Ce matin, la neige

Ce matin, la neige, de Françoise du Chaxel

 9782842604219fs.jpg  La neige d’un matin d’hiver fait resurgir des images du passé… Le 3 septembre 1939, la France déclare la guerre à l’Allemagne. Anna, fille d’Alsace, est forcée par les autorités françaises de quitter Strasbourg avec ses parents pour s’exiler à Périgueux, en Dordogne. C’est pour l’adolescente l’occasion d’une rencontre avec une famille de paysans inconnus, dans une région qui lui est étrangère jusque dans sa langue, et, surtout, avec la guerre, qui fait grandir les enfants…Après Le Monologue d’Anna en 2007 dans 25 petites pièces d’auteur. ( Editions Théâtrales) Françoise du Chaxel revient au texte et l’enrichit d’une seconde voix, celle de Thomas, le fils des fermiers qui ont accueilli la jeune fille et ses parents.
Le livre nous donne également une troisième version, dans laquelle les deux voix s’entrecroisent et qui fut créée pour la scène en collaboration avec la metteuse en scène Sylvie Ollivier, qui a déjà travaillé avec Françoise du Chaxel pour
Des traces d’absence sur le chemin. Version qui a fait l’objet de représentations en Dordogne, en janvier. En marge du texte, Françoise du Chaxel nous confie l’histoire de l’oeuvre, et Sylvie Ollivier la perspective qu’elle a suivie dans sa mise en scène.
Le récit, simple, nous parle de l’exil, de l’engagement, de la manière dont deux adolescents confrontés à l’Histoire vont peu à peu se construire une identité. Les jeunes gens qui se lancent dans la résistance, Thomas qui admire Anna tout de suite et la regarde les yeux pleins d’amour, Anna qui ne lui renvoie que de l’indifférence, c’est peut-être un peu trop prévisible … Mais c’est cette simplicité qui permet au texte de trouver le chemin le plus court jusqu’au cœur. La mise en page fait résonner chaque ligne dans l’esprit du lecteur et entraîne son imagination.
L’écriture, rythmée, nous plonge au cœur des événements. Elle nous implique.Comme le dit Sylvie Ollivier : « L’écriture de Françoise du Chaxel, partition rigoureuse nourrie du réel et des bruits du monde, nous renvoie à nous-mêmes et à notre propre histoire, à nos exils et à nos guerres, à l’humain. ». Françoise du Chaxel sait parler des adolescents, elle sait rendre les premiers soubresauts d’un âge impulsif. On redécouvre avec eux l’Occupation et la Résistance, confrontés qu’ils sont à la nécessité de choisir, de s’engager, de prendre part à une lutte devenue inévitable, de faire face à la mort, enfin. Ces deux destins à la fois familiers et lointains nous prennent à la gorge et, comme Thomas, on se sent « grandir d’un coup ».Un de ces livres qu’on ne lâche pas des yeux et qui vous fait comme un pli au cœur.
À conseiller à tous , en particulier aux professeurs et à leurs élèves.

Elise Blanc

 Editions Théâtrales.12€

 

 


Archives pour la catégorie analyse de livre

Grand Ecart

Grand Ecart de Stephen Belder, traduction de Lucie Tiberghien mise en scène Benoit Lavigne.

La pièce traduite de l’auteur américain Stephen Belder ( qui est aussi scénariste de cinéma et de télévision) avait été créée à Broadway en 2004 sous le titre de Match. Avant qu’elle ne quitte l’affiche parisienne, cela valait quand même le coup d’y aller voir, histoire de ne pas oublier nos lecteurs de province ou comme on dit maintenant,  des régions.
Toby joué par Thierry Lhermitte est un chorégraphe américain reconnu , maintenant âgé qui a vécu les utopies artistiques et la libération sexuelle des années 60-70. Il a un genou en mauvais état et et ne danse plus, même s’il continue à donner des cours. Il reçoit chez lui Lisa ( Valérie Karsenti), et son mari Mike ( François Feroleto).
Elle est venue lui demander les informations dont elle a besoin ; elle prépare en effet une thèse sur la chorégraphie classique aux Etats-Unis; en fait, on va vite s’apercevoir que sa visite a un tout autre but et qu’elle est davantage intéressée par la sexualité et les mœurs des années 60-70 , et en particulier par la vie personnelle de Toby..
Sans dévoiler le véritable motif de cette rencontre qui constitue le nœud central de la pièce, du dialogue entre ces trois personnages, vont naître des réflexions sur la difficulté de combiner un engagement artistique de danseur et un engagement personnel dans sa vie privée. Faut-il vraiment réussir sa vie d’artiste au détriment de sa vie d’homme ? Benoit Lavigne qui avait mis en scène non sans talent Baby Doll de Tenessee Williams( voir Le Théâtre du Blog ) nous transporte sans effort dans un appartement new yorkais de vieux célibataire, et a su diriger ses comédiens, tout en leur laissant une belle liberté de jeu.
Thierry Lhermitte bien entouré, est tout à fait convaincant dans ce rôle d’artiste un peu désabusé et pas très à l’aise, qui est peut être passé à côté de sa vie. Tsilla Chelton, son professeur de théâtre – et celle des comédiens du Théâtre du Splendid- peut être fière de son élève qui a, à son actif,  plus d’une centaine de films ( dont le célébrissime Le Père Noël est une ordure ) et qui revient au théâtre ; la pièce n’est peut-être pas aussi merveilleuse et inspirée qu’il le prétend mais, en tout cas,il réussit à incarner ce chorégraphe âgé avec beaucoup de vérité et de nuances.
La pièce semble avoir été quelque peu rabotée pour tenir les quelques soixante dix minutes accordées avant la seconde pièce de la soirée mais bon, le spectacle est tout à fait visible!

Jean Couturier

Théâtre de la Madeleine à 19 heures jusqu’au 31 décembre ; la soirée de réveillon pour les meilleures places est à 62 euros ou si vous préférez le carré Or, c’est 77 euros ( soit un euro environ la minute) : voilà vous êtes prévenus mais  la pièce part en tournée un peu partout en France….

 

http://www.dailymotion.com/video/xfmd8n

Bouvard et Pécuchet

  Bouvard et Pécuchet, Le livre de l’inquiétude, adaptation théâtrale d’après Bouvard et Pécuchet  de Gustave Flaubert par  Brigitte Remer.

9782296128422j.jpg  Comme le dit dans la préface Eduardo Manet, qui lit ce roman de nos jours, à part les élèves des classes secondaires et universitaires? Et il  ajoute, non sans ironie: sauf si le programme l’exige… Effectivement, le texte  reste très ancré dans une époque qui n’est plus du tout la nôtre, malgré des dialogues savoureux qu’avait si bien mis en scène en 1989, le réalisateur Jean-Daniel Verhaeghe avec  Jean-Pierre Marielle et Jean Carmet.
    Ce roman, qui n’en est pas vraiment un,  est l’histoire de Bouvard et Pécuchet qui s’étaient rencontrés un jour de plein été près du canal Saint-Martin et s’étaient vite liés d’amitié. Drôle de couple que ces deux petits employés, copistes, un peu Laurel et Hardy, pas très finauds, dont la vie terne va basculer tout d’un coup: Bouvard  fait un héritage inattendu d’un oncle qui était en fait son véritable père, ce qui va lui permettre de vivre confortablement d’une rente le restant de sa vie!
Il décide alors d’embarquer Pécuchet dans une drôle d’aventure: l’achat d’une ferme dans le Calvados qu’ils vont exploiter , un peu comme Rimbaud et  Verlaine. Comme ils ne connaissent rien à l’agriculture et sont quand même assez prétentieux, ils vont aller d’échec en échec, de désillusion en désillusion, que ce soit pour l’élevage, la culture des melons,les arbres fruitiers, la plantation d’arbres comme Le lilas des Indes ou l’Eucalyptus inadaptés au climat, ou la mise en conserve, la distillation …avec un alambic qui explose! Naïfs, ils ne connaissent aucune limite et vont être la risée des paysans du coin! Ils vont même  jouer aux médecins en prescrivant des traitements farfelus.

   Ce qui ne les empêche pas de discuter sans arrêt politique, sentiments amoureux, spiritisme, religion,éducation et même esthétique: « Le beau est le beau et le sublime est le très beau  » déclare péremptoirement Bouvard.Ils comprendront,  mais un peu tard, que leur grande bêtise continuera à leur jouer des tours, s’ils ne jettent pas l’éponge et ils  décident alors d’aller retrouver leur travail de copiste…
Brigitte Remer s’est emparée du meilleur de ces dialogues et les a installés en dix courts chapitres, à partir du moment où ils se retrouvent à Chavignolles, et elle a bien su rendre le côté baba-cool avant la lettre de ces deux  Parisiens qui se sont aventurés dans un univers  qui n’est pas le leur et qui va leur révéler leur profonde bêtise. Flaubert lui avait déjà mâché le travail en écrivant des dialogues qui demandent un auditoire pour être  perçus à leur juste mesure. Mais elle a su resserrer les boulons d’un texte parfois un peu bavard comme le remarque Eduardo Manet, et les dialogues finement ciselés, deviennent souvent très durs,  à la limite de l’absurde. Et la dernière scène semble déjà préfigurer  En attendant Godot.

  Cette adaptation, qui s’attache à rendre la personnalité de ces deux petits employés assez pathétiques, devrait intéresser plus d’un metteur en scène. Reste à trouver des comédiens , de la trempe d’un François Morel ou d’un Olivier Saladin  ( des Deschiens) par exemple,  capables d’incarner toute cette sottise humaine.
  Petite remarque au passage:les éditions de l’Harmattan devraient faire appel à un relecteur: le texte est bourré de fautes de frappe…Et c’est dommage.

Philippe du Vignal

Editions de L’Harmattan, 11 euros.
 

Polnopolunie

Polnopolunie de Vladimir Mishukov

slavavladimirmishukovdemocraticbookspaulsen.jpg « Presque sans mots. Un regard. Un geste. Une pause. Un chuchotement. Un cri. Toujours dans la cible. En plein cœur. Tu te sens idiot. Confus, heureux. Emerveillé. En salle, parmi les spectateurs. A la maison, seul. Au bord de la rivière. Au jardin. La joie, il la répand sur tous. La tristesse, il la contient. En son cœur. Comme un clown », Voilà le seul texte du livre de photos qui nous fait découvrir le monde de Slava. Au fil des pages, de belles photos couleurs ou noir et blanc nous transportent sur scène, dans les coulisses de cette mythique création « Snowshow » ou chez Slava Polunie, dans son moulin jaune, près du Grand Morin en Seine-et-Marne.
Les images les plus émouvantes sont celles des regards des spectateurs, encore sous l’émotion du spectacle, et celles du rapport intime que ce clown jaune et rouge entretient avec la verte nature.
C’est  un beau livre pour réactiver notre mémoire de ce spectacle qui parcourt le monde depuis 20 ans, ou pour donner envie de le découvrir.

 Jean Couturier

 

Coédition Paulsen Democratic Book, Paris, novembre 2010, 176p, 30 euros

Dédicace du livre par Slava à la librairie du Globe 67 Bd Beaumarchais 75003 le samedi 4 décembre à 16h

« Slava’s Snowshow » du 15 décembre au 1er janvier au Théâtre des Célestins de Lyon

et du 27 au 30 décembre dans le cadre du festival Depayzarts 0810 811 877

voir article dans le Théâtre du blog du 9 novembre 2009.

 

Passant par la Russie

Passant par la Russie, de Denis Lavant

 

img2903.jpg  Denis Lavant propose au lecteur, un double voyage, poétique et terrestre dans les grands espaces de la Russie intemporelle. A 49 ans,  il a fréquenté tous les plateaux de cinéma, qui le fait connaître au grand public, avec en particulier Boy Meets Girl, Mauvais Sang, et Les Amants du Pont-Neuf de Léos Carax, et  il n’a cessé de jouer au théâtre.
Son chemin croise de nombreux metteurs en scène depuis 1983 comme Antoine Vitez, Mathias Langhoff, Benard Sobel, Wladyslaw Znorko, Lucas Hemleb, Pierre Pradinas, Hans-Peter Clos etc…
Il nous invite à découvrir d’autres plateaux et d’autres artistes parfois distants d’une dizaine d’heures de train chacun, car c’est avec ce moyen de transport que ce pays se révèle. C’est à l’initiative de Nathalie Conio, ( qui a joué avec lui), directrice de l’Alliance Française de Samara et ancienne élève de la très bonne  Ecole du théâtre National de Chaillot, que cette aventure a débuté. L’idée initiale: représenter son spectacle poétique en russe et en français, en interaction avec des acteurs russes. Mais pas si simple à réaliser, les mentalités françaises et russes étant différentes.
Denis Lavant a ainsi joué en 2006 dans les théâtres des Alliances françaises de Rostov, Ekaterinbourg, Togliatti et Samara.  Et tout au long de ce voyage, il a pris des notes, qui  ont constitué un riche carnet de voyage. Le charme de la Volga qui borde Samara, ses izbas de bois en pleine ville, « construites toutes entières d’arbres, de la sève y coule toujours, elles sont chacune avec sa personnalité, de la mémoire vivante » l’accueil de ses habitants, et une belle complicité artistique, « Samara nous a ouvert ses bras sans concession dans un tel doux abandon à la jubilation » :le comédien. a été conquis. Une expérience inoubliable pour lui:  la découverte de la maison-théâtre de Nikolaï Koliada et sa troupe à Ekaterinbourg, dont le public parisien a pu partager le « Hamlet » aux ateliers Berthier en septembre dernier.
Tout au long de ce journal de voyage, nous croisons des écrivains français,:Victor Hugo, Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé ou Blaises Cendrars et nous découvrons des poètes russes, Essenine, Akhmatova, Khliebnikov, Tsvtaéva ou le chanteur Vissotski.
Cet acteur sensible, « venu d’ailleurs », à force de fréquenter les poètes, nous fait partager son amour de la Russie et brise ainsi les lieux communs qui lui sont associés en France, « Décidément une chose, même deux me plaisent infiniment dans l’esprit des gens ici ; une forme de franchise, une absence de malignité à la française ».Après ce voyage, Denis Lavant a probablement eu son âme d’artiste métamorphosée, «  Voici je repars vers la France que je ne connais plus, où  je ne suis pas sûr de me reconnaître » …

 

Jean Couturier

 

Edition Séguier Archimbaud, Paris 2010, 120p, 15 euros.
Denis Lavant joue « Le roi s’amuse » de Victor Hugo mise en scène François Rancillac au théâtre de l’Aquarium jusqu’au 12 décembre 2010. (Voir article du Théâtre du blog du 12/07/2010)

Du théâtre anglo-saxon

Du théâtre anglo-saxon

  laonziemecapitalecouv.jpgAux Editions Théâtrales,  c’est par les Anglo-Saxons que se renouvelle et s’enrichit le répertoire dramaturgique contemporain. En collaboration avec la maison Antoine Vitez  paraissent en effet deux nouveaux textes…  La Onzième Capitale, de la Britannique Alexandra Wood, est une pièce étrange composée de six tableaux. Chacun d’entre eux met en scène un couple différent : une voisine et une femme de ménage, des voleurs, des fonctionnaires, une fille et un garçon, une femme et un chauffeur, etc. ..
Mais tous ces personnages parlent d’un même individu mystérieux dont le portrait est ainsi dessiné en creux, et tous ont pour point commun des échanges ambigus : les relations entre les personnages sont éminemment suspectes et viciées, minées par le pouvoir, la paranoïa et la peur. Aussi prennent-elles souvent l’allure de rapports de dominants à dominés, ou de victimes à bourreaux. L’univers suggéré est celui d’un ordre moral militarisé et hiérarchique, dont l’atmosphère est pour oppressante et inquiétante. Une immersion dans l’ère du soupçon et de la violence d’un pays qui n’est jamais nommé.
lacartedutempscouv.jpgDans La Carte du temps, l’Américaine Naomi Wallace déroule une partition en trois tableaux (qu’elle nomme « visions ») plantés au Moyen-Orient.  Un état d’innocence met en scène une rencontre entre une palestinienne mère de famille, un jeune soldat et un vieil architecte israéliens dans un zoo à Rafat en Palestine. Petit à petit, les liens entre les différents personnages sourdent et l’on apprend qu’en fait, le soldat est un mort vivant. À cet opus sombre et fantastique en succède un autre,  aussi noir et onirique, Entre ce souffle et toi. Dans une clinique de Tel-Aviv, un père palestinien vient déranger une aide-soignante israélienne dans son travail jusqu’à la limite du harcèlement, comme s’il perdait la tête. On découvre que Mourid, fou de chagrin, ne cherche qu’à retrouver en Tanya son fils. Cette jeune femme, également en sursis, est une transplantée pulmonaire réchappée de la mucoviscidose, or il se trouve que le donneur  est le fils de Mourid. Et dans  Un monde (qui) s’efface, Ali, un jeune Irakien de 25 ans, vient nous parler de sa passion, la colombophilie. Un prétexte pour évoquer métaphoriquement son douloureux passé, les vicissitudes de sa famille, en somme son destin tragique sous le signe de la guerre et de l’embargo.
Dans une langue  poétique et imagée, Naomi Wallace dessine des visions qui ont la fulgurance de nouvelles, à la chute vertigineuse. La dramaturge offre un théâtre politique et placé sous le signe de l’engagement, qui n’exclut pas l’interrogation sur la nature humaine et ses contradictions.

Collection Répertoire contemporain: 

Alexandra Wood, La Onzième Capitale, traduction de Sarah Vermande,  64 p., 11 €
Naomi Wallace,
La Carte du temps, Trois visions du Moyen-Orient, traduction de Dominique Hollier,  64 p., 11 €.

 

Barbara Petit

 

 

 

 

De l’art en Avignon

De l’art en Avignon

couvterramarepetit.jpgAvignon, ce n’est pas seulement un célèbre festival! C’est aussi un haut lieu d’activité muséale, comme le rappelle la député maire Marie-Josée Roig: « Depuis 1947, le théâtre est dans les monuments mais aussi sous les cieux étoilés, en plein air, et les arts plastiques s’imposent sur les murs dépouillés par le temps de leurs fastueux décors médiévaux ».
Ainsi l’artiste catalan  de renommée internationale Miquel Barcelo est-il exposé au Palais des papes (après Picasso en 1970 !), au musée du Petit palais et à la Collection Lambert depuis le 27 juin, et ce jusqu’au 7 novembre 2010. L’artiste majorquin a déjà une fine connaissance de la cité des Papes, d’une part parce que Majorque, son île natale, est historiquement liée à Avignon, d’autre part parce qu’il y a créé pour le Festival en 2006 avec Josef Nadj un spectacle désormais légendaire, « Paso doble ».
À cette occasion, les éditions Actes Sud publient Terramare, Miquel Barcelo. Bien plus qu’un simple catalogue d’exposition, ce beau livre a été mûrement pensé et bien construit. Belles reproductions des bronzes, plâtres, céramiques, peintures et autres œuvres de Barcelo, mais aussi photos de ses ateliers, et des trésors gothiques de Majorque que l’artiste a souhaité exposer : reliquaires, statues, plats, peintures italiennes et provençales…  Par ailleurs, il comporte  un texte inédit du romancier Alberto Manguel, des commentaires d’historiens médiévistes, un entretien passionnant avec Éric Mézil, le commissaire d’exposition, sur son travail au quotidien, sa technique, ses passions, son amour pour la Méditerranée… et de superbes illustrations liées à l’histoire de la Cité des papes et à l’île de Majorque.
Un ouvrage enrichissant qui dépasse donc largement le cadre de la stricte exposition pour situer Barcelo dans le contexte plus large de l’héritage culturel et patrimonial de la cité avignonnaise. L’œuvre foisonnante et protéiforme d’un artiste érudit, dont on appréciera les dimensions historique, esthétique et littéraire, à Avignon ou bien en lisant ce  beau livre !

Barbara Petit

Terramare, Miquel Barcelo, Palais des papes, Petit palais, collection Lambert en Avignon, Actes Sud, 372 pages, 39 euros.

 

Le Radeau de la Méduse

Le Radeau de la Méduse ou le théâtre d’une peinture

    gericaultfr3d.jpgIl est toujours plaisant d’observer les résonances entre les différentes pratiques artistiques. À cet égard, le théâtre et la peinture paraissent en particulier intimement liés. Les deux superbes monographies qui viennent de paraître chez Phaïdon sur Géricault et Constable en attestent. De fait, les tableaux des grands maîtres, passionnant certains metteurs en scène, ont su offrir le décor, parfois même le sujet, de pièces de théâtre ou d’opéra. Et dans ce cadre, Le Radeau de la Méduse, avec son « écho métaphysique », parce qu’il est « une peinture d’histoire inspirée qui d’un événement contemporain qui associe le circonstanciel et l’intemporel, le particulier et l’universel », est très vite entré au rang des mythes de la culture visuelle moderne. Au sujet de ce chef-d’œuvre du peintre romantique, auquel pas moins de deux chapitres sont consacrés, Nina Athanassoglou-Kallmyer écrit d’ailleurs : « En avril 1839, le théâtre de l’Ambigu-Comique à Paris donnait la pièce de Charles Desnoyer et Adolphe d’Ennery « Le Naufrage de la Méduse » dans un décor de Philastre et Cambon d’après le tableau de Géricault (…) Des poèmes et d’autres pièces sur le naufrage tel que l’avait dépeint Géricault apparurent durant toute la monarchie et le second Empire ».
Et ce, sans cesse jusqu’aujourd’hui, pourrait-on ajouter. Entre autres exemples, citons l’auteur dramatique allemand Georg Kaiser qui compose Le Radeau de la Méduse au début des années 1940. Ou le metteur en scène polonais Tadeusz Kantor qui, dans son recueil de textes Le Théâtre de la mort, parle du Radeau de la Méduse dans le cadre d’un « happening marin ». Pour sa part, Roger Planchon mettait en scène en 1995 le Radeau de la Méduse au TNP de Villeurbanne. Et actuellement, au théâtre de la Bastille, le tableau de Géricault figure dans le décor du Tartuffe d’après Tartuffe de Gwenaël Morin. La liste est longue ! Il faut savoir gré à cette passionnante monographie de plonger au cœur de cette figure tourmentée du romantisme qui inspira de si nombreux artistes et fascina tant le public. Elle brosse le portrait non seulement d’un esthète ambitieux, exalté, en quête d’absolu et animé d’un feu ardent, mais aussi d’un homme ancré dans son époque et résolument engagé pour les causes qui lui semblaient chères.
Nina Athanassoglou-Kallmyer dresse fort à propos des ponts avec la littérature, l’histoire, les grands mouvements esthétiques et idéologiques en vigueur en France et en Europe. Avant de conclure à juste titre : « La figure de Géricault et son extraordinaire production artistique connurent un destin autonome. Devenus des symboles polyvalents, malléables à l’infini, ils servirent les causes les plus diverses, tant personnelles qu’artistiques et publiques ».

constablefr3d.jpgLa monographie consacrée à Constable rend elle aussi tout son prestige à l’artiste anglais du XIXe siècle qui initia la peinture en plein air bien avant les impressionnistes. C’est grâce à lui, le peintre de la campagne et de ses ouvriers agricoles au travail, que la peinture de paysage a pu sortir de son rang d’art mineur, bien loin derrière la peinture historique, le portrait et les scènes d’intérieur. Comme l’écrit Jonathan Clarkson : « « La Charrette de foin » ne montre pas seulement l’apparence du monde mais témoigne d’une compréhension des processus naturels et d’une vision de la société humaine ». Une perspective sociétale qui rapproche ses œuvres des enjeux de l’art théâtral. Et ainsi, les paysages classiques deviennent plus que des paysages : les tableaux de Constable, sous-tendus par des lignes directrices, avec leurs nombreux plans dignes d’une scénographie, transforment la peinture en une scène de théâtre où se dérouleraient les différentes actions d’une même intrigue. Enfin, on notera que Constable a influencé de nombreux artistes contemporains, comme Frank Auerbach et Lucian Freud…

L’automne est la rentrée de tous les rendez-vous artistiques !

Barbara Petit

Théodore Géricault, par Nina Athanassoglou-Kallmyer, éditions Phaïdon, 234 pages, 59,95 euros.

John Constable, par Jonathan Clarkson, éditions Phaïdon, 224 pages, 59,95 euros.

Splendid’s Jean Genet

Splendid’s suivi de « Elle »
Jean Genet

 

couv1.jpgCentenaire de Jean Genet oblige (en décembre, le poète aurait eu 100 ans), l’heure est à l’édition d’inédits et à la réédition de textes de l’auteur des Bonnes.Chez Gallimard, dans la collection « folio théâtre », on pourra découvrir Splendid’s suivi de « Elle », deux pièces posthumes pleines de ses obsessions sur l’exclusion et le sacré.

Dans la première, Splendid’s, sept truands (le gang La Rafale) coincés au septième étage d’un palace attendent l’assaut de la police. Ils ont pris en otage la fille d’un milliardaire, une jeune Américaine qu’ils tuent par erreur, et un policier qui retourne sa veste et passe dans leur camp. Deux soubresauts initiaux qui augurent leur déchéance et leur défaite. Mais auparavant, tandis qu’ils hésitent entre se rendre à la police ou mourir les armes à la main, ils règlent leurs comptes avec eux-mêmes.
Genet pose une nouvelle fois la question de l’identité et ses corollaires, l’image et le reflet. Dans une atmosphère pleine de menace et de malaise, les rôles s’explosent et les masquent tombent. On joue « à être les gangsters que nous n’avons jamais été », avoue Scott. Ou encore Bob qui déclare : « Monsieur est seul avec lui-même, Monsieur se mire dans son image (…) c’était difficile et pas drôle d’être obligé de ressemble à son image ».
L’apparence est bien au cœur de la pièce, avec les thèmes chers à l’auteur de l’ambigüité sexuelle (« Cette nuit, les gars, je deviens la fille qui mène le combat », annonce Bravo) et du travestissement (« Je passe du flic au gangster, je me retourne comme un gant, je vous montre l’envers du flic, gangster » dit le policier).
Pour seul contrepoint à leurs discours sur la gloriole (« je suis le caïd, j’ai le droit d’agir » proteste Jean) et la lâcheté (« Nous avons la pétoche (…) je suis lâche et je me vante de l’être », assène Bob), et unique lien avec le monde extérieur, la voix de la radio.
« Les enterrements des gangsters américains, vous en rêviez pour vous d’un pareil », lance Bob. Oui, Genet signe avec Splendids une tragédie, celle d’un monde cruel de petites frappes et de malfrats évoquant les films d’Audiard. Loin, bien loin de l’univers sacerdotal et irrévérencieux de « Elle ».
Cette seconde pièce relate la venue d’un photographe au Vatican pour prendre en photo le Pape, « Sa Sainteté ». Auparavant et après cette rencontre, il croise un huissier et un cardinal avec lesquels il engage la conversation au sujet de « Elle ». La pièce n’est pas dénuée de bouffonnerie : ici, dans les appartements pontificaux, « même les fauteuils sont truqués », le Pape est « le cul à l’air » et monté sur des patins à roulettes, le cardinal est revêtu d’une culotte courte pour aller à la pêche (d’ailleurs, « le Christ aussi était pêcheur », dit l’huissier)… Genet joue de son irrévérence, faisant s’exprimer le pape grossièrement : « Baptiste, apporte mon pot que je chie ». L’ancien enfant de chœur connaît le fétichisme du rituel catholique et manipule en virtuose la panoplie et le cérémonial qui l’accompagnent : le Pape possède un agneau « pour la légende, c’est le détail qui l’humanise et la rend accessible », il sait que ce sont les « hommages qui ont sacralisé sa personne ».
Pourtant, derrière le burlesque réside une interrogation sur l’identité et l’image, l’être et le paraître : le rôle du Pape n’est qu’une forme vide, l’homme qui existe derrière se sent dépersonnalisé. «  Toute ma vie, je n’aurais couru qu’après cette image (…) pour enfin m’y glisser, la revêtir, elle et ses accessoires, son escorte de faits et de gestes qui lui sont une traîne admirable. Mais pape ! Me voici Pape ! J’avais atteint l’image définitive ! »
Genet induit également une réflexion sur l’imposture, avec la capacité du corps à figurer une transcendance, un au-delà. Le Pape est-il encore une personne de chair et d’os : « on est de chair, de viande, d’humeurs », ou n’est-il plus que le représentant d’une fonction qui l’absorbe : «  je ne suis que pose puisque je suis le Pape » ? D’ailleurs, il avoue lui-même, au sujet des acteurs, « comme moi, c’est à une image définitive qu’ils se réfèrent ».Dans Splendid’s comme dans « Elle », les figures d’exclus aspirent à rejoindre l’humanité.

Les deux textes sont assortis d’une préface de l’éminent Michel Corvin et d’un dossier constituant un appareil critique très utile : outre une chronologie succincte mais efficace, des notices sur la genèse des textes et les manuscrits, les différentes mises en scène (Stanislas Nordey à Nanterre en 1995 pour Splendid’s, Maria Casarès dans « Elle » en 1990 à Gennevilliers…), une bibliographie très fournie et précise, et bien entendu, un ensemble de notes. Bref, un petit ouvrage incontournable pour parfaire sa connaissance de l’œuvre du dramaturge.

Barbara Petit

Splendid’s suivi de « Elle », Jean Genet, Gallimard, « Folio théâtre », 224 pages.

Le ravissement d’Adèle

Le ravissement d’Adèle de Rémi De Vos

  5306120659.jpgContrairement à ce que le titre pourrait suggérer, Le ravissement d’Adèle ne retrace pas l’histoire d’un ensorcèlement, mais celle, bien moins romantique, d’un rapt. Moins sulfureuse, certes, mais autrement plus savoureuse et truculente. Avec ce nouvel opus, le Flamand  Rémi De Vos signe  une comédie sociale tendre et satirique, dans la veine du Britannique Lee Hall.
La disparition d’une adolescente, Adèle, dont jusqu’au dénouement on ne saura s’il s’agissait d’une fugue ou d’un enlèvement, est le prétexte à l’immersion au cœur d’un  village de la France profonde. Et surtout, l’occasion de portraiturer d’une plume cinglante notre petite humanité et ses travers. Car le drame initial a évidemment des répercussions chez tous les habitants du village, du fonctionnaire de mairie au pilier de comptoir, du boucher au jardinier municipal….
Et chacun d’émettre  sa petite hypothèse, jusqu’à risquer même un lynchage collectif. C’est bien le langage et l’aura de ses possibilités qui est au centre du dispositif dramaturgique de Rémi De Vos. Comme dans cette question de la grand-mère qui choisit de mener une enquête parallèle : « Avez-vous remarqué quelque chose d’étrange chez quelqu’un que vous connaissez ou pas ? Que cette personne vous connaisse ou non n’a aucune importance ! »
Le ravissement d’Adèle
est un véritable texte de théâtre et Rémi De Vos manie en virtuose l’art de la réplique comme celui du rebondissement. Les situations les plus improbables s’enchaînent pour notre plus grand plaisir (voire l’altercation plus qu’épineuse entre une belle-mère et sa bru, ou le coup de foudre inopiné de l’inspecteur de police pour l’institutrice). La psychologie de chaque personnage est bien cernée mais jamais caricaturale, car si Rémi de Vos est volontiers satiriste, il n’est pas cynique. Ce qui l’intéresse, c’est l’humour et la jubilation dans les petites scènes qu’il sait si bien créer. Et petit à petit, les masques tombent…
Cette comédie villageoise piquante et aigre-douce ne devrait pas tarder à avoir autant de succès que les précédentes pièces de l’auteur, comme Sextett, Occident ou Alpenstock.
Signalons que Le ravissement d’Adèle a été créée durant en  2008 par  Pierre Guillois dans l’admirable théâtre du Peuple de Bussang. C’est sans doute la raison pour laquelle, en filigrane, on peut lire un certain discours social: « C’est pas la viande qui est trop chère,
dit le boucher, c’est les retraites qui sont pas assez élevées ».

 Barbara Petit

Actes Sud Papiers, 152 pages, 16 euros.

 

 

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