assied en rond et Jacques Livchine lance des thèmes, la parole tourne, tout le monde répond: «Vos maladies? Vos salaires? Avez vous déjà volé? Etc. Enfin question plus intime: combien de partenaires sexuels ? Cela va de 0 à 54.  Evidemment tout le monde rit. Fin de cette première session: Hervée de Lafond et Jacques Livchine se félicitent de l’investissement de chaque stagiaire… Une expérience peu fréquente par les temps qui courent, avec des participants de  tout âge!

Edith Rappoport

Auditorium de la Louvière, Epinal (Vosges) les 19 et 20 septembre. Deuxième session : les 14 et 15 novembre et représentation à la Rotonde, Scène Vosges, Epinal (Vosges) le 17 novembre. T. : 03 29 65 98 58.