Polnopolunie

Polnopolunie de Vladimir Mishukov

« Presque sans mots. Un regard. Un geste. Une pause. Un chuchotement. Un cri. Toujours dans la cible. En plein cœur. Tu te sens idiot. Confus, heureux. Emerveillé. En salle, parmi les spectateurs. A la maison, seul. Au bord de la rivière. Au jardin. La joie, il la répand sur tous. La tristesse, il la contient. En son cœur. Comme un clown », Voilà le seul texte du livre de photos qui nous fait découvrir le monde de Slava. Au fil des pages, de belles photos couleurs ou noir et blanc nous transportent sur scène, dans les coulisses de cette mythique création « Snowshow » ou chez Slava Polunie, dans son moulin jaune, près du Grand Morin en Seine-et-Marne.
Les images les plus émouvantes sont celles des regards des spectateurs, encore sous l’émotion du spectacle, et celles du rapport intime que ce clown jaune et rouge entretient avec la verte nature.
C’est  un beau livre pour réactiver notre mémoire de ce spectacle qui parcourt le monde depuis 20 ans, ou pour donner envie de le découvrir.

 Jean Couturier

 

Coédition Paulsen Democratic Book, Paris, novembre 2010, 176p, 30 euros

Dédicace du livre par Slava à la librairie du Globe 67 Bd Beaumarchais 75003 le samedi 4 décembre à 16h

« Slava’s Snowshow » du 15 décembre au 1er janvier au Théâtre des Célestins de Lyon

et du 27 au 30 décembre dans le cadre du festival Depayzarts 0810 811 877

voir article dans le Théâtre du blog du 9 novembre 2009.

 

Passant par la Russie

Passant par la Russie, de Denis Lavant

 

  Denis Lavant propose au lecteur, un double voyage, poétique et terrestre dans les grands espaces de la Russie intemporelle. A 49 ans,  il a fréquenté tous les plateaux de cinéma, qui le fait connaître au grand public, avec en particulier Boy Meets Girl, Mauvais Sang, et Les Amants du Pont-Neuf de Léos Carax, et  il n’a cessé de jouer au théâtre.
Son chemin croise de nombreux metteurs en scène depuis 1983 comme Antoine Vitez, Mathias Langhoff, Benard Sobel, Wladyslaw Znorko, Lucas Hemleb, Pierre Pradinas, Hans-Peter Clos etc…
Il nous invite à découvrir d’autres plateaux et d’autres artistes parfois distants d’une dizaine d’heures de train chacun, car c’est avec ce moyen de transport que ce pays se révèle. C’est à l’initiative de Nathalie Conio, ( qui a joué avec lui), directrice de l’Alliance Française de Samara et ancienne élève de la très bonne  Ecole du théâtre National de Chaillot, que cette aventure a débuté. L’idée initiale: représenter son spectacle poétique en russe et en français, en interaction avec des acteurs russes. Mais pas si simple à réaliser, les mentalités françaises et russes étant différentes.
Denis Lavant a ainsi joué en 2006 dans les théâtres des Alliances françaises de Rostov, Ekaterinbourg, Togliatti et Samara.  Et tout au long de ce voyage, il a pris des notes, qui  ont constitué un riche carnet de voyage. Le charme de la Volga qui borde Samara, ses izbas de bois en pleine ville, « construites toutes entières d’arbres, de la sève y coule toujours, elles sont chacune avec sa personnalité, de la mémoire vivante » l’accueil de ses habitants, et une belle complicité artistique, « Samara nous a ouvert ses bras sans concession dans un tel doux abandon à la jubilation » :le comédien. a été conquis. Une expérience inoubliable pour lui:  la découverte de la maison-théâtre de Nikolaï Koliada et sa troupe à Ekaterinbourg, dont le public parisien a pu partager le « Hamlet » aux ateliers Berthier en septembre dernier.
Tout au long de ce journal de voyage, nous croisons des écrivains français,:Victor Hugo, Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé ou Blaises Cendrars et nous découvrons des poètes russes, Essenine, Akhmatova, Khliebnikov, Tsvtaéva ou le chanteur Vissotski.
Cet acteur sensible, « venu d’ailleurs », à force de fréquenter les poètes, nous fait partager son amour de la Russie et brise ainsi les lieux communs qui lui sont associés en France, « Décidément une chose, même deux me plaisent infiniment dans l’esprit des gens ici ; une forme de franchise, une absence de malignité à la française ».Après ce voyage, Denis Lavant a probablement eu son âme d’artiste métamorphosée, «  Voici je repars vers la France que je ne connais plus, où  je ne suis pas sûr de me reconnaître » …

 

Jean Couturier

 

Edition Séguier Archimbaud, Paris 2010, 120p, 15 euros.
Denis Lavant joue « Le roi s’amuse » de Victor Hugo mise en scène François Rancillac au théâtre de l’Aquarium jusqu’au 12 décembre 2010. (Voir article du Théâtre du blog du 12/07/2010)

Du théâtre anglo-saxon

Du théâtre anglo-saxon

  Aux Editions Théâtrales,  c’est par les Anglo-Saxons que se renouvelle et s’enrichit le répertoire dramaturgique contemporain. En collaboration avec la maison Antoine Vitez  paraissent en effet deux nouveaux textes…  La Onzième Capitale, de la Britannique Alexandra Wood, est une pièce étrange composée de six tableaux. Chacun d’entre eux met en scène un couple différent : une voisine et une femme de ménage, des voleurs, des fonctionnaires, une fille et un garçon, une femme et un chauffeur, etc. ..
Mais tous ces personnages parlent d’un même individu mystérieux dont le portrait est ainsi dessiné en creux, et tous ont pour point commun des échanges ambigus : les relations entre les personnages sont éminemment suspectes et viciées, minées par le pouvoir, la paranoïa et la peur. Aussi prennent-elles souvent l’allure de rapports de dominants à dominés, ou de victimes à bourreaux. L’univers suggéré est celui d’un ordre moral militarisé et hiérarchique, dont l’atmosphère est pour oppressante et inquiétante. Une immersion dans l’ère du soupçon et de la violence d’un pays qui n’est jamais nommé.
Dans La Carte du temps, l’Américaine Naomi Wallace déroule une partition en trois tableaux (qu’elle nomme « visions ») plantés au Moyen-Orient.  Un état d’innocence met en scène une rencontre entre une palestinienne mère de famille, un jeune soldat et un vieil architecte israéliens dans un zoo à Rafat en Palestine. Petit à petit, les liens entre les différents personnages sourdent et l’on apprend qu’en fait, le soldat est un mort vivant. À cet opus sombre et fantastique en succède un autre,  aussi noir et onirique, Entre ce souffle et toi. Dans une clinique de Tel-Aviv, un père palestinien vient déranger une aide-soignante israélienne dans son travail jusqu’à la limite du harcèlement, comme s’il perdait la tête. On découvre que Mourid, fou de chagrin, ne cherche qu’à retrouver en Tanya son fils. Cette jeune femme, également en sursis, est une transplantée pulmonaire réchappée de la mucoviscidose, or il se trouve que le donneur  est le fils de Mourid. Et dans  Un monde (qui) s’efface, Ali, un jeune Irakien de 25 ans, vient nous parler de sa passion, la colombophilie. Un prétexte pour évoquer métaphoriquement son douloureux passé, les vicissitudes de sa famille, en somme son destin tragique sous le signe de la guerre et de l’embargo.
Dans une langue  poétique et imagée, Naomi Wallace dessine des visions qui ont la fulgurance de nouvelles, à la chute vertigineuse. La dramaturge offre un théâtre politique et placé sous le signe de l’engagement, qui n’exclut pas l’interrogation sur la nature humaine et ses contradictions.

Collection Répertoire contemporain: 

Alexandra Wood, La Onzième Capitale, traduction de Sarah Vermande,  64 p., 11 €
Naomi Wallace, La Carte du temps, Trois visions du Moyen-Orient, traduction de Dominique Hollier,  64 p., 11 €.

 

Barbara Petit

 

 

 

 

De l’art en Avignon

De l’art en Avignon

Avignon, ce n’est pas seulement un célèbre festival! C’est aussi un haut lieu d’activité muséale, comme le rappelle la député maire Marie-Josée Roig: « Depuis 1947, le théâtre est dans les monuments mais aussi sous les cieux étoilés, en plein air, et les arts plastiques s’imposent sur les murs dépouillés par le temps de leurs fastueux décors médiévaux ».
Ainsi l’artiste catalan  de renommée internationale Miquel Barcelo est-il exposé au Palais des papes (après Picasso en 1970 !), au musée du Petit palais et à la Collection Lambert depuis le 27 juin, et ce jusqu’au 7 novembre 2010. L’artiste majorquin a déjà une fine connaissance de la cité des Papes, d’une part parce que Majorque, son île natale, est historiquement liée à Avignon, d’autre part parce qu’il y a créé pour le Festival en 2006 avec Josef Nadj un spectacle désormais légendaire, « Paso doble ».
À cette occasion, les éditions Actes Sud publient Terramare, Miquel Barcelo. Bien plus qu’un simple catalogue d’exposition, ce beau livre a été mûrement pensé et bien construit. Belles reproductions des bronzes, plâtres, céramiques, peintures et autres œuvres de Barcelo, mais aussi photos de ses ateliers, et des trésors gothiques de Majorque que l’artiste a souhaité exposer : reliquaires, statues, plats, peintures italiennes et provençales…  Par ailleurs, il comporte  un texte inédit du romancier Alberto Manguel, des commentaires d’historiens médiévistes, un entretien passionnant avec Éric Mézil, le commissaire d’exposition, sur son travail au quotidien, sa technique, ses passions, son amour pour la Méditerranée… et de superbes illustrations liées à l’histoire de la Cité des papes et à l’île de Majorque.
Un ouvrage enrichissant qui dépasse donc largement le cadre de la stricte exposition pour situer Barcelo dans le contexte plus large de l’héritage culturel et patrimonial de la cité avignonnaise. L’œuvre foisonnante et protéiforme d’un artiste érudit, dont on appréciera les dimensions historique, esthétique et littéraire, à Avignon ou bien en lisant ce  beau livre !

Barbara Petit

Terramare, Miquel Barcelo, Palais des papes, Petit palais, collection Lambert en Avignon, Actes Sud, 372 pages, 39 euros.

 

Le Radeau de la Méduse

Le Radeau de la Méduse ou le théâtre d’une peinture

    Il est toujours plaisant d’observer les résonances entre les différentes pratiques artistiques. À cet égard, le théâtre et la peinture paraissent en particulier intimement liés. Les deux superbes monographies qui viennent de paraître chez Phaïdon sur Géricault et Constable en attestent. De fait, les tableaux des grands maîtres, passionnant certains metteurs en scène, ont su offrir le décor, parfois même le sujet, de pièces de théâtre ou d’opéra. Et dans ce cadre, Le Radeau de la Méduse, avec son « écho métaphysique », parce qu’il est « une peinture d’histoire inspirée qui d’un événement contemporain qui associe le circonstanciel et l’intemporel, le particulier et l’universel », est très vite entré au rang des mythes de la culture visuelle moderne. Au sujet de ce chef-d’œuvre du peintre romantique, auquel pas moins de deux chapitres sont consacrés, Nina Athanassoglou-Kallmyer écrit d’ailleurs : « En avril 1839, le théâtre de l’Ambigu-Comique à Paris donnait la pièce de Charles Desnoyer et Adolphe d’Ennery « Le Naufrage de la Méduse » dans un décor de Philastre et Cambon d’après le tableau de Géricault (…) Des poèmes et d’autres pièces sur le naufrage tel que l’avait dépeint Géricault apparurent durant toute la monarchie et le second Empire ».
Et ce, sans cesse jusqu’aujourd’hui, pourrait-on ajouter. Entre autres exemples, citons l’auteur dramatique allemand Georg Kaiser qui compose Le Radeau de la Méduse au début des années 1940. Ou le metteur en scène polonais Tadeusz Kantor qui, dans son recueil de textes Le Théâtre de la mort, parle du Radeau de la Méduse dans le cadre d’un « happening marin ». Pour sa part, Roger Planchon mettait en scène en 1995 le Radeau de la Méduse au TNP de Villeurbanne. Et actuellement, au théâtre de la Bastille, le tableau de Géricault figure dans le décor du Tartuffe d’après Tartuffe de Gwenaël Morin. La liste est longue ! Il faut savoir gré à cette passionnante monographie de plonger au cœur de cette figure tourmentée du romantisme qui inspira de si nombreux artistes et fascina tant le public. Elle brosse le portrait non seulement d’un esthète ambitieux, exalté, en quête d’absolu et animé d’un feu ardent, mais aussi d’un homme ancré dans son époque et résolument engagé pour les causes qui lui semblaient chères.
Nina Athanassoglou-Kallmyer dresse fort à propos des ponts avec la littérature, l’histoire, les grands mouvements esthétiques et idéologiques en vigueur en France et en Europe. Avant de conclure à juste titre : « La figure de Géricault et son extraordinaire production artistique connurent un destin autonome. Devenus des symboles polyvalents, malléables à l’infini, ils servirent les causes les plus diverses, tant personnelles qu’artistiques et publiques ».

La monographie consacrée à Constable rend elle aussi tout son prestige à l’artiste anglais du XIX^e siècle qui initia la peinture en plein air bien avant les impressionnistes. C’est grâce à lui, le peintre de la campagne et de ses ouvriers agricoles au travail, que la peinture de paysage a pu sortir de son rang d’art mineur, bien loin derrière la peinture historique, le portrait et les scènes d’intérieur. Comme l’écrit Jonathan Clarkson : « « La Charrette de foin » ne montre pas seulement l’apparence du monde mais témoigne d’une compréhension des processus naturels et d’une vision de la société humaine ». Une perspective sociétale qui rapproche ses œuvres des enjeux de l’art théâtral. Et ainsi, les paysages classiques deviennent plus que des paysages : les tableaux de Constable, sous-tendus par des lignes directrices, avec leurs nombreux plans dignes d’une scénographie, transforment la peinture en une scène de théâtre où se dérouleraient les différentes actions d’une même intrigue. Enfin, on notera que Constable a influencé de nombreux artistes contemporains, comme Frank Auerbach et Lucian Freud…

L’automne est la rentrée de tous les rendez-vous artistiques !

Barbara Petit

Théodore Géricault, par Nina Athanassoglou-Kallmyer, éditions Phaïdon, 234 pages, 59,95 euros.

John Constable, par Jonathan Clarkson, éditions Phaïdon, 224 pages, 59,95 euros.

Splendid’s Jean Genet

Splendid’s suivi de « Elle »
Jean Genet

 

Centenaire de Jean Genet oblige (en décembre, le poète aurait eu 100 ans), l’heure est à l’édition d’inédits et à la réédition de textes de l’auteur des Bonnes.Chez Gallimard, dans la collection « folio théâtre », on pourra découvrir Splendid’s suivi de « Elle », deux pièces posthumes pleines de ses obsessions sur l’exclusion et le sacré.

Dans la première, Splendid’s, sept truands (le gang La Rafale) coincés au septième étage d’un palace attendent l’assaut de la police. Ils ont pris en otage la fille d’un milliardaire, une jeune Américaine qu’ils tuent par erreur, et un policier qui retourne sa veste et passe dans leur camp. Deux soubresauts initiaux qui augurent leur déchéance et leur défaite. Mais auparavant, tandis qu’ils hésitent entre se rendre à la police ou mourir les armes à la main, ils règlent leurs comptes avec eux-mêmes.
Genet pose une nouvelle fois la question de l’identité et ses corollaires, l’image et le reflet. Dans une atmosphère pleine de menace et de malaise, les rôles s’explosent et les masquent tombent. On joue « à être les gangsters que nous n’avons jamais été », avoue Scott. Ou encore Bob qui déclare : « Monsieur est seul avec lui-même, Monsieur se mire dans son image (…) c’était difficile et pas drôle d’être obligé de ressemble à son image ».
L’apparence est bien au cœur de la pièce, avec les thèmes chers à l’auteur de l’ambigüité sexuelle (« Cette nuit, les gars, je deviens la fille qui mène le combat », annonce Bravo) et du travestissement (« Je passe du flic au gangster, je me retourne comme un gant, je vous montre l’envers du flic, gangster » dit le policier).
Pour seul contrepoint à leurs discours sur la gloriole (« je suis le caïd, j’ai le droit d’agir » proteste Jean) et la lâcheté (« Nous avons la pétoche (…) je suis lâche et je me vante de l’être », assène Bob), et unique lien avec le monde extérieur, la voix de la radio.
« Les enterrements des gangsters américains, vous en rêviez pour vous d’un pareil », lance Bob. Oui, Genet signe avec Splendids une tragédie, celle d’un monde cruel de petites frappes et de malfrats évoquant les films d’Audiard. Loin, bien loin de l’univers sacerdotal et irrévérencieux de « Elle ».
Cette seconde pièce relate la venue d’un photographe au Vatican pour prendre en photo le Pape, « Sa Sainteté ». Auparavant et après cette rencontre, il croise un huissier et un cardinal avec lesquels il engage la conversation au sujet de « Elle ». La pièce n’est pas dénuée de bouffonnerie : ici, dans les appartements pontificaux, « même les fauteuils sont truqués », le Pape est « le cul à l’air » et monté sur des patins à roulettes, le cardinal est revêtu d’une culotte courte pour aller à la pêche (d’ailleurs, « le Christ aussi était pêcheur », dit l’huissier)… Genet joue de son irrévérence, faisant s’exprimer le pape grossièrement : « Baptiste, apporte mon pot que je chie ». L’ancien enfant de chœur connaît le fétichisme du rituel catholique et manipule en virtuose la panoplie et le cérémonial qui l’accompagnent : le Pape possède un agneau « pour la légende, c’est le détail qui l’humanise et la rend accessible », il sait que ce sont les « hommages qui ont sacralisé sa personne ».
Pourtant, derrière le burlesque réside une interrogation sur l’identité et l’image, l’être et le paraître : le rôle du Pape n’est qu’une forme vide, l’homme qui existe derrière se sent dépersonnalisé. «  Toute ma vie, je n’aurais couru qu’après cette image (…) pour enfin m’y glisser, la revêtir, elle et ses accessoires, son escorte de faits et de gestes qui lui sont une traîne admirable. Mais pape ! Me voici Pape ! J’avais atteint l’image définitive ! »
Genet induit également une réflexion sur l’imposture, avec la capacité du corps à figurer une transcendance, un au-delà. Le Pape est-il encore une personne de chair et d’os : « on est de chair, de viande, d’humeurs », ou n’est-il plus que le représentant d’une fonction qui l’absorbe : «  je ne suis que pose puisque je suis le Pape » ? D’ailleurs, il avoue lui-même, au sujet des acteurs, « comme moi, c’est à une image définitive qu’ils se réfèrent ».Dans Splendid’s comme dans « Elle », les figures d’exclus aspirent à rejoindre l’humanité.

Les deux textes sont assortis d’une préface de l’éminent Michel Corvin et d’un dossier constituant un appareil critique très utile : outre une chronologie succincte mais efficace, des notices sur la genèse des textes et les manuscrits, les différentes mises en scène (Stanislas Nordey à Nanterre en 1995 pour Splendid’s, Maria Casarès dans « Elle » en 1990 à Gennevilliers…), une bibliographie très fournie et précise, et bien entendu, un ensemble de notes. Bref, un petit ouvrage incontournable pour parfaire sa connaissance de l’œuvre du dramaturge.

Barbara Petit

Splendid’s suivi de « Elle », Jean Genet, Gallimard, « Folio théâtre », 224 pages.

Le ravissement d’Adèle

Le ravissement d’Adèle de Rémi De Vos

  Contrairement à ce que le titre pourrait suggérer, Le ravissement d’Adèle ne retrace pas l’histoire d’un ensorcèlement, mais celle, bien moins romantique, d’un rapt. Moins sulfureuse, certes, mais autrement plus savoureuse et truculente. Avec ce nouvel opus, le Flamand  Rémi De Vos signe  une comédie sociale tendre et satirique, dans la veine du Britannique Lee Hall.
La disparition d’une adolescente, Adèle, dont jusqu’au dénouement on ne saura s’il s’agissait d’une fugue ou d’un enlèvement, est le prétexte à l’immersion au cœur d’un  village de la France profonde. Et surtout, l’occasion de portraiturer d’une plume cinglante notre petite humanité et ses travers. Car le drame initial a évidemment des répercussions chez tous les habitants du village, du fonctionnaire de mairie au pilier de comptoir, du boucher au jardinier municipal….
Et chacun d’émettre  sa petite hypothèse, jusqu’à risquer même un lynchage collectif. C’est bien le langage et l’aura de ses possibilités qui est au centre du dispositif dramaturgique de Rémi De Vos. Comme dans cette question de la grand-mère qui choisit de mener une enquête parallèle : « Avez-vous remarqué quelque chose d’étrange chez quelqu’un que vous connaissez ou pas ? Que cette personne vous connaisse ou non n’a aucune importance ! »
Le ravissement d’Adèle est un véritable texte de théâtre et Rémi De Vos manie en virtuose l’art de la réplique comme celui du rebondissement. Les situations les plus improbables s’enchaînent pour notre plus grand plaisir (voire l’altercation plus qu’épineuse entre une belle-mère et sa bru, ou le coup de foudre inopiné de l’inspecteur de police pour l’institutrice). La psychologie de chaque personnage est bien cernée mais jamais caricaturale, car si Rémi de Vos est volontiers satiriste, il n’est pas cynique. Ce qui l’intéresse, c’est l’humour et la jubilation dans les petites scènes qu’il sait si bien créer. Et petit à petit, les masques tombent…
Cette comédie villageoise piquante et aigre-douce ne devrait pas tarder à avoir autant de succès que les précédentes pièces de l’auteur, comme Sextett, Occident ou Alpenstock.
Signalons que Le ravissement d’Adèle a été créée durant en  2008 par  Pierre Guillois dans l’admirable théâtre du Peuple de Bussang. C’est sans doute la raison pour laquelle, en filigrane, on peut lire un certain discours social: « C’est pas la viande qui est trop chère, dit le boucher, c’est les retraites qui sont pas assez élevées ».

 Barbara Petit

Actes Sud Papiers, 152 pages, 16 euros.

 

 

Le Goût de l’Opéra

Le Goût de l’Opéra

Textes choisis et présentés par Sandrine Fillipetti

Qu’est-ce que l’opéra ? « L’art de corrompre les cœurs par des chants lascifs et par des spectacles agréables : (…) Les spectacles de l’opéra sont bien contraires à ceux de l’Église, pernicieux aux bonnes mœurs et féconds en mauvais exemples : ou sous prétexte de représentations et de musiques, on excite les passions les plus dangereuses, et par des récits profanes et des manières indécentes, on offense la vertu des uns et l’on corrompt celle des autres ». Voilà qui est lancé. Et Richard Wagner ? « L’artiste de la décadence (…), une névrose (…) qui rend malade tout ce qu’il touche. (…) Dans son art, on trouve mêlé de la manière de la manière la plus troublante ce que le monde recherche le plus ardemment aujourd’hui : ces trois grands stimulants des épuisés que sont la brutalité, l’artifice et la naïveté (l’idiotie). » Ces jugements impitoyables de Louis Ladvocat et Friedrich Nietzsche montrent à quel point l’opéra suscite des réactions passionnées.

Tempéraments à fleur de peau, fins connaisseurs aux opinions tranchées, sensibilités exacerbées, fous furieux enflammés ou simples amateurs enthousiastes, tous se retrouvent dans cette petite mais riche et précieuse anthologie intitulée bien à propos Le Goût de l’Opéra. Oui, c’est bien de goût dont il s’agit, dans ces spectacles sollicitant les sens pour les délecter… ou les décevoir, parfois.

L’ouvrage regroupe des textes de compositeurs, d’écrivains (dramaturges), librettistes, musicologues, organisés de manière chronologique : « âge classique », « âge d’or », « époque moderne ». Ainsi verra-t-on s’exprimer tour à tour Rousseau, Bellini, Berlioz, Saint-Saëns, Proust, Schoenberg, et bien d’autres, jusqu’au jeune Pascal Dusapin, qui a travaillé avec Olivier Cadiot. Parti pris, récit d’échecs ou de succès, vindicte personnelle ou fait divers, propos mûrement réfléchi, les petits passages ici rassemblés sont aussi variés dans leur forme que sur le fond. Mais tous ont pour point commun cette affection pour l’opéra, qui s’exprime comme un bouillonnement intérieur ou une fièvre ardente.

D’ailleurs, hier comme aujourd’hui, les problématiques sont les mêmes : au XVIIIe siècle déjà, le poète Francesco Algarotti parle de « sujet inféodé à l’économie du spectacle », une considération qui n’est pas sans nous rappeler la fameuse « rentabilité » tristement assénée par notre ministère de la Culture. Le spectacle est-il ennuyeux ? Beaumarchais pense que « de la part du public, il n’y a point d’erreur dans ses jugements au spectacle, et qu’il ne peut y en avoir. Déterminé par le plaisir, il le cherche, il le suit partout.(…) Le spectateur a raison ; c’est le spectacle qui a tort. » 

Un petit recueil pour les amoureux non seulement de l’opéra mais aussi du théâtre et de la musique. Une plongée dans tout un héritage littéraire et artistique, auprès de spécialistes exaltés.

Barbara Petit

Mercure de France, collection « Le Petit Mercure », 128 pages, 6,50 euros.

 

 

 

 

La boîte à outils du théâtre en classe /Cécile Backès

La boîte à outils du théâtre en classe/ Cécile Backès

Si l’on connaît et apprécie Cécile Backès, qu’on a pu voir il y a peu à Théâtre Ouvert dans Fin de l’histoire, de et avec François Bégaudeau, on sait moins que cette metteuse en scène et comédienne anime depuis ses débuts de carrière des ateliers théâtre en milieu scolaire.

Forte de cette expérience de quinze années, elle a décidé de la transmettre afin d’en faire profiter les professeurs de collège et lycée. De fait, des enseignants de français ou de théâtre pour les classes option enseignements artistiques au baccalauréat peuvent avoir l’envie, l’occasion ou la nécessité de mettre en place un atelier et d’initier leurs élèves à la technique de cet art. Ce petit guide, clair, précis et éminemment pratique (mots clés, repères, fondamentaux…), devrait les aider à mener à bien leurs projets grâce à ses nombreuses pistes.

Cet ouvrage présente en outre l’intérêt d’être rédigé par une professionnelle de la scène, et non par un professeur jargonnant dans une terminologie métalinguistique sibylline, comme enseignée dans les IUFM (mais existent-ils encore ?). D’où un style en images et d’une grande simplicité, un ton savoureux et parfois confidentiel, une langue concrète, des propositions autant que des convictions, loin, bien loin d’autres ouvrages pédagogiques… D’ailleurs, les ateliers proposés sont rédigés eux aussi par une comédienne, Salima Boutebal.

Cette boîte à outils, modulable, est prête à l’emploi : les extraits de textes sont recopiés intégralement, accompagnés de leurs exercices. Elle comprend cinq parties :

 

• Ouverture : comment faire du théâtre en classe ?
• Perspective 1 : s’emparer d’un texte
• Perspective 2 : travailler sans texte
• Perspective 3 : construire un projet
• Bilan : l’atelier théâtre, une université populaire pratique.

Le contenu met avant tout l’accent sur une activité conçue comme ludique et émancipatrice, ce qui n’exclut ni le sérieux ni l’engagement. Quant à la formulation expresse de nombreuses questions assorties de réponses, elle devrait rassurer et encourager bon nombre de professeurs.

Barbara Petit

Éditions Gallimard, collection « en perspective » (enseignements artistiques du secondaire), 144 pages, 9,50 euros.

 

 

 

 

Les Peintres au charbon

Les Peintres au charbon

Lee Hall

 

Un art en appelle souvent un autre, car ils se nourrissent mutuellement. Au théâtre, à l’opéra, l’occasion est fréquente d’apprécier des décors de toiles peintes, ou des peintures en trompe-l’œil. À charge de revanche : aujourd’hui, c’est le théâtre qui se fait le serviteur zélé de la peinture. Les Peintres au charbon délivre en effet un office presque cérémonieux, et totalement au service de l’art pictural.
Lee Hall appartient à la pure tradition des storytellers anglais qui, comme Mike Leigh, commettent dans le champ de la comédie sociale, ou comme Ken Loach, investissent les couches sociales défavorisées. Cet excellent conteur a ainsi été le scénariste du tendre Billy Elliot.

Peut-être parce qu’elle se fonde sur une histoire vraie, l’intrigue des Peintres au charbon s’avère solide et originale : la découverte, dans l’Angleterre des années 30, de l’art par un groupe de mineurs. Rapidement, ils délaissent la théorie (les cours d’histoire de l’art) pour la pratique. Et leurs œuvres remportent davantage qu’un succès d’estime : elles finissent par figurer dans quelques musées et galeries. Et ces peintres du dimanche se voient plébiscités par de riches collectionneurs.
Toutefois, aucun d’entre eux ne troquera sa lampe de mineur pour les pinceaux en soie : quel que soit leur génie, ils se sentent viscéralement charbonniers, non pas artistes. Cette pièce de théâtre tient donc un peu du récit d’apprentissage : des hommes, autodidactes, découvrent qu’ils ont un réel talent. Se pose ensuite inévitablement à eux la fameuse question : qu’en faire ?
Dans un style vif et piquant, rehaussé d’un zeste d’humour tout britannique, Lee Hall offre une lecture à plusieurs niveaux. En filigrane, cette pièce fait état de la condition ouvrière des mineurs dans les années 30, de leur politisation avec l’importance des théories de Marx en vigueur, et de son devenir durant la mobilisation de la Seconde Guerre mondiale.
Elle offre par ailleurs un beau tableau des relations entre mineurs, de leur solidarité très fraternelle. Mais surtout, elle sert un discours sur l’art, passionnant et pointu, et sur la condition de l’artiste. Au sujet de la nature, du rôle et du sens de l’art, le texte est intelligent, enrichissant, et tout à fait accessible à des amateurs. Tout donne à penser que Lee Hall est non seulement féru de peinture, mais surtout qu’il aime l’art, qu’il est un esthète. « On ne prend pas le chemin de l’art pour se renseigner sur le monde, on en prend le chemin pour se renseigner sur soi-même ».
Les Peintres au charbon devrait donc, on le souhaite, intéresser les metteurs en scène : une comédie savoureuse (quoique peut-être un peu longue), et une problématique pittoresque. Qu’on se le dise, pour sortir de la traditionnelle impasse, Tchekhov ou Shakespeare !

 Barbara Petit

Éditions de l’Arche, collection « scène ouverte », 124 pages, 13 euros.